EL DIRECTOR NOS LLEVA DENTRO DE SU NUEVA SERIE DOCUMENTAL, AHORA EN STREAMING EN DISNEY+.
«Sólo tienes que pensar en ello.»
Con este sencillo consejo, el creador de Star Wars, George Lucas, inspiró a los artistas de efectos especiales de Industrial Light & Magic para ser pioneros en nuevas técnicas y hacer realidad lo imposible.
«Una cosa que nunca escuchabas de su boca era «¡Eso es imposible!», cuenta Lawrence Kasdan, director y productor ejecutivo de la nueva serie documental Light & Magic, a StarWars.com. «Renunciar era inaceptable». ILM estaba impregnada de un espíritu de ingenio y de la creencia de que siempre había una manera, ya fuera trayendo a los dinosaurios de vuelta de la muerte o enviando al público a toda velocidad a través de las estrellas durante una épica pelea de perros en el espacio. En la opinión de Kasdan, el enfoque de Lucas refleja la atmósfera humanista que hizo especial a ILM, dando prioridad a las personas y permitiendo que la creatividad floreciera a través del libre intercambio de ideas y habilidades tecnológicas.
En Light & Magic, la nueva serie documental de seis partes que se emite ahora en Disney+, Kasdan descorre el telón de los titanes de la industria cinematográfica para contar las historias de las personas que hicieron posible la magia, desde los inicios de ILM hasta las innovaciones actuales. Recientemente, Kasdan se sentó con StarWars.com para hablar de cómo se enamoró del cine, del día en que una invitación para escribir Indiana Jones – En Busca del Arca Perdida cambió el curso de su carrera, y de por qué las lecciones de Light & Magic son tan importantes para la próxima generación de aspirantes a cineastas.
Lawrence Kasdan, en el centro, observa a un miembro del equipo trabajando con Mark Hamill en el set de Star Wars: El Imperio Contraataca.
«Un momento enormemente importante»
Kasdan estuvo escribiendo guiones durante siete años antes de tener su gran oportunidad, trabajando con Steven Spielberg y George Lucas en la primera película de la franquicia de Indiana Jones y, poco después, en Star Wars: El Imperio Contraataca. Pero en 1977, era como todo el mundo que descubría Star Wars en la gran pantalla. Aquel verano, mientras visitaba a unos amigos en Washington, Kasdan vio Star Wars: Una nueva esperanza en un cine de la ciudad. “Todo el mundo en el país iba a ver esta película. Y mis amigos, ya sabes, no estaban necesariamente interesados, pero los arrastré. Y todo el mundo tuvo la misma reacción: ¡¿Qué?! Es lo más divertido que he visto nunca. ¿Cómo lo han hecho?”.
Un mes después, Kasdan había vendido su guion para Continental Divide a Spielberg y le invitaban a reunirse con el director. «La cabeza me daba vueltas porque llevaba mucho tiempo intentando entrar en el negocio», dice Kasdan. «De repente vendí dos guiones y fue casualidad que uno de ellos fuera a parar a Steven Spielberg. El día que me reuní con él, me dijo: ‘Vamos a hacer algo grande con Continental Divide, pero no te he llamado para eso. George Lucas y yo vamos a hacer una película y quiero que la escribas tú. Y creo que George también lo quiere’. Bueno, puedes imaginar lo que estaba pensando. Acababa de estar en paro, ¿sabes? Y me dijo: «Quiero llevarte a conocer a George Lucas«. Yo era completamente nuevo en el negocio y este resultó ser un momento enormemente importante en mi carrera».
El interés inicial de Kasdan por el cine había comenzado casi 20 años antes, cuando el entonces niño de 10 años vio Los siete magníficos en su pequeña ciudad natal de Morgantown, Virginia Occidental. «Cuando era muy joven, más que cualquier película en concreto, para mí lo más importante era la experiencia de estar en esa sala oscura, me encantaba transportarme a otros lugares. Era mucho mejor que leer», dice riendo. «Leer era difícil comparado con eso, pero tenía el mismo efecto: te abre el mundo». El remake de John Sturges de Los siete samuráis como western se le quedó grabado a Kasdan en particular. «Cuando por fin vi la original en la universidad, me quedé alucinado. Creo que es la mejor película de la historia, pero no me di cuenta. Pensé que era un gran western y que estaba lleno de los jóvenes actores que más tarde se convirtieron en estrellas, los cuales se convirtieron además en mis estrellas favoritas. Eso transformó mi vida».
El hermano de Kasdan, Mark, volvió de estudiar en la Universidad de Harvard en la misma época, y fue la primera persona que iluminó la realidad de la magia del cine para el futuro cineasta. «Había salido de esta pequeña ciudad y volvió, y a los dos nos encantaba el cine. Y me dijo: ‘Sabes, no vas a creer esto, pero la gente realmente hace estas películas. Se ganan la vida haciendo estas películas. Estos actores no se inventan estas líneas’. Así de ingenuo era yo. Y me dijo: ‘Podrías tener un futuro haciendo películas’. Todo fue diferente después de eso».
Lawrence Kasdan, a la izquierda, con George Lucas y Mark Hamill entre bastidores en Hoth durante la producción de Star Wars: El Imperio Contraataca.
Metraje nunca antes visto
El trabajo de Kasdan en Raiders y Empire le llevó a la órbita de ILM al principio de su carrera. Aunque su trabajo le resultó estimulante, abordar el documental fue la primera oportunidad que tuvo de sentarse a hablar largo y tendido con sus antiguos colegas. «Estaba cerca de ILM, pero ILM acababa de crearse. No observaba cómo lo hacían, sino que me reunía casualmente con la gente y acudía a las proyecciones y decía: ‘¡Guau!’, ¿sabes?».
Tras escribir y dirigir películas narrativas durante 40 años, Light & Magic es el segundo documental de Kasdan, después de que la realización de un cortometraje sobre un restaurante familiar favorito despertara su interés por el género. En colaboración con Imagine Documentaries, fundada recientemente por Ron Howard y Brian Grazer, le pareció que era el momento adecuado para relatar la historia de ILM. A Howard y Grazer les encantó la idea, y ya tenían una relación de trabajo con Disney e ILM. «Y yo dije: ‘Bueno, ILM, eso es como pedirme que vuelva a mi antiguo instituto’», bromea Kasdan.
Dennis Muren examina un modelo de Ala-Y.Phil Tippett, a la izquierda, y Joe Johnston en el set de Star Wars: El Imperio Contraataca.
Durante unos 25 días de rodaje, Kasdan y su equipo realizaron decenas de entrevistas a algunos de los titanes de la industria, como Dennis Muren, Phil Tippett y Joe Johnston. Kasdan quedó maravillado con sus historias sobre la creación de nuevas tecnologías y equipos, a veces con materiales de desecho y piezas en bruto encontradas en una tienda de electrónica de Ventura Boulevard, frente a su taller. Mientras que los documentales anteriores solían centrarse en los avances tecnológicos y en cómo se descubrían e implementaban las técnicas, Kasdan tenía en mente un ángulo diferente.
En seis horas, Light & Magic explora los fundamentos de algunas de las técnicas de ILM, centrándose en las personas que hicieron esos descubrimientos y avances, contando las historias de los individuos que hacen que ILM siga avanzando. «Me encanta ese espíritu», dice Kasdan. «Pero más que eso, me hace cosquillas el tipo de gente que quiere hacer eso, como Joe Johnston, que puede hacer cualquier cosa. Es un pintor estupendo. Es un gran diseñador. Y lo ves, está empujando una carretilla y moviendo los speederbikes a lo largo. No había nada que no hiciera».
A través de la atenta curiosidad de Kasdan, los maestros de los efectos visuales hablan de sus mayores logros y de sus retos más difíciles, a menudo superpuestos con imágenes nunca antes vistas, desde películas caseras personales hasta fotos y películas extraídas de la colección personal de Lucas y de las bóvedas de Lucasfilm. «Contamos con el mejor personal, fabulosos productores, investigadores y archiveros, y George y Lucasfilm abrieron por separado bóvedas que nunca antes se habían abierto. Estás viendo metraje que nunca se había visto antes», dice Kasdan. «Me encanta esa sensación de intimidad que se tiene cuando un hombre de 74 años está describiendo algo que hizo a los 31 años. Eso no tiene precio».
Lawrence Kasdan y J.J. Abrams en el set de Star Wars: El Despertar de la Fuerza.
«Cómo se hacen las cosas»
Después de cuatro décadas escribiendo diálogos (incluyendo el regreso a Star Wars en Star Wars: El Despertar de la Fuerza) fue liberador permitir que los sujetos de sus entrevistas le sorprendieran, añade Kasdan. «Tenía confianza para hablar con la gente, porque ese ha sido mi principal interés toda mi vida. La mayoría de mis otras películas tratan sobre personas que hablan entre sí y eso es lo que me gusta. Lo que me pareció tan liberador en el documental fue que se les ocurrieron cosas mucho mejores que las que yo habría escrito y mucho más imprevisibles y excéntricas», añade riendo. «Mi objetivo en Light & Magic era crear una atmósfera para la gente en la que se sintieran cómodos hablando de todo… Conseguir que hablaran de lo que hacían y que fueran abiertos sobre sus relaciones, la lealtad que tenían hacia los demás, y los problemas y decepciones que tenían».
Respetuoso, pero sin rodeos, «creo que les estaba haciendo preguntas que no les habían hecho antes, porque gran parte del interés en esas cosas es tecnológico», dice Kasdan. «Se puede ver en el programa que sus recuerdos son tan vívidos como si fuera la semana pasada. Estaban tan apasionados por este trabajo». Aunque el documental ofrece diagramas y explicaciones básicas en torno a algunas de las maravillas de los efectos especiales, el interés de Kasdan se centraba en cuestiones clave como «¿Cómo se consigue que un grupo de personas brillantes se centre en un trabajo diferente cada dos meses, cada año? ¿Cuáles son los retos de éste?». “Me encanta el hecho de que George crease una atmósfera en la que no tenías que saber la respuesta. Sólo tenías que saber que ibas a resolverlo».
Kasdan espera que ese sea el mensaje que resuene en los jóvenes soñadores que hoy se sientan a ver su serie documental. «George siempre solía decir: ‘Sólo piénsalo’. Y eso, para mí, es algo muy inspirador para decirle a los jóvenes», dice Kasdan. «Tengo nietos que están viendo esta serie y me gustaría que recibieran el mensaje de que, aunque a veces un problema parezca insuperable, si sigues trabajando en él…. Es una historia sobre cómo se hacen las cosas. Y me encanta que vean a la gente diciendo: ‘Oh, esto es un problema, pero podemos resolverlo’. Creo que eso es algo muy bueno para que los jóvenes lo vean. Y la motivación para hacer algo es tremendamente importante para la gente. Eso es lo que hicieron estos chicos».
Algunos de los momentos favoritos de Kasdan en Light & Magic son de aquellos años de formación de los futuros ganadores del Oscar de ILM. «Lo que realmente me gusta es cuando ves a un Dennis Muren de 12 años o a un Ken Ralston de 10, y están haciendo cosas que yo no podría hacer hoy. Están creando de la nada», dice Kasdan. «Hacían unos efectos especiales increíbles. ¿Cómo lo hacían? No había ningún manual para hacerlo. Y quiero que los niños de hoy vean esto y digan: ‘Sabes, yo podría hacer una de estas películas en mi patio trasero’».
“Me encanta el hecho de que George crease una atmósfera en la que no tenías que saber la respuesta. Sólo tenías que saber que ibas a resolverlo»
Lawrence Kasdan
¡Disfruta de algunas partes de la entrevista con Kasdan en el último episodio de This Week! In Star Wars a continuación.
Light & Magic, la serie documental de seis partes, está disponible ahora y en exclusiva en Disney+.
Buenas queridas o queridos amigos de la galaxia, si están tan entusiasmados con el papel de Bo-Katan en la tercera temporada del Mandaloriano está entrevista será una lectura recomendable para vosotros. Aquí os dejamos una traducción de la entrevista que le hizo Kristin Baver a Katee Sackhoff para StarWars.com. Esperamos que os disfrutéis.
«Katee Sackhoff ha interpretado a Bo-Katan Kryze durante más de una década, comenzando como la voz de la Mandaloriana pelirroja en Star Wars: La Guerra de los Clones, pero todavía se está acostumbrando a habitar el papel en acción real en El Mandaloriano.»
A medida que la tercera temporada de la exitosa serie de Disney+ continúa con nuevos episodios cada miércoles, Bo-Katan se ha convertido en una formidable coprotagonista del Din Djarin de Pedro Pascal, el mandaloriano del mismo nombre, y del Grogu, el favorito de los fans. En el estreno de la temporada, encontramos a la que fuera heredera al trono de Mandalore ahora sentada sin hacer nada en su trono de Kalevala. Bueno, tal vez no del todo inactivo. «¿Como un bailarín?» Sackhoff ofrece amablemente. La singular postura fue el resultado del trabajo de Sackhoff y el creador de la serie, Jon Favreau, para definir el estado actual del personaje. «Fue algo muy importante para Jon y para mí», cuenta Sackhoff a StarWars.com. «Me hacía sentarme y luego volver, sentarme y volver. Quería que pareciese… un poco irrespetuoso», añade, haciendo una pausa para reírse. «No es la forma en que normalmente se ve a la realeza sentada en un trono. Creo que puede ser una especie de metáfora de parte de sus problemas”.– Kristin Baver
Sackhoff habla de Bo-Katan como si fuera una vieja amiga (ya había contado a StarWars.com cómo soñaba con ser su homóloga animada). Aún así, Sackhoff afirma que le ha costado un poco adaptarse a su propio rostro, que la mira de frente con la armadura completa de Lady Kryze. «Es un medio completamente distinto y, para ser sincera, no me di cuenta de lo diferente que era hasta que me subí al escenario. Pensaba que ya había hecho todo el trabajo y me di cuenta de que en realidad no sabía cómo se movía Bo-Katan, cómo hablaba y cómo se sostenía. De repente, me sentí completamente desprevenida, a pesar de saber tanto sobre ella y su historia».
En la segunda temporada del Mandaloriano, la primera aparición de Bo-Katan en acción real le pareció a Sackhoff como si los creadores estuvieran rindiendo homenaje a la Kryze animada. «No creo que nadie previera que volvería hasta ese punto. Y si lo hicieron, ¡no me lo dijeron!», continúa. «Para esta temporada, quería inclinarme y apropiarme más de ella. Trabajamos en el pelo y sus pecas podrían ser un poco más pronunciadas. Quería que tuviera un aspecto ligeramente diferente, no tanto recortada de la animación, sino que pareciera que pertenece a este mundo.»
Dobles a la altura
Contar con dobles en la serie supone un cambio con respecto a la época en la que Sackhoff empezó a trabajar en el mundo del espectáculo, cuando consiguió su papel de Kara «Starbuck» Thrace en Battlestar Galactica. «Cuando empecé en esta industria, era muy difícil encontrar dobles a mi altura», dice Sackhoff. «Siempre he sido un poco más grande que la mayoría de las mujeres que eran actrices en aquella época, y no encontraban a un doble para mí. En un momento dado me dobló un hombre». La disparidad empujó a Sackhoff a realizar más de su propio trabajo como doble. «Fui literalmente yo haciendo mis propias acrobacias porque la combinación no era perfecta y quería que pareciera creíble».
A medida que la industria ha evolucionado y Sackhoff se ha hecho mayor, las cosas han cambiado. «Me he dado cuenta de que, en primer lugar, ya no me recupero tan bien como antes», dice Sackhoff. «Pero también creo que si dejo a un lado mi ego y reconozco que estamos intentando crear el mejor personaje y la mujer más realista, asombrosa y dura del mundo, en este personaje… No puedo hacer todo eso y sería egoísta pensar que puedo. Así que este año había unas cuantas mujeres diferentes en este traje, y cada una de ellas cumplía una función fenomenal para que Bo fuera lo más feroz posible.» Sin embargo, hay un movimiento que Sackhoff perfeccionó. «¡Tengo un deslizamiento de rodillas endiablado! De vez en cuando, cuando puedo hacer un deslizamiento de rodilla, definitivamente hago un deslizamiento de rodilla».
«Ha cometido muchos errores…»
Esta temporada, Bo-Katan ha entrado en una nueva fase en la vida del personaje. Al final de la segunda temporada, fue a enfrentarse a Moff Gideon, pero Din Djarin le arrebató el sable de luz al ex imperial al vencerle en combate. En lo que va de temporada, ha regresado a Mandalore, ha rescatado a Djarin en dos ocasiones, ha visto un Mitosaurio en las Aguas Vivas y ha visto cómo los restos imperiales destruían su hogar. El viaje la llevó a esconderse con los Hijos de la Guardia, la tapadera mandaloriana de Djarin, que aceptó a los dos apóstatas.
La progresión de la historia puso a Sackhoff frente al personaje de Emily Swallow, la Armera, por primera vez en la serie. Swallow ha dicho que se entretiene a sí misma y a sus compañeros entre toma y toma ideando sus propios spinoff de reality shows mandalorianos como The Bachelorlorian y Pimp My Ship, dos ideas que todavía hacen reír a Sackhoff meses después. «Pasamos mucho tiempo juntos y ponemos todo nuestro empeño en ello. Son muchas horas de trabajo. No voy a mentir y decir que estar sentado en un traje durante 16 horas al día es cómodo. Así que haces cosas para mantener la moral alta. El equipo trabaja muy duro y, ya sabes, Emily es sin duda la persona que suele hacer reír a la gente».
Esa ligereza es bienvenida tanto para el reparto y el equipo que trabajan en el set como para Sackhoff, que se adentra en las profundidades emocionales del estado mental de Bo-Katan. «Es una mujer que ha tenido muchos retos en su vida, muchos sinsabores y decepciones», dice Sackhoff sobre la historia de Bo-Katan en The Clone Wars y Star Wars Rebels. «Siempre ha hecho lo que ha creído correcto para los mandalorianos… Y ha cometido muchos errores en el proceso. Creo que ella lleva todo eso, hay tanta culpa y tanta confusión. Eso se manifiesta un poco en esta temporada. El hecho de que no cogiera el sable de luz [en la segunda temporada] es un momento muy importante». Está claro que algo ha cambiado para Kryze. «Algo es diferente, ¿sabes? Hay una razón por la que no lo hizo, y creo que se presta a en quién se ha convertido y hacia dónde va.»
Y los fans han abrazado el salto conjunto de Sackhoff y Bo-Katan a la acción real de Star Wars. Tras el debut sorpresa en El Mandaloriano, Sackhoff se deleitó viendo las reacciones de los fans en Internet. «Una de mis cosas favoritas del año pasado, no lo hice repetidamente, sería un poco raro, pero vi la recopilación de las reacciones de los fans a la aparición de Bo y se me encogió el corazón», dice. «Me alegré mucho de que fuera tan bien recibida. Quiero decir, escuché: amarla, odiarla. Puedes odiarla. Ha hecho cosas terribles en su vida. Pero la reacción y el entusiasmo general, y ver que la gente sabía instantáneamente quién era, en el momento en que aterrizó… fue realmente genial. Me encantó».
Mientras el viaje de Bo-Katan continúa, Sackhoff se mantiene hermética sobre lo que le espera, confirmando sólo esto: aprendió un nuevo movimiento para la tercera temporada. «Pero si te lo contara, te desvelaría cosas», dice riendo. «Esa es una de las cosas divertidas. Siempre hay una habilidad que vuelvo a aprender y un estilo de lucha diferente para cada personaje. Bo tiene sutileza».
¡Mira parte de la entrevista con Katee Sackhoff y ponte al día de otras noticias en el último episodio de This Week! ¡En Star Wars a continuación!
Hola Bibliotecarios, hoy os traemos en directo una entrevista con el autor del libro «Éste es el Camino: El Fenómeno Mandaloriano», Javier Peinado. Escritor, viajero, fan de la saga y muchas cosss más qué descubriremos charlando con el.
El pasado martes, 21 de febrero, el cineasta Jon Favreau (Nueva York, 56 años) estuvo en la capital de España, Madrid, con motivo de promocionar la inminente 3ª temporada de la serie The Mandalorian, dando una «master class» magistral no sólo sobre lo que podemos esperar los fans, sino de su relación con la saga en general, en un evento al que pudimos asistir como invitados.
El actor que interpreta a Din Djarin (El Mandaloriano), Pedro Pascal, junto al cineasta Jon Favreau.
Hoy os dejamos una transcripción en castellano de los documentos gráficos que hemos podido recopilar del evento, es decir, una traducción de la entrevista que le hicieron.
¡Esperamos que os gusten tanto como a nosotros poder estar en presencia de uno de los creadores de la Star Wars moderna!
LA ENTREVISTA
¿Qué podemos esperar de la tercera temporada de The Mandalorian?
«Bueno, hemos añadido muchos nuevos personajes y muchas historias, hemos planteado muchas cuestiones durante las dos temporadas de The Mandalorian, e incluso hubo unas cuantas en El Libro de Boba Fett. Mando se ha quitado el casco, ha revelado su cara y entre sus compañeros Mandalorianos eso es un gran pecado. Y para poder volver a ser aceptado en su cultura debe redimirse. El único modo de hacerlo es ir al planeta Mandalore, que ahora está en ruinas, bajar a las minas, a las aguas vivientes, y bañarse en ellas para poder ser perdonado.«
¿Cómo coordina todos los proyectos más o menos inminentes de la saga, como The Mandalorian, Ahsoka y Skeleton Crew?
«Sí. Están pasando muchas cosas en Star Wars. Algunas cosas tienen lugar en el mismo período temporal que en The Mandalorian. Así que El Libro de Boba Fett, Ahsoka y Skeleton Crew, todas ellas transcurren entre El Retorno del Jedi, el episodio VI, y El Despertar de la Fuerza, el episodio VII. Son 30 años y nuestras historias transcurren ahí. Hay otras historias, como La Acólita, que tienen lugar antes. Obi-Wan Kenobi: antes. Andor: antes. Así que esa área es donde Dave Filoni, mi compañero… ¿Todos conocéis a Dave? Pues ahora está escribiendo Ahsoka, y es mi compañero productor de estas otras series. Está involucrado en esos otros productos que has mencionado, y por supuesto está Kathy Kennedy.
Así que están pasando muchas cosas en Star Wars. Yo sólo tengo que preocuparme sobre las que están interconectadas a The Mandalorian, por lo que debo mantenerme firme, debo componer bien los hechos.
Recuerdo alucinar no sólo con los efectos especiales, sino con la forma en la que George Lucas hablaba de los mitos. A medida que fui creciendo vi que Lucas hablaba de influencias como el Western, el Spaghetti Western, las películas de samurais, la obra de Joseph Campbell, tan centrada en esos mitos. Me di cuenta de que Lucas usaba la antropología para crear historias y personajes. Tenemos en cuenta todas las historias: las precuelas, la trilogía clásica, las secuelas e incluso el Universo Expandido. Casi todas las conversaciones giran en torno a esto. Más allá de eso lo que debemos hacer es tener personajes que sean claros, fuertes, y tramas argumentales que puedan tener complejidad, pero lo suficientemente simples como para que una persona joven pueda verlas también, porque no queremos cerrar las puertas a los nuevos fans. Y… y está bien que todas las personas de todas las edades disfruten de Star Wars, pero también debemos hacer sitio a la gente joven, porque esto es lo que implica la mitología. La mitología va de esas generaciones que se hacen adultas, obteniendo lecciones de las historias que ven. Y eso es lo que George Lucas improntó en mí cuando hablé con él en persona, esa es la responsabilidad de la que hablamos.
El escritor y mitólogo Joseph Campbell.
Y creo que todos tratamos de seguir fielmente eso. En cuanto a dónde vamos con la tecnología… Tenemos a la gente más inteligente en ILM, y siempre estamos buscando nuevas formas de innovar. Y nunca nos da vergüenza ir más allá con la tecnología puntera.
Pero Star Wars siempre ha sido una combinación entre lo antiguo y lo nuevo. Así que en Star Wars puedes tener una marioneta, como Grogu, que aunque es un animatrónico de alta tecnología, aún así parece una marioneta. No sé si ese personaje podría existir en otro tipo de película. No creo que pudieramos ver a ese personaje en una película de Marvel. No creo que pudieramos verlo en otra película de ciencia ficción. Pero como Star Wars siempre ha tenido ese tipo de relación, máscaras y marionetas, como Yoda, el Yoda original, parte de ello es esa estética. Y puede parecer juguetón y un poco ridículo, pero también puede asustar y ser duro. Y además, también puedes tener efectos visuales invisibles que pienses que son reales junto a alguien que lleva una máscara de goma.»
Hablando de su manera de escribir los guiones.
«Escribir guiones para televisión es un ejercicio magnífico. En cine usamos el guión como una herramienta de ventas. Cada texto pasa por tantas manos que parecemos novelistas intentando encandilar a los lectores. En cambio, cuando tienes varios episodios huyes de lo superfluo, de los adornos, es pura ficción pulp. Tratas de escribir guiones gráficos que emocionen al equipo para que tengan muchas ganas de hacer el episodio. […] Un ejemplo es la escena del Reptador de las Arenas en Tatooine, con los Jawas. Está persiguiendo a los Jawas del Reptador, y eso sólo ocupó más o menos media página. O un trozo de página donde puse: ‘Persigue al Sandcrawler, trepa por él’, mencioné un par de cosas que ocurren, ‘y luego llega hasta arriba y se cae’. Y luego, Rick Famuyiwa trabajó con Dave Lowery, nuestro artista de storyboards, el director de esos storyboards, y el equipo de dobles de acción, y construyeron esa escena entera que vimos todos. Fue como una escena de asalto a un tren de los antiguos Westerns. Así es como se convierte en algo estrictamente colaborativo. Y por eso lo adoro. Y por eso no me marcho a hacer otras películas. Me he quedado con The Mandalorian durante tanto tiempo porque nunca había hecho algo que me llenase tanto como este proceso colaborativo al contar historias para la pequeña pantalla.»
Los Jawas de ojos rojos de la serie The Mandalorian.
[…] No importa cuándo hayan crecido y qué Star Wars sea su favorita. Porque, ya sabéis, cuando yo era joven y estaba creciendo, había cierta cabezonería con El Retorno del Jedi en comparación con las otras dos primeras películas. Yo era un niño pequeño cuando se lanzó la primera, y estaba en el instituto, y la vi en el cine, cuando se lanzó El Retorno del Jedi. Incluso en aquella época había discusiones sobre cómo debía ser de verdad Star Wars. Y, entonces, se lanzaron las precuelas, y hubo gente que dijo ‘Nuestra Star Wars es mejor’, y ahora esa gente que ha crecido con las precuelas dice ‘Eso es Star Wars’. Así que debes verlas con renovada curiosidad. Porque debes darte cuenta de que la visión de George es lo que las ha unido a todas. He estado hablando mucho con Dave Filoni, y yo he llegado a apreciar las precuelas. Y ahora tienes secuelas para toda una nueva generación que conectan con esos personajes, y hay gente que ha crecido con The Clone Wars. Porque ha habido más o menos 10 años en los que eso era Star Wars. Así que nuestro objetivo es juntar a todos los fans de Star Wars. No importa qué es lo que más te guste, lo que queremos es respetar esa parte del canon y que todo el mundo se sienta incluido en lo que estamos presentando.»
La influencia de Marvel y su inspiración.
«Una de las cosas que más me gustan y que aprendí de las películas de Los Vengadores. Lo que me parece interesante es que son capaces de hacer capítulos que no están en las historias específicas de los personajes y aún así afectan a esos personajes y a los Vengadores, como la Capitana Marvel siendo presentada en Black Panther. Así que aprendí mucho viendo cómo de sofisticado era el público. Y la gente es muy rápida al contar a los demás lo que se han perdido. Así que sentí que tenía la libertad de no permitir que esos dos personajes estuvieran separados durante mucho tiempo en The Mandalorian y que experimentasen eso en El Libro de Boba Fett en capítulos que eran casi como una novela en la que hay capítulos donde tratan sobre otros personajes distintos.
Y todo el mundo parece haberlo seguido, por supuesto, gracias a Disney+ puedes volver a ver esos episodios, además de que vamos a hacer recapitulaciones para la gente que sea parte de esos espectadores más casuales y que quieran que se les ponga al día tras dos años, y recordar dónde estaban los personajes. Pero Grogu se ha desarrollado un montón, y ahora ha pasado incluso más tiempo desde El Libro de Boba Fett, y como ha estado entrenando con Luke, como podéis ver, sus poderes de la Fuerza se han hecho aún más grandes.»
Sobre George Lucas.
«Lo he conocido, pero lo conozco mejor a través de la gente que ha trabajado con él durante mucho tiempo, como Kathy Kennedy o Dave Filoni. Um… Él es un mentor interesante. Trata con cada cual de una forma un poco distinta. Es alguien que está disponible, pero que no está siempre cerca. Es, un poco, como un abuelo, en el aspecto de que él nos visita y juega con los niños, pero no cambia pañales, ¿sabes? [Risas]. Pero también es muy listo, ya que todo esto ha venido de su imaginación. Y… bueno, cuando visita el set de rodaje – no suele hacerlo mucho, sino algunas veces – pero cuando viene sientes cómo cambia la energía. Porque por muy excitante que sea trabajar en Star Wars, cuando está ahí realmente sientes que estás conectado a aquello de lo que vino.
Y… um… Creo que es importante que escuches lo que dice, y que de verdad pienses en lo que quiere decir, porque suele hablar de cosas que aparentemente están relacionadas con Star Wars; hemos hablado de otros mitos, otras películas, pero él se preocupa mucho por ello; he tenido mucha suerte de haber podido conocerlo, pero en todas las conversaciones que hemos tenido Star Wars no aparece con tanta frecuencia. Habla de otras cosas que apelan al contado de historias en general, y la relación entre quién cuenta esa historia y el público, y la relación entre cada generación y lo que la historia representa para ellos. Creo que ha pensado mucho en estas cosas, durante mucho tiempo. Y me creo muy afortunado por haber podido tener esas conversaciones con él, no sólo como persona, pero él no dice, él no llama y dice «estáis haciendo esto bien o lo estáis haciendo mal», es muy generoso con la gente que intenta contar con él, le hace muy feliz informarles sobre lo que él pensaba y sé que otros cineastas de la familia de Star Wars han contactado con él, y es muy generoso con su, eh, con su guía estos tiempos.
George Lucas junto a Jon Favreau en el set de rodaje de The Mandalorian.
Hay muchos fans en la comunidad del cine, como podéis imaginar. Muchos fuimos inspirados para ser cineastas gracias a Star Wars. Antes de que J.J. [Abrams] se subiera al barco, él estaba… pensamos que él iba a hacer Star Trek. Todos hablábamos de eso entre nosotros. «¿Vas a hacerlo tú? ¿Quién va a… quién va a… hacer Star Wars?
Y, por fin, J.J. se hizo cargo y tomó esa responsabilidad. Y le presentó Star Wars a todo un nuevo conjunto de fans, y creó muchos personajes maravillosos. Y… pero… Hubo discusiones sobre hacer no sólo esa trilogía, la trilogía de secuelas, sino también otros títulos, y Kathy [Kennedy] tenía una visión enorme que compartió con Disney sobre todas las distintas películas que podían llevarse a cabo, así que se hizo público que había espacio para nuevas ideas para Star Wars que fueran más allá de lo que concibió George [Lucas].
Y me puse a ver pelis antiguas, pensé mucho en ellas. Y tuve una imagen mientras trataba de buscar ideas, sobre que Luke Skywalker sería más mayor, alguien un poco parecido a lo que era Obi-Wan Kenobi en la primera, en la trilogía original… y que sería genial que estuviera entrenando al niño, entrenando a un Padawan que fuese de la especie de Yoda, para que el espectador que hubiera crecido recordando las antiguas viese que el viejo Maestro Jedi Yoda, la misma especie que entrenó a Luke, sería… Un niño de esa especie sería a quien Luke entrenaba.
Favreau durante el evento fan en Madrid.
Y nos vimos metidos en esa relación y lo que significaría para Luke Skywalker. Nunca discutí esa idea con ellos, nunca hice un esbozo para entregarlo, simplemente lo había escrito en mis notas, pensando en cosas que a mí me gustaría ver.
Entonces se anunció el servicio de Disney+. E iban a hacer más de Star Wars. Y siempre creí que si alguna vez yo hacía Star Wars querría que fuera algo pequeño. Querría algo del mismo tamaño que cuando yo fui al cine, cuando lo que ahora es Una Nueva Esperanza simplemente se llamaba «La Guerra de las Galaxias». Y recordé que, aunque tenía esas naves gigantes y grandes batallas espaciales, era usualmente… como un Western, o como una película de Samurais. Había un gran horizonte con poca gente caminando, había un pistolero, e ibas a la cantina, era básicamente… Me metió a mí en el Western y en las pelis de Samurais. A esa edad sólo conocía Star Wars.
Pero luego, a medida que fui aprendiendo más, y escuché a George Lucas hablar de sus influencias conocí a Kurosawa, conocí a John Ford, [Sergio] Leone, y además a Joseph Campbell. Sobre mitología. Y lo que era contar historias, sobre cómo cuenta historias cada cultura, y cómo esos héroes, esos arquetipos, y todos esos conflictos por los que pasa la gente parecen ser recurrentes a cada era, a cada cultura.
Así pues, nuestra inspiración fue «vamos a hacer algo que podamos sacar de lo que influyó en George». Y George también creció en una época en que veía películas sobre la Segunda Guerra Mundial cuando era niño, veía a Flash Gordon en los cines.
Una de las películas de Flash Gordon. Como curiosidad, el villano de esta película, Max Von Sydow, interpretó a Lor San Tekka en El Despertar de la Fuerza.
Y esas fueron las cosas que le influenciaron, y Dave [Filoni] y yo hablamos y dijimos «si vamos a hacer Star Wars, vamos no sólo a buscar en Star Wars, vamos a buscar qué influyó en George y lo convirtió en el cineasta en que se convirtió. Y volvamos a la fuente que le inspiró». Así que nos pusimos a ver las viejas películas de Flash Gordon, a Kurosawan, eh, Ford, Leone, y muchos otros, Peckinpah, y viejos shows de televisión que eran Westerns de media hora de duración, y de ahí sacamos nuestra propia inspiración. Y, eh, no sé si estoy respondiendo directamente a alguna pregunta pero eso es lo que yo luego fui y le entregué a Kathy Kennedy.
Era muy simple. Dije: ‘Un tipo camina hacia un bar, viste armadura de beskar, es un Mandaloriano, entra en él y la gente que estaba metiéndose con alguien más empieza a meterse con él. Deja el bar vacío porque es un pistolero muy eficiente. Y luego la persona con la que se estaban metiendo va a intentar agradecérselo y él dice ‘No, he venido a por tí, sacando un póster de ‘Buscado’ (Wanted), y lo coge y se lo lleva fuera. Esa fue la primera escena del primer episodio y les gustó, a Kathy Kennedy le gustó, y me dijo ‘¿Conoces a Dave Filoni? Él sabe mucho, ha estado haciendo algo sobre Mandalorianos también. Yo había hecho una voz, porque conocí a Dave tras ir al Rancho Skywalker cuando estaba haciendo la mezcla de sonido para la primera película de Iron Man y él estaba trabajando en The Clone Wars antes de que esa película se lanzase. Y nos enseñamos mutuamente en qué estábamos trabajando, y nos hicimos amigos. Y le dije, ‘Si alguna vez necesitas alguna voz, me encantaría, yo también soy actor, y me cogió para hacer de Pre Viszla, un Mandaloriano que tenía el sable oscuro, ¡es un muhdo pequeño donde ocurren coincidencias extrañas! Creo que me inspiró verlo y divertirse tanto y, bueno, ese fue el comienzo de todo.»
Sobre el momento del final de la temporada 2, con Luke Skywalker
«Creo que… bueno, creo que cuando Luke Skywalker apareció no fue algo que hubiéramos planeado desde el principio. Pero mientras Dave Filoni y yo hablábamos de lo que estaba pasando, hacia dónde iba la historia porque los personajes, la historia, iba en una dirección apropiada, y él [Din Djarin] ha sido encargado con la tarea de entregar a ese niño a algún sitio donde pueda continuar aprendiendo cómo controlar sus habilidades, y nos quedó muy claro que no queríamos que ese niño con tanta habilidad fuera poco disciplinado, porque eso puede ser muy peligroso, así han aparecido los más poderosos villanos de Star Wars, por la mal guiada aplicación pública de la Fuerza. Así que era importante que alguien tomase esa responsabilidad, con lo cual este personaje, el Mandaloriano, lleva a este niño del que no conoce nada, y los Mandalorianos son históricamente enemigos de los Jedi… Que él entregase a este personaje a un Maestro Jedi era un acercamiento muy interesante para la segunda temporada.
Luke Skywalker hizo un acto de presencia memorable en el capítulo final de la segunda temporada de The Mandalorian.
Y luego empezamos a pensar en a quién podría entregar al niño, y nos dimos cuenta de que no tendría sentido que no fuera Luke Skywalker. Porque sabemos que Luke Skywalker está intentando crear una academia durante esta época, así ha sido establecido por la historia, y sabemos que… sabemos que Luke Skywalker era, ya sabes, estaba, le llamaron El Último Jedi.
Ha habido otros que, bueno, nos dimos cuenta de que también están por ahí y han sobrevivido a la Orden 66, pero… pero Skywalker era el importante. Y comenzamos a pensar, bueno, ¿cómo lo hacemos? Teníamos que… Bueno, llamamos a Mark Hamill antes que nada mientras pensábamos en esto, le enseñamos lo que estábamos haciendo. Y en cuanto Mark Hamill y Dave Filoni dijeron «este es… es el camino correcto a seguir» tuvimos que pensar cómo llegar a ello. Qué tecnología podíamos usar para ayudar a presentar la historia que no distrajera demasiado, cómo presentarla. Peyton Reed fue el director.
Y fue tan divertido ir dando pequeñas pistas a través del episodio: primero ves un Ala-X. Y luego ves a un Jedi en blanco y negro. Después ves el color del sable láser y que su mano tiene un guante. Y poco a poco empiezas a caer en la cuenta de que es él. Y luego pelea dentro del corredor, y al fin usamos a ILM y la mejor tecnología que teníamos en ese momento para rejuvenecerlo. Y tocamos la música, y Pedro nos dio una actuación increíble, y recuerdo que lo mantuvimos muy en secreto, rodamos durante uno de nuestros días libres, y es alucinante por cómo vivimos estos días, esta época, que el secreto no saliera a la luz.
Y todo eso nos sobrepasó tanto, pero para mí, un niño de 10 años cuando se lanzó Star Wars, cuando R2-D2 apareció rodando en el set, me quedé sin aire. Lo siento, ese fue el momento en que mi cerebro empezó a arder de un modo raro, como si… Como artistas, nosotros, nuestro subconsciente nos lleva por un camino que no sabemos dónde vamos a terminar, y nuestro subconsciente se muestra a través de nuestro trabajo, las cosas con las que debe lidiar nuestra mente consciente, nos fuerza a mirar a las cosas. Nuestro subconsciente nos conoce mejor que nuestra mente intelectual.
Y a través de tu trabajo, si haces un buen trabajo, de vez en cuando tu yo interior te manda mensajes. Y fue algo muy, eh, emotivo, estar ahí ese momento, y estar rodeado de esos personajes con los que crecí, y esos actores como Mark Hamill, y con una gente con la que he trabajado tan duramente y que comparten esa misma pasión, y fue sólo un momento realmente emotivo que me hizo sentir muy afortunado de hacer lo que hago para ganarme la vida. Guau.»
¿Qué es lo que más te gusta de España?
«Sin duda, tenéis una comida excepcional. Debo probar más, eso si, para dar una respuesta más educada, y no conozco los nombres en español y pido perdón de antemano por ello, pero diría que los huevos con patatas estaban muy ricos, ¿verdad?, las gambas al ajillo, y el jamón milagroso, eso es genial, y soy un gran fan de todo ello. Tengo que volver para poder responder mejor a tu pregunta.»
Os dejamos también aquí el Vlog donde la Biblioteca del Templo Jedi (gracias a @mariopinchudo) recopila los vídeos con las respuestas del cineasta:
La guerra ha llegado a su fin y con ella la República Galáctica a la que servían. La destrucción de Ciudad Tipoca en Kamino que vimos al final de la primera temporada de Star Wars: La Remesa Mala quiere decir que el Imperio ahora cree que el escuadrón de élite ha desaparecido. Y si mantienen un perfil bajo y juegan bien sus cartas, pueden permanecer a salvo tanto ellos como su nuevo miembro, Omega, en la temporada 2, que debutó con dos episodios en Disney+.
«Cerramos un capítulo a propósito en la temporada 1», comenta a StarWars.com la productora ejecutiva Jennifer Corbett, que también es la cabeza pensante de los guionistas de la serie. «Fue una especie de reseteo de la serie. La idea era que ahora que Ciudad Tipoca ha sido destruida, el Imperio cree que la Remesa falleció durante el ataque, así que ahora tienen cierta libertad relativa. Pueden hacer misiones y estar un poco por debajo de los radares.»
La productora ejecutiva y guionista principal de La Remesa Mala: Jennifer Corbett.
Pero quedarse de brazos cruzados no es una tarea simple para esta Remesa con brújula moral. «Queremos empujarlos de nuevo muy rápido a ser succionados al mayor conflicto Galáctico», añade Corbett, «y las cosas se van a volver mucho más complicadas para ellos».
Corbett y el director y productor ejecutivo que supervisa la serie, Brad Rau, tienen su propio canon en la cabeza sobre lo que ha estado haciendo la Remesa durante estos meses que pasan entre ambas temporadas. «Han pasado de ser esos soldados de la República a quien posiblemente se les proporcionaba los mejores atuendos, el mejor equipo y las mejores misiones», menciona Corbett, «a trabajar para obtener su sustento, sobrevivir con armaduras gastadas y hacer cualquier misión que puedan cumplir con seguridad. Me lo imagino como un road trip familiar», expresa sonriente. «Campo a través, en mitad de todo y con un largo camino por recorrer.»
«Se convirtió en parte de nuestro póster para la Celebration: ‘El Largo Camino por Delante’«, dice Rau. «Queríamos ponerlos en un punto donde las cosas no les van muy bien. ¿Qué van a hacer? ¿Cuál es su siguiente decisión? El Imperio está por todas partes y sigue creciendo, así que no puedes hacer lo que realmente quieres. Es un mundo más pequeño.»
«Atrévete a ser grande»
Más allá de la Fuerza Clon 99 – Hunter, Wrecker, Tech, Echo y Omega – la serie, que surgió como una escisión de un arco de la temporada final de Star Wars: The Clone Wars, también explorará lo que implica ser un soldado clon normal en una galaxia en posguerra. Harán su aparición el Capitán Rex y el Comandante Cody junto al antiguo miembro de la Remesa Mala, Crosshair, quien ha jurado su lealtad al Imperio a pesar de haberse quitado su chip inhibidor. «No os preocupéis, fans de Crosshair», cuenta Corbett. «Él está ahí.»
La serie también está producida por el (productor) ejecutivo Dave Filoni, quien tomó el episodio centrado en Crosshair y que narra un día de su vida junto a un clon normal tras la Orden 66 y sugirió que tuviera la cara familiar del Comandante Cody como un cameo. La revelación de este personaje en el teaser tráiler de la Star Wars Celebration de Anaheim, junto al primer vistazo al joven Jedi Wookiee Gungi, superviviente de la Orden 66 y que apareció en el arco de «La asamblea» en The Clone Wars, dibujó una respuesta tan entusiasta de los fans que «hizo temblar la planta entera del edificio», recuerda Corbett.
El productor ejecutivo y director supervisor de La Remesa Mala: Brad Rau.
Filoni desafía con regularidad al equipo para ir más allá de las fronteras de lo que creían posible, expresan Corbett y Rau. «Siempre nos recuerda: ‘¡Atreveos a ser grandes!», indica Rau. «Creo que es importante para todo el mundo escuchar eso. Debemos ir tan más allá como podamos.»
Wrecker y Omega durante la primera temporada de La Remesa Mala.
Desde la primera temporada, la Remesa Mala ha crecido y evolucionado como unidad, intentando encontrar su lugar en una galaxia cambiante. «En el episodio inicial de la temporada 2 queríamos hacer una misión que supusiera una encrucijada para la Remesa donde pudieran o salir caminando o asumir el riesgo de obtener ese botín de guerra esperando que, quizá, sus mayores sueños se volvieran realidad», dice Corbett. Para conectarse con una galaxia más amplia, el mundo Separatista que escogieron no fue otro que Serenno, antiguo hogar del Conde Dooku. ¿El objetivo? El Palacio del Conde. «Es un sitio que da pavor y que tiene muchos tesoros, así que dimos el salto hacia él», comenta Corbett. «Dave es quien añade esa salsa tan especial a los episodios.»
Hunter y Omega durante la primera temporada de La Remesa Mala.
La Remesa «Mamá»1
Los creadores trabajan muy duramente para mantener el show accesible a fanáticos de todas las edades, imbuyendo a sus historias de problemas que pueden existir tanto en nuestro mundo como en la galaxia tan, tan lejana. «Tiene que ser algo con lo que nuestros espectadores puedan conectar», menciona Corbett.
Omega, el corazón de la Fuerza Clon 99, ciertamente ayuda, proporcionando una lente más inocente con la que ver el mundo y sus dificultades. Tras las consecuencias de la Orden 66, la Remesa Mala se ha convertido en una especie de «Remesa Mamá» para su recluta más joven, protegiéndola y enseñándole las habilidades necesarias para sobrevivir.
La Remesa Mala en la temporada 2 de la serie.
Mientras que la temporada 1 exploraba la conexión entre Omega y Hunter y Wrecker, esta temporada se centrará más en su relación con Echo y Tech como premisa de sus creadores. «Echo es genial, y de verdad queríamos asegurarnos de que le dábamos el suficiente espacio para ver cómo influye en Omega y qué le puede enseñar», cuenta Rau. «Lo mismo con Tech», añade Corbett. «Logramos divertirnos mucho con él y darle, de alguna manera, un poco más, profundizando en su relación un poquito.»
Omega está cambiando y creciendo junto a su nueva familia. En los meses que transcurren entre ambas temporadas, los fans verán a una Omega algo más mayor y más sabia, con guiños a sus congéneres adultos tanto en diseño como en sus habilidades con el arco de energía. «Al final de la temporada 1 Omega fue testigo de primera mano del poder del Imperio y de cuán peligroso es», indica Corbett. No sólo ha hecho que el personaje comparta algo de su inocencia, sino que es el tipo de cosa que haría que cualquiera quisiera huir y esconderse.
El nuevo personaje de esta temporada: Phee Genoa.
Aún así, existen lugares luminosos en la galaxia, como la nueva incorporación, Phee Genoa, interpretada por Wanda Sykes. La pícara, descrita como un cruce entre Han Solo, Jack Sparrow y la pirata real Anne Bonny, es el complemento ideal para esa Remesa que no acepta los sinsentidos y la mente centrada en el trabajo de Cid. Los creadores incluso hablaron un poco del personaje – en código – mientras estaban en la cola de espera de la atracción de Piratas del Caribe de Disneyland, señaña Rau, sonriente. «Wanda es increíble y aporta muchísimo a ese personaje sacado de pelis de espadachines que dice tantas bravuconadas… Una sinvergüenza con algo más de estilo. Cid les da un poco de caña a estos tipos, pero… ¿quién le da caña a Cid?», pregunta Rau. «¡Pues Phee Genoa! Intencionalmente, cuando rodamos su presentación, la conocemos por tener sus botas encima del escritorio de Cid. Y eso dice mucho del personaje.»
Y en esta temporada los fans se pondrán al día con Nala Se, quien se salvó de Kamino gracias a las fuerzas Imperiales y al propio Emperador Palpatine. «En el tráiler los fans pudieron ver a Palpatine en el Senado, así que posiblemente exploremos Coruscant un poco durante esta temporada», anuncia Corbett. «Y quizá entremos en contacto con gente que podría estar en ese lugar durante esos tiempos.»
La cruda realidad de las fuerzas del régimen Imperial harán que la Remesa Mala y Omega se pregunten cosas bastante difíciles durante esta temporada, mientras a su vez encuentran a otros que están o bien luchando contra la tiranía o bien intentando hacer cosas buenas…
Hunter, Tech y Echo junto a Omega.
«Más adelante, en esta temporada tenemos un momento realmente dulce donde Omega va a sacar a relucir todas estas preguntas a uno de sus ‘padres’», indica Rau. «Esto es terrible. ¿Qué es lo que se supone que debemos hacer? Y él le dice que a veces todo lo que podemos hacer es intentar ayudar lo máximo posible y seguir adelante.» Es un momento más pequeño de amabilidad y compasión durante un conflicto más grande, pero es una lección muy importante, especialmente para los espectadores más jóvenes de la casa, quienes pueden verse sobrepasados por cosas que escapan a su control en esta galaxia. «¿Qué se supone que debemos hacer cuando las cosas son terribles? A veces sólo puedes hacer lo que sabes. A veces hacer sólo un poco para intentar ayudar merece la pena. Creo que eso es lo verdaderamente importante que vean los niños y lo que queríamos hacer en ese momento.»
E incluso en un tiempo muy oscuro para la galaxia, siempre hay un atisbo de esperanza. «Siempre intentamos mantener el elemento esperanzador», señala Corbett. «Eso es lo que creo que es Star Wars de verdad. Así que siempre queremos asegurarnos de que ese elemento está presente en el engranaje de estas historias… Hay mucho corazón en la temporada 2. Estoy muy emocionada de que los fans puedan ver de verdad dónde estamos llevando esta historia y que puedan experimentarla.»
1 – N. del T.: En el original se indica «The Dad Batch». Para mantener el juego de palabras a la par que conservar el significado y la rima del mismo, «Mamá» por «Mala» suena mejor que «Papá».
¡Hola bibliotecarios! Os traemos la traducción de este interesantísimo artículo de Kristin Baver (presentadora de This Week! in Star Wars y autora de Skywalker: Una familia en guerra, así como de la nueva edición del Año a año) sobre los primeros años de ILM, que sirve de introducción a la serie documental Light & Magic, estrenada hace poco en Disney+. Como complemento, os dejamos el enlace a este artículo sobre la trayectoria de Phil Tippett, uno de los nombres claves de esa época, y a este otro sobre StageCraft, la última tecnología desarrollada para la creación de los efectos visuales de las series de Star Wars.
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Los protagonistas del nuevo documental Light & Magic, que ya se puede ver en Disney+, nos hablan de las innovaciones que ayudaron a dar forma a la historia del cine moderno.
Durante casi 50 años, Industrial Light & Magic ha sido un campo de pruebas para la imaginación, reuniendo a personas de diversas disciplinas, pero con ideas en común, para innovar en el arte de los efectos visuales en el cine.
En sus inicios, ILM era un lugar para crear lo imposible, donde el ingenio era recompensado con resultados, la aclamación de la crítica y éxitos de taquilla que inspirarían a la siguiente generación de creadores.
«Es algo que nunca podría volver a suceder», dice el director y artista de efectos visuales Joe Johnston a StarWars.com. «Se juntaron todos estos elementos diferentes, ¡algunos de los cuales tuvieron que ser creados sobre la marcha! No existían, como el control de movimiento. Y se juntaron todas estas personas, que aunque la mayoría no había trabajado antes en el cine, tenían unas habilidades y unos talentos muy específicos. Fue una asombrosa conjunción que se dio en ese momento que nunca podrá volver a repetirse. Y todos tuvimos la suerte de formar parte de ello».
Dennis Murren mirando un modelo de bombardero TIE
Por cada éxito, siempre surgía un nuevo problema que había que resolver para seguir evolucionando, y los pioneros de ILM nunca se dieron por vencidos. «Sólo mantengo la curiosidad y, cuando termino una película, intento ver el trabajo que he hecho ya ha quedado obsoleto», añade Dennis Muren, supervisor de efectos visuales durante mucho tiempo y ahora director creativo consultor en ILM. «Lo digo en serio. No significa que no te guste. Pero, ¿hay otro lugar al que podría haber ido que me satisfaga más a mí y al público? Hay que investigar y ser curioso».
Para celebrar el lanzamiento de Light & Magic, la nueva serie documental de Disney+ dirigida por Lawrence Kasdan, que recorre la historia de ILM desde su génesis en la primera película de Star Wars hasta sus últimos avances con la tecnología StageCraft de ILM, visitamos el Rancho Skywalker, donde nos reunimos con algunas de las brillantes mentes que ayudaron a convertir a ILM y Skywalker Sound en lo que son hoy.
El equipo con una mesa llena de modelos de ala-X
«SE ENCENDIÓ UNA LUZ»
Johnston, Muren, Phil Tippett y Ben Burtt fueron algunos de los pioneros de los efectos visuales y el diseño de sonido contratados en la temporada de formación de ILM y Skywalker Sound.
«Creo que fui el undécimo empleado contratado», recuerda Johnston, que atribuye la escasez de personal a que buscaban gente que pudiera trabajar en varias cosas a la vez, desde el storyboard hasta la creación de maquetas. «Cuando Grant McCune, en el taller de maquetas, me preguntó si podía pintar esto, le dije que sí. Nunca había pintado una maqueta así, pero vas descubriendo cosas sobre la marcha, te equivocas y luego aprendes de los errores».
Ben Burtt tras las cámaras de El Imperio contraataca
Aunque acabaría convirtiéndose en el principal diseñador de sonido de la trilogía original de La guerra de las galaxias y de muchos otros proyectos de Skywalker Sound, Burtt ya formaba parte de Lucasfilm en aquellos primeros tiempos. La industria estaba recién creada, por lo que la mayoría de las personas contratadas en aquel momento no tenían experiencia en el trabajo de un largometraje tradicional. «No se trataba de veteranos de Hollywood que tuvieran una forma de hacer las cosas», dice Burtt. «Eran todos jóvenes con ideas nuevas, que venían de diferentes entornos para trabajar en una película en la que iban a aprender mucho sobre la marcha. Y se les pidió que inventaran cosas y pensaran fuera de lo convencional. El caso es que, para empezar, todos estaban ya fuera de lo convencional».
Muren contrató a Tippett —ambos llegarían a ganar el Oscar a los mejores efectos visuales— durante la producción de Una nueva esperanza. «Tuvimos mucho cuidado con quién contratábamos. Conocía a mucha gente, pero solo confiaba en aquellos que sabía que podían hacer el trabajo. Y creo que eso ocurrió en muchos departamentos».
«De diferentes disciplinas», añade Tippett. «Un montón de chicos que no eran cineastas en absoluto».
Ambos habían trabajado ya en Cascade Pictures, donde Tippett había conseguido su primer trabajo siendo un adolescente. Pero se conocieron cuando Muren le mostraba la bobina de efectos especiales de su película The Equinox: Journey into the Supernatural. «Me quedé prendado de aquello», cuenta Tippett a Muren. «Tenía algo que mostrar que era realmente impresionante».
Phil Tippett con una marioneta stop-motion de un tauntaun. Phil Tippett con una marioneta de stop-motion AT-AT.
De adolescente, Tippett estaba fascinado con averiguar cómo había hecho Ray Harryhausen sus epopeyas en stop-motion. «Tendría unos 14 años cuando salieron las versiones en 8 mm de las películas de Harryhausen. Conseguí una de esas pequeñas cosas de juguete que podías comprar en una tienda de bromas y que tenía 10 segundos de un clip de Laurel y Hardy, y lo reconfiguré con un par de carretes de cinta que de alguna manera arreglé con lápices», recuerda Tippett. Pude revisarlas fotograma a fotograma y ver lo que ocurría en cada uno de ellos, y luego pose a pose. Hacías todo lo que podías para formarte. Los referentes eran especialmente importantes.»
Tippett formaba parte del equipo que trabajaba en la secuencia original de la cantina, pero su don para esculpir seres de otro mundo y darles vida mediante marionetas de stop-motion le llevó al taller de criaturas desde el principio. Todavía recuerda la reunión oficial de contratación. «Jon Berg y yo fuimos a nuestra entrevista con George [Lucas] para hablar de dinero. El padre de Jon tenía abejas y, sin que Jon lo supiera, era alérgico a ellas y una le había picado en la cara. Así que se parecía a Quasimodo y fuimos a la entrevista, ya sabes, para hacer monstruos», dice Tippett riendo.
En colaboración con Muren y el equipo de ILM, Tippett y el equipo de animación tomarían el sistema de cámara Dykstraflex que había hecho de las peleas en el espacio una ilusión creíble para hacer que los tauntauns corrieran por las llanuras nevadas en El Imperio Contraataca. «Me costó mucho tiempo aprender a mover una nave espacial y conseguir que pareciera que estaba volando de verdad», dice Muren. «Bueno, Phil estaba de visita un día y…»
Un equipo de stop-motion coloca las maquetas del AT-AT en el rodaje de El Imperio Contraataca.
«Fue como si se encendiera una luz», añade Tippett, terminando la frase de Muren. «Los animadores de stop-motion habían estado intentando hacer desenfoques con sus personajes y nada funcionaba. Y era bastante evidente». Bautizado como «go-motion», el equipo fusionó ese modelo con el sistema de control de movimiento. «Fue un salto enorme, que pasó a ser algo mucho más sofisticado cuando lo usamos para El dragón del lago de fuego y El retorno del Jedi«.
«Intentábamos hacer algo diferente, ¿sabes?», añade Muren. «Podríamos haber hecho el mismo stop-motion. Podríamos haber hecho todo tipo de cosas para intentar desenfocar con vaselina en la lente, pero ILM siempre ha intentado ir al siguiente paso para hacer lo mejor.»
ANIMACIÓN POR ORDENADOR
Ed Catmull, cofundador de Pixar, empezó queriendo dedicarse a la animación, inspirado por su amor a la película de Disney Pinocho, antes de llegar a la conclusión de que no era un artista lo suficientemente bueno para lograr su objetivo. De manera fortuita, cuando llegó a la Universidad de Utah en los 70, se decantó por las ciencias de la computación, en una época en la que el potencial de la realidad aumentada y la narración de realidad virtual apenas estaba comenzando. «Lo cambió todo», dice sobre el descubrimiento de la combinación del arte con la tecnología. «Eso básicamente me reorientó».
George Lucas tras la cámara
Tras su graduación, Catmull trabajó en el Instituto Tecnológico de Nueva York durante un breve periodo de tiempo. «El problema era que el tipo que financiaba el programa creía que los informáticos iban a sustituir a los artistas. Ese no era el enfoque correcto», dice. Por suerte, George Lucas se había interesado por las posibilidades tecnológicas de los gráficos animados generados por ordenador. «George se convirtió en la única persona con credibilidad en toda la industria cinematográfica que pensaba que esto iba a ser importante y estaba dispuesto a financiarlo», recuerda Catmull. «Me hizo una oferta y la acepté de inmediato. Así que empezamos a crear un grupo, la División Informática de Lucasfilm».
Juntos crearían la base de la tecnología RenderMan, que más tarde ayudaría a lanzar los Estudios de Animación Pixar y las películas animadas por ordenador de ahí en adelante. «ILM estaba formado por gente que era la mejor del mundo en los procesos químicos mecánicos ópticos. Era realmente increíble. Pero lo mejor de todo es que se concentraban en lo que necesitaban conseguir en la película, no en cómo funcionaban las máquinas», dice Catmull. «Eran neutrales respecto a los ordenadores; no se oponían a ellos».
Detrás de las cámaras del diseño de sonido de El Imperio Contraataca
El ambiente en ILM era una combinación de entusiasmo sin límites y de una tremenda presión. «Era una época muy animada», dice Burtt. «ILM era un lugar donde todo el mundo iba en pantalón corto; era como una comunidad de playa. Era definitivamente informal. De hecho, al principio me sorprendió un poco… Pero en el fondo siempre había un poco de estrés porque había que alcanzar un objetivo enorme y la tecnología para hacerlo se estaba inventando día a día.»
«Fuimos mejorando en lo que hacíamos. Lo descubriamos, teníamos un proceso», añade Johnston. «Al principio, era sólo experimentación. Pero nunca supimos realmente cómo iba a ser la película, ¿sabes? Ni siquiera vimos [La guerra de las galaxias] completa hasta el estreno. Habíamos visto un corte aproximado sin efectos visuales».
Johnston se marchó en 1985, con planes para viajar con todo el dinero que había ahorrado durante su trabajo en ILM durante una década. «Nunca quise dedicarme a la industria del cine», dice. «Era diseñador industrial cuando conseguí el puesto de trabajo en ILM». Pero Lucas tenía otras ideas. «Cuando me fui, le dije a George [Lucas] que estaba harto. ‘¡No quiero ver otro efecto visual!’ Iba a viajar y me dijo: ‘¿No prefieres ir a la escuela de cine?’. Y lo recuerdo claramente. Le dije: ‘George, me siento como si hubiera estado en la escuela de cine durante 10 años’». Con una beca para pagar sus estudios en la Universidad del Sur de California, Johnston aceptó la oferta de Lucas, que lanzó su carrera ayudándole a conseguir el puesto de director de Cariño, he encogido a los niños, entre otras películas, muchas de las cuales incluirían efectos visuales creados por ILM.
Doug Chiang creando arte digital
«NO HAY QUE TENER MIEDO AL FUTURO»
Los cimientos educativos de ILM continuaron en la siguiente generación de cineastas que pasaron por las puertas de la casa de efectos visuales.
Para muchos de ellos, La guerra de las galaxias y otras películas de ILM habían impulsado su interés por el cine. «La película en sí me cautivó», dice Doug Chiang, actual vicepresidente y director creativo ejecutivo del departamento de arte de Lucasfilm. Creó este mundo de una manera tan envolvente que realmente quería aprender más sobre él y experimentarlo». Luego, al año siguiente, cuando se estrenó el documental The Making of Star Wars en la televisión, me transformó por completo».
Chiang estudió cine en la Universidad de California, en Los Ángeles, y se vio impulsado a encontrar un camino hacia ILM y Lucasfilm en el condado de Marin. Pero incluso con la formación formal en cine, no había un camino fácil para el joven artista y diseñador. «Fue realmente difícil. Me fijé en todos los demás, en lo que veía en los documentales -Ralph McQuarrie y Joe Johnston- y no había un camino muy definido. Todo había sido fortuito».
Por suerte para Chiang, mientras trabajaba en producción en Los Ángeles, consiguió una oferta para un proyecto de tres semanas como artista en ILM. «Era un proyecto realmente corto, pero era mi oportunidad, mi pie en la puerta. Recuerdo que cuando me enteré, lo empaqué todo, salí de mi apartamento y conduje hacia el norte, con la esperanza de que esas tres semanas me llevaran a algo más. No tenía ninguna garantía de que fuera a estar en ILM durante más tiempo, pero tenía que hacerlo porque era la oportunidad de cumplir mi sueño.»
Diseñando una galaxia: trabajando en conceptos para droides de combate en 1995.
El encuentro con las leyendas de ILM cambió la vida de este joven artista que tanto había estudiado su trabajo. «Recuerdo mi primer día caminando por ILM», dice. «Había un pasillo en el que se colocaban todos los storyboards y donde se celebraban las reuniones. Pasé por la recepción para ir al departamento de arte y Dennis Muren pasó por allí. Y, por supuesto, le conocía porque había visto su foto cientos de veces, pero verle en persona fue alucinante. Y luego Lorne Peterson y Ken Ralston. Me sentí como si estuviera en Oz o en algún lugar de fantasía de mi imaginación donde todos mis héroes de la infancia estaban allí en persona».
John Goodson tuvo una experiencia similar. Los efectos visuales de Star Trek y Perdidos en el espacio le cautivaron por primera vez cuando era niño. A los tres años, recuerda haber visto el aterrizaje de la nave Júpiter 2, a toda pantalla, una secuencia aparentemente imposible. «Me fascinó mucho. Decía: ‘Si abro el televisor, puedo sacar esta cosa’». Ver La guerra de las galaxias unos años más tarde hizo que su fascinación se centrara más. «Empecé a escribir cartas a Lucasfilm», dice, pidiendo trabajo. «Y me respondían: ‘No nos escribas más. Tu carta está archivada’».
El modelista John Goodson con una maqueta de Tatooine.
Pero Goodson acabó consiguiendo un puesto en el taller de maquetas en 1988 -más tarde se encontraría con sus cartas archivadas en el almacén de la empresa- antes de aterrizar en el departamento de gráficos por ordenador.
Era una época de grandes avances tecnológicos, una bendición para la producción digital que, hay que reconocerlo, era desalentadora para los que trabajaban en efectos más prácticos y les preocupaba que su oficio estuviera a punto de extinguirse, irónicamente como resultado de los logros de los efectos visuales creados para dar vida a los dinosaurios de Parque Jurásico. «El taller de maquetas sabía que eso estaba ocurriendo», dice Goodson. «Esa película tenía una sola miniatura: un Ford Explorer aplastado. Y esa era la única maqueta».
Pero Lucas, siempre mirando más allá, no vio más que potencial. «Le pregunté a George si íbamos a deshacernos del taller de maquetas y me dijo: ‘No tengas miedo del futuro’», recuerda Goodson.
En unos pocos años, a principios de la década de 1990, la industria dio un asombroso salto adelante, empezando por el estreno de Terminator II en 1991, con impresionantes efectos de ILM, seguido por el acuerdo de Pixar para hacer Toy Story, y culminando con el éxito de la rompedora Parque Jurásico. «Parque Jurásico tenía unos siete minutos de animación de dinosaurios. Fue tan impactante que la mayoría de la gente pensó que estaba lleno de ellos», dice Catmull. Los gráficos por ordenador pasaron de «Es completamente irrelevante» a «¡Lo ha cambiado todo!». Sin embargo, los que estaban dentro del negocio sabían que, en realidad, era la culminación de 20 años de avances y desarrollo de los ordenadores, que por fin estaban a la altura de la imaginación de los cineastas y sus equipos.
Deborah Chow dirigiendo dentro del Volumen.
«ESE ESPÍRITU REBELDE COMPARTIDO»
En los años siguientes, ILM ha seguido superando los límites. Cada nuevo logro se ha construido sobre las innovaciones de los pioneros que vinieron antes, utilizando el éxito anterior como marco para el futuro. Sin embargo, las nuevas tecnologías no han sustituido a las técnicas clásicas, sino que sólo han servido para mejorarlas.
Goodson sigue haciendo modelos para Lucasfilm e ILM, y recientemente ha trabajado en la Razor Crest y el crucero ligero de Moff Gideon para The Mandalorian. «Para mí, de nuevo, es una especie de círculo completo», dice Goodson. Y Tippett sigue contribuyendo a la magia práctica de la animación stop-motion, dando vida recientemente la grúa de carga móvil en la segunda temporada de The Mandalorian, así como al monje b’omarr en El libro de Boba Fett.
La Razor Crest en el interior del volumen.
ILM se ha expandido hasta abarcar cinco estudios en todo el mundo. Cuando Janet Lewin comenzó su carrera en la empresa hace casi 30 años como trabajadora temporal en el departamento de compras, ILM tenía 130 empleados en el edificio Kerner de San Rafael. «Ahora tenemos más de 3.000», dice. «Creo que es realmente inspirador mirar hacia atrás en nuestro legado y darse cuenta del impacto que estos increíbles genios -muchos de los cuales todavía trabajan en ILM- han tenido en las películas y en los iconos que han creado». Tanto Lewin, ahora Vicepresidenta Senior de Efectos Visuales de Lucasfilm y Directora General de Industrial Light & Magic, como Lynwen Brennan, Directora General y Vicepresidenta Ejecutiva de Lucasfilm, cuentan con las películas de ILM entre su inspiración para entrar en el negocio. A Lewin le animó ver Terminator II. «Las primeras películas de mi infancia –La guerra de las galaxias y E.T.– fueron las que despertaron mi amor por el cine, pero no me hicieron querer entrar en la industria ni pensar que fuera posible al crecer en Gales», añade Brennan. «La película que realmente lo hizo por mí y me hizo pensar ‘tengo que trabajar en ILM algún día’ fue Parque Jurásico«.
Más recientemente, el desarrollo de la tecnología StageCraft de ILM ha permitido la creación de efectos visuales como nunca antes. «En Lucasfilm e ILM nuestro mantra es que la historia lo impulsa todo», dice Lewin. «Nunca invertimos en tecnología si no es para apoyar la visión de un cineasta. Uno de los aspectos más interesantes de StageCraft y de ILM es que no se trata de la herramienta. Es la gente; es el oficio».
«Tienen ese espíritu rebelde compartido», añade Brennan.
Y el objetivo no es simplemente impresionar al público; los efectos visuales sólo funcionan si están al servicio de la historia, añade Johnston. «Siempre busqué algo que no tuviera tantos efectos visuales porque quería probarme a mí mismo de que podía contar una historia que no necesitara efectos visuales para ayudarla. Pero, ya sabes, los efectos visuales son sólo una herramienta que te ayuda a contar la historia. Porque puedes poner cualquier cosa que quieras en la pantalla, pero eso no significa que debas hacerlo. Todo lo que pasa por ese objetivo tiene que estar al servicio de la historia».
Primer plano en la Razor Crest.Más imágenes del rodaje en la Razor Crest.
Para The Mandalorian, Jon Favreau ideó una serie de acción en vivo de Star Wars con en la que se pudieran visitar los planetas de las películas y que al mismo tiempo cumpliera las limitaciones de presupuesto y calendario de un programa de televisión. «Me encantan esos momentos en los que estás en una habitación diciendo: ‘Bueno, ¿cómo demonios vamos a hacer eso? Pero con la plena confianza de que lo resolveremos», dice Brennan. «ILM StageCraft es un gran ejemplo. Nos apuntamos a hacerlo en un plazo determinado sin tener ninguna idea de si podíamos hacerlo. Y, ya sabes, tienes esa euforia de saber que lo has conseguido».
Lewin aún recuerda el momento con viveza. ILM había construido un volumen minúsculo, para probar lo que finalmente se convertiría en la plataforma StageCraft a menor escala, un escenario envuelto por pantallas LED con imágenes de alta resolución desde un estudio. Trajeron el traje de metal brillante para Din Djarin para ver si la solución teórica funcionaba. «Y los reflejos, el realismo, la luz interactiva», dice Lewin. Como ha dicho el supervisor de efectos especiales Richard Bluff, el director de cine ganador del Oscar James Cameron vino a echar un vistazo y no podía creer lo que veían sus ojos. «Si pudimos engañar a Jim Cameron, sabíamos que teníamos algo», dice Lewin.
Esperamos que os haya resultado interesante este artículo, que os recordamos podéis visitar aquí en su fuente original. ¡Que la lectura os acompañe!
Aquí os dejamos la traducción de un interesante articulo de Kristen Baver a Lawrence Kasdan, director y productor ejecutivo de la nueva serie documental Light & Magic, que nos cuenta que podemos ver en su nuevo documental y cual es su enfoque. Espero os disfrute.
«Sólo tienes que pensar en ello».
Con este sencillo consejo, el creador de Star Wars, George Lucas, inspiró a los artistas de efectos especiales de Industrial Light & Magic para ser pioneros en nuevas técnicas y hacer realidad lo imposible.
«Una cosa que nunca oíste de ellos fue «¡Eso es imposible!». cuenta Lawrence Kasdan, director y productor ejecutivo de la nueva serie documental Light & Magic, a StarWars.com. «Renunciar era inaceptable». En cambio, ILM estaba impregnada de un espíritu de ingenio y de la creencia de que siempre había una manera, ya fuera trayendo a los dinosaurios de vuelta de la muerte o enviando al público a toda velocidad a través de las estrellas durante una épica pelea de dogfight en el espacio. En opinión de Kasdan, el enfoque de Lucas refleja la atmósfera humanista que hizo especial a ILM, dando prioridad a las personas y permitiendo que la creatividad floreciera a través del libre intercambio de ideas y técnicas tecnológicas.
En Light & Magic, la nueva serie documental de seis partes que se emite ahora en Disney+, Kasdan descorre el telón de los titanes de la industria cinematográfica para contar las historias de las personas que hicieron posible la magia, desde los inicios de ILM hasta las innovaciones actuales. Recientemente, Kasdan se sentó con StarWars.com para hablar de cómo se enamoró del cine, del día en que una invitación para escribir Indiana Jones y los Cazadores del Arca Perdida cambió el curso de su carrera, y de por qué las lecciones de Luz y Magia son importantes para la próxima generación de aspirantes a cineastas.
Lawrence Kasdan, en el centro, observa a un miembro del equipo trabajando con Mark Hamill en el set de Star Wars: El Imperio Contraataca.
«Un momento enormemente importante»
Kasdan estuvo escribiendo guiones durante siete años antes de tener su gran oportunidad, trabajando con Steven Spielberg y George Lucas en la primera película de la franquicia Indiana Jones y, poco después, en Star Wars: El Imperio Contraataca. Pero en 1977, era como todo el mundo que descubría Star Wars en la gran pantalla. Ese verano, mientras visitaba a unos amigos en Washington, Kasdan vio Star Wars: una nueva esperanza en un cine de la ciudad. «Todo el mundo en el país iba a ver esta película. Y mis amigos, ya sabes, no estaban necesariamente interesados, pero los arrastré. Y todo el mundo tuvo la misma reacción: ‘¡¿Qué?! Es lo más divertido que he visto nunca. ¿Cómo lo han hecho?».
Un mes después, Kasdan había vendido su guion para Continental Divide a Spielberg y le invitaban a reunirse con el director. «La cabeza me daba vueltas porque llevaba mucho tiempo intentando entrar en el negocio», dice Kasdan. «De repente vendí dos [guiones] y fue casualidad que uno de ellos fuera a parar a Steven Spielberg. El día que me reuní con él, me dijo: ‘Vamos a hacer algo grande con Continental Divide, pero no te he llamado para eso. George Lucas y yo vamos a hacer una [película] y quiero que la escribas tú’. Y creo que George también lo quiere’. Bueno, puedes imaginar lo que estaba pensando. Acababa de estar en la calle, ¿sabes? Y me dijo: «Quiero llevarte a conocer a George Lucas».Yo era completamente nuevo en el negocio y eso resultó ser un momento enormemente importante en mi carrera».
El interés inicial de Kasdan por el cine había comenzado casi 20 años antes, cuando el entonces niño de 10 años vio Los siete magníficos en su pequeña ciudad natal de Morgantown, Virginia Occidental. «Lo que era más importante que cualquier película específica cuando era muy joven era que me encantaba estar en esa sala oscura y me encantaba transportarme a lugares. Era mucho mejor que leer», dice riendo. «Leer era difícil comparado con eso, pero tenía el mismo efecto: te abre el mundo». El remake de John Sturges de Los siete samuráis como western se le quedó grabado a Kasdan en particular. «Cuando por fin vi [la original] en la universidad, me quedé alucinado. Creo que es la mejor película de la historia, pero no me di cuenta. Pensé que era un gran western y que estaba lleno de estos jóvenes actores, todos los cuales se convirtieron en estrellas y todos los cuales se convirtieron en mis estrellas favoritas. Eso transformó mi vida».
El hermano de Kasdan, Mark, volvió de estudiar en la Universidad de Harvard por la misma época, y fue la primera persona que iluminó la realidad de la magia del cine para el futuro cineasta. «Había salido de esta pequeña ciudad y volvió y a los dos nos encantaba el cine. Y me dijo: ‘Sabes, no vas a creer esto, pero la gente realmente hace estas películas. Se ganan la vida haciendo estas películas. Estos actores no se inventan estas líneas’. Así de ingenuo era yo. Y él dijo: ‘Podrías tener un futuro trabajando, haciendo películas’. Todo fue diferente después de eso».
Lawrence Kasdan, a la izquierda, con George Lucas y Mark Hamill entre bastidores en Hoth durante la producción de Star Wars: El Imperio Contraataca.
Imágenes nunca vistas
El trabajo de Kasdan en Raiders y Empire le llevó a la órbita de ILM al principio de su carrera. Aunque su trabajo le resultó estimulante, abordar el documental fue la primera oportunidad que tuvo de sentarse a hablar largo y tendido con sus antiguos colegas. «Estaba cerca de ILM, pero ILM acababa de crearse. No observaba cómo lo hacían, sino que me reunía casualmente con la gente y acudía a las proyecciones y decía: ‘¡Guau!’, ¿sabes?».
Tras escribir y dirigir películas narrativas durante 40 años, Light & Magic es el segundo documental de Kasdan, después de que la realización de un cortometraje sobre un restaurante familiar favorito despertara su interés por el género. En colaboración con Imagine Documentaries, fundada recientemente por Ron Howard y Brian Grazer, le pareció que era el momento adecuado para relatar la historia de ILM. A Howard y Grazer les encantó la idea, y ya tenían una relación de trabajo con Disney e ILM. «Y yo dije: ‘Bueno, ILM, eso es como pedirme que vuelva a mi antiguo instituto’», bromea Kasdan.
Dennis Muren examina un modelo de ala Y.Phil Tippett, a la izquierda, y Joe Johnston en el set de Star Wars: El Imperio Contraataca.
Durante unos 25 días de rodaje, Kasdan y su equipo realizaron decenas de entrevistas a algunos de los titanes de la industria, como Dennis Muren, Phil Tippett y Joe Johnston. Kasdan quedó maravillado con sus historias sobre la creación de nuevas tecnologías y equipos, a veces con materiales de desecho y piezas en bruto encontradas en una tienda de electrónica de Ventura Boulevard, frente a su taller. Mientras que los documentales anteriores solían centrarse en los avances tecnológicos y en cómo se descubrían e implementaban las técnicas, Kasdan tenía en mente un ángulo diferente.
En seis horas, Light & Magic explora los fundamentos de algunas de las técnicas de ILM centrándose en las personas que hicieron esos descubrimientos y avances, contando las historias de los individuos que hacen que ILM siga avanzando. «Me encanta ese espíritu», dice Kasdan. «Pero más que eso, me hace cosquillas el tipo de gente que quiere hacer eso, como Joe Johnston, que puede hacer cualquier cosa. Es un pintor estupendo. Es un gran diseñador. Y lo ves, está empujando una carretilla y moviendo los [speederbikes] a lo largo. No había nada que no hiciera».
A través de la atenta curiosidad de Kasdan, los maestros de los efectos visuales hablan de sus mayores logros y de sus más difíciles luchas, a menudo superpuestos con imágenes nunca vistas, desde películas caseras personales hasta fotos y películas extraídas de la colección personal de Lucas y de las bóvedas de Lucasfilm. «Contamos con el mejor personal, fabulosos productores, investigadores y archiveros, y George y Lucasfilm abrieron por separado bóvedas que nunca antes se habían abierto. Estás viendo [metraje] que nunca se había visto antes», dice Kasdan. “Me encanta esa sensación de intimidad que tienes cuando un hombre de 74 años está describiendo algo y puedes pasar a él a los 31 y él está haciendo lo que está hablando. Eso no tiene precio.«
Lawrence Kasdan y J.J. Abrams en el set de Star Wars: The Force Awakens.
«Cómo se hacen las cosas»
Después de cuatro décadas escribiendo diálogos incluyendo el regreso a Star Wars en Star Wars: The Force Awakens fue liberador permitir que sus sujetos de entrevista le sorprendieran, añade Kasdan. «Tenía confianza para hablar con la gente porque ese ha sido mi principal interés toda mi vida. La mayoría de mis otras películas tratan sobre personas que hablan entre sí y eso es lo que me gusta. Lo que me pareció tan liberador en el documental fue que se les ocurrieron cosas mucho mejores que las que yo habría escrito y mucho más imprevisibles y excéntricas», añade riendo. «Mi objetivo en Light & Magic era crear una atmósfera para la gente en la que se sintieran cómodos hablando de todo….. Conseguir que hablaran de lo que hacían y que fueran abiertos sobre sus relaciones, la lealtad que tenían hacia los demás, y los problemas que tenían y las decepciones que tenían».
Respetuoso, pero sin rodeos, «creo que les estaba haciendo preguntas que no les habían hecho antes, porque gran parte del interés en esas cosas es tecnológico», dice Kasdan. «Se puede ver en el programa que sus recuerdos son tan vívidos como si fuera la semana pasada. Estaban tan apasionados por este trabajo». Aunque el documental ofrece diagramas y explicaciones básicas en torno a algunas de las maravillas de los efectos especiales, el interés de Kasdan se centraba en cuestiones clave como «¿Cómo se consigue un grupo de personas brillantes y se aplica a un trabajo diferente cada dos meses, cada año? ¿Cuáles son los retos de éste?». Me encanta el hecho de que George creó una atmósfera en la que se fomentaba eso, en la que no tenías que saber la respuesta. Sólo tenías que saber que ibas a descubrirla».
Kasdan espera que ese sea el mensaje que resuene en los jóvenes soñadores que se sientan a ver su serie documental hoy en día. «George siempre solía decir: ‘Sólo piénsalo’. Y eso, para mí, es algo muy inspirador para decirle a los jóvenes», dice Kasdan. «Tengo nietos que están viendo esta serie y me gustaría que recibieran el mensaje de que, aunque a veces un problema parezca insuperable, si sigues trabajando en él…. Es una historia sobre cómo se hacen las cosas. Y me encanta que vean a la gente diciendo: ‘Oh, esto es un problema, pero podemos resolverlo’. Creo que eso es algo muy bueno para que los jóvenes lo vean. Y el estímulo para ir a hacer algo es terriblemente importante para la gente. Eso es lo que hicieron estos chicos».
Algunos de los momentos
favoritos de Kasdan de Light & Magic son de aquellos años de formación de los futuros ganadores del Oscar de ILM. «Lo que realmente me gusta es cuando ves a un Dennis Muren de 12 años o a un Ken Ralston de 10, y están haciendo cosas que yo no podría hacer hoy. Están creando de la nada», dice Kasdan. «Hacían unos efectos especiales increíbles. ¿Cómo lo hacían? No había ningún manual para hacerlo. Y quiero que los niños de hoy vean esto y digan: ‘Sabes, yo podría hacer una de estas películas en mi patio trasero’».
Si quieres ver parte de la entrevista te dejamos aquí «Esta semana en Star Wars»…
Kennedy habló de las lecciones aprendidas durante su mandato de una década como presidenta de Lucasfilm, y expresó su entusiasmo tanto por las nuevas tecnologías cinematográficas que han desarrollado como por las nuevas historias galácticas en el horizonte.
En la siguiente entrevista que traducimos de Vanity Fair, Kathleen profundiza en su plan para crear una narrativa más «persistente» que amplíe el modelo de la trilogía, explica por qué es vital ir más allá de la era Skywalker y analiza por qué deben tener cuidado cada vez que revisitan un personaje querido.
Entrevista:
Vanity Fair: El reportaje que estamos haciendo es sobre el universo televisivo de Star Wars de Lucasfilm, pero recuerdo que en la última Star Wars Celebration celebrada en Chicago en 2019, anunciaste que se avecinaba un pequeño parón para las películas.
Sí. Lo cual es irónico, ¿verdad?
Supongo, ya que no tuvisteis cines abiertos durante los dos años siguientes. ¿Ese «parón» original se debió a que sabíais que ibais a centraros en el desarrollo de contenidos televisivos para Disney+?
No necesariamente. En realidad, tenía más que ver con el reconocimiento de que estábamos llegando al final de la saga que George [Lucas] había creado y que nos estábamos moviendo hacia el futuro de la narración en el universo de Star Wars. Todos reconocimos, cada uno de nosotros dentro de Lucasfilm, que este era un nuevo capítulo para la compañía y que necesitábamos trabajar juntos para crear la arquitectura hacia donde íbamos.
Simultáneamente a nuestra pausa, Bob Iger cambió la estrategia de Walt Disney Company para centrarse en el streaming. En ese momento, ni siquiera sabían cómo se iba a llamar el servicio de streaming. Así de nueva era la idea.
¿Hubo que hacer muchos ajustes?
Lo que es único en Star Wars es que somos una sola historia, básicamente. George siempre estaba tratando con «episodios». Irónicamente, él estaba serializando su narración. Estaba influenciado por Flash Gordon y los cliff-hangers de los sábados en los cines. Todo eso influyó en el ADN de lo que es Star Wars, por lo que creo que es orgánico que hayamos hecho la transición a la televisión.
Así que todo esto se unió. Me encanta decir que todos somos genios de la estrategia, pero no lo somos. Creo que lo que todos hicimos, muy eficazmente, fue pivotar. Tuve suerte. Sabía que Jon Favreau siempre estuvo muy interesado en Star Wars. Fue la primera persona a la que acudí. Lo que es único de Jon es su compromiso. Se ha centrado exclusivamente en esto durante los últimos años. Eso ha sido una bendición.
Cuando fuiste a hablar con Favreau, ¿fue con la idea de una serie de televisión?
No era un encargo ni mucho menos. Fui a hablar con él porque Bob Iger estaba empezando a tener estas conversaciones sobre la creación de streaming. Le dije: «Oye, no sé si tendrías interés en venir y trabajar con nosotros». Él dijo: «No sólo tendría interés, tengo una idea». Así que había estado pensando en esto, sin que yo lo supiera.
En consecuencia, una vez que Jon quiso involucrarse en Star Wars, yo sabía desde hacía tiempo que Dave Filoni [que creó la serie de La Guerra de los Clones con Lucas] siempre había estado interesado en hacer una transición de la animación a la acción real. Lo supe casi desde que entré en la empresa y le animé mucho. Intenté crear oportunidades para que viniera a Londres, para que estuviera en el set [de los largometrajes], para que hablara con nuestros directores, para que se hiciera una idea de cómo podría ser y sentirse esa transición.
Así que le dije a Favreau: «Tienes que sentarte con Dave». No porque pensara que Dave iba a saltar inmediatamente y empezar a dirigir, sino porque sabía que Dave sería un enorme, enorme añadido a la visión de Jon.
¿Arreglaste una cita para jugar?
Sí. Arreglé una cita para jugar. [Se ríe] Eso es exactamente lo que hice. Se llevaron bien al instante, como una pandilla. Dave obviamente recordaba cuando Jon Favreau había venido y hecho voces un par de veces en The Clone Wars. Pero no se conocían tan bien. Ahora son dos guisantes en una vaina. Quiero decir, trabajan juntos maravillosamente.
Favreau y Filoni también revelaron en su entrevista conjunta con V.F. que habían empezado con ideas de mandalorianos que competían entre sí. Por eso Kennedy quería que unieran fuerzas. «Ella dice: «Dave también está trabajando en algo con mandalorianos», «pero era más la historia de los mandalorianos en relación con el trabajo que había hecho en The Clone Wars», recordó Favreau. «Así que creo que sintió que había dos proyectos potencialmente conflictivos»
El mayor reto es reunir a todas estas grandes mentes y llegar a un punto de vista estructural. Realmente conducimos nuestra narración a través de la lente de los cineastas. Dependemos de gente como Favreau , Dave, J.J. Abrams y los cineastas con los que hemos trabajado, como Tony Gilroy [en la próxima serie de Andor]. Ponemos las barreras básicas en torno a lo que hace que algo sea Star Wars, esos valores fundamentales inherentes a Star Wars, ese sentido del lugar, los significados más profundos en torno a la abnegación, el egoísmo y la mitología que George creó. Luego prácticamente los dejamos a sus propias estrategias y tratamos de apoyar eso
Así que también hay un poco de suerte en esto. Con Jon Favreau y la parte televisiva, hemos tenido mucha suerte de que se haya comprometido a largo plazo. Me encantaría encontrar a alguien en el lado de los largometrajes que hiciera ese tipo de compromiso a largo plazo. Hay un par de personas con las que estoy bastante cerca de conseguirlo, pero el panorama es tan competitivo ahora mismo que la disponibilidad, la exclusividad y ese tipo de ideas lo hacen difícil.
¿Cuándo se encontró por primera vez con el concepto de Grogu, el bebé Yoda? ¿Formaba parte de él desde el principio o evolucionó a medida que se desarrollaba la historia?
No, formaba parte desde el principio. Siempre hay una evolución. Ese personaje y su aspecto requirieron un poco de tiempo, pero era algo que había identificado desde el principio. Hubo muchas discusiones sobre si era algo que debíamos o no hacer.
Imagino que eso te dio un poco de pausa.
Sí, nos hizo reflexionar. Pero lo que me gusta de Jon es que es muy definitivo. Él también nos brinda un montón de ideas de lo que quiere hacer. Siempre, siempre es respetuoso con Star Wars y lo que significa y no hace las cosas a la ligera. Así que él y Dave debatieron bastante ferozmente. Ambos llegaron a la conclusión de que, ¿por qué no? Todo el mundo sabe que Yoda no es sólo un ser singular; es de una especie. Eso podría convertirse en algo interesante.
Eso parece un punto de inflexión. Supongo que alguien en tu posición vería a estos dos tipos debatiendo: uno estaba a favor y otro en contra…
No en contra. Cauteloso. Cauteloso.
Debe haber una parte de ti que es como, ¿Es esto demasiado lindo? ¿La gente lo va a rechazar? Háblame de ese proceso y de lo que finalmente te convenció.
Interioricé gran parte del debate que estaban teniendo. Creo que lo que me llamó la atención fue que era una idea audaz. Siempre me atrae eso. Podrías mirar atrás y pensar que era una idea esperada, pero no lo era.
Inicialmente, sólo estaba tratando de crear un personaje: el mandaloriano está cuidando al niño. Ese es el concepto básico. Era El Niño. Cómo era ese niño es lo que evolucionó con el tiempo. La atrevida idea de que tal vez sea de la especie de Yoda te da inmediatamente un contexto y una posible historia de fondo. Eso es emocionante en Star Wars porque todas estas cosas tienen que estar conectadas. Eso es lo que reconocí de inmediato cuando hablaba de ello. Luego, cuando lo vimos, quiero decir… vamos.
Es bastante obvio que Jon tiene interés en ese otro mandaloriano desde que escribió El libro de Boba Fett. ¿Fue Fett su idea inicial para El Mandaloriano?
No. Desde luego, estaba intrigado por Boba Fett. Sabía que estábamos trabajando en Boba Fett en el espacio del largometraje durante un tiempo. Así que cuando empezó a desarrollar El Mandaloriano, no hay duda de que hubo muchas conversaciones al respecto: ¿Cómo separamos los dos? Si alguna vez hiciéramos algo con Boba Fett, ¿Qué significaría eso?
¿Era El libro de Boba Fett similar a esas ideas anteriores que Lucasfilm exploró como largometrajes?
En realidad, no hemos avanzado demasiado en lo que íbamos a hacer en forma de largometraje con Boba. Como sabes, en el desarrollo hay muchas cosas de las que se habla y no necesariamente avanzan, o avanzan y se estrellan contra un muro. Es un proceso difícil. Así que no, nunca llegamos a un punto en el que hubiera algo que Jon utilizara o rechazara.
Has mencionado un par de veces que Star Wars es una historia unificada. Eso es una presión inmensa. Si Warner Bros hace una película de Batman que no funciona, pueden reiniciar y hacer una película de Batman diferente. Pero no creo que se pueda decir: «La serie de Obi-Wan que hicimos no cuenta…».
Tampoco podemos ir a hacer algo con Luke Skywalker que no sea Mark Hamill. No vamos a ir de repente a intentar hacer eso. La belleza de Obi-Wan Kenobi es que Ewan [McGregor] quería hacerlo desesperadamente. Se ha implicado mucho en todo el proceso, y nuestra emoción y razón para hacer esto es que el verdadero Obi-Wan quería contar esta historia. Nos entusiasmó la idea de que Ewan McGregor quisiera volver, y Hayden Christensen quería volver.
Al igual que los fans, todo el mundo dentro de la empresa era como, «Vamos a ver si podemos hacer que esto funcione». Deborah Chow ha hecho un hermoso trabajo con él. De nuevo, es una visión singular. Ella ha dirigido los seis [episodios]. Tiene una sensación y un estilo consistente.
No quiero ponerte en un aprieto, pero ¿fue este un entendimiento al que llegaste que se desarrolló desde Solo? No quiero destrozar a Alden [Ehrenreich], creo que hizo un buen trabajo. Pero la idea de que no puedes reemplazar a Luke Skywalker, ¿fue algo que aprendiste de esa película, o cómo lo dirías?
Tal vez. Como tú dices, Anthony… tal vez. Pienso en el pasado, y Solo fue una de las primeras ideas que surgieron cuando se vendió la compañía. Una de las primeras personas a las que acudí fue [el guionista] Larry Kasdan. Larry y yo nos conocemos desde siempre. Estaba muy emocionado por contar esa historia. En aquel momento creíamos de verdad que era una buena idea.
Así que sí. Debe haber momentos en el camino en los que aprendes cosas. Eso puede haber sido ciertamente un momento de aprendizaje. Algunas personas han hablado de que, bueno, tal vez Solo debería haber sido una serie de televisión. Pero incluso haciendo Solo como una serie de televisión sin Harrison Ford como Han Solo… es igual. Tal vez debería haber reconocido esto antes. Nunca haríamos Indiana Jones sin Harrison Ford. Después de haber terminado la quinta película, puedo decirte que no hubo un día en el que no estuviera en el set en el que no dijera: «Sí, esto es Indiana Jones».
Quizás estoy más cerca del ADN de Indy, y siempre lo he estado, que cuando llegué a Star Wars, porque ahora sí parece tan claro que no podemos hacer eso. Uno se emociona con estas cosas, y quiere volver a ver las cosas que quiere. Quieres volver a tener esa sensación, y tratas de resucitarla. Creo que eso es lo que hacemos incluso con nuestros nuevos personajes. Con Star Wars, todo el mundo habla de un «sentimiento» que tienen sobre Star Wars. Esa es la idea intangible que se busca.
Obi-Wan Kenobi está a punto de estrenarse. ¿Puede hablarme un poco de Deborah Chow y de hacia dónde lleva la historia?
Creo que lo que Deborah ha hecho de forma muy efectiva es explorar la vida interior de Obi-Wan, porque encontramos a Obi-Wan en un momento en el que cree que ha matado a Anakin. Está en un punto bastante bajo cuando lo encontramos. Se está cuestionando quién es. Creo que hace un gran trabajo para que encuentre esa humanidad de nuevo …. ¡Hay tanto que no puedo contar!
Al principio, con El despertar de la fuerza, J.J. creó un misterio en torno al origen de Rey. Eso ha sido algo que los fans han estado debatiendo durante años.
Sí.
Había oído que Obi-Wan era posiblemente una de las resoluciones: que Rey podría haber sido una descendiente suya. He oído que esta idea se llevó a cabo durante un tiempo, luego se dejó de lado en parte porque Rian [Johnson] tenía un enfoque diferente, pero también porque Lucasfilm no quería atar a Obi-Wan para una historia diferente más adelante. ¿Es eso cierto?
La cuestión más importante es hablar de Obi-Wan como Maestro Jedi, el tema del apego y el desinterés. Para que Obi-Wan tenga un hijo, estás impactando realmente en las reglas de los Jedi. ¿Qué significa eso? Si se explorara eso y ciertamente se lanzaron muchas ideas, pero cualquier cosa que tuviera que ver con Obi-Wan en ese sentido estaba prácticamente descartada porque va en contra de todo lo que George creó en la mitología. No somos rígidos al respecto. Ciertamente está abierto a la discusión todo el tiempo. Pero es un principio muy importante de la mitología de los Jedi que no queremos tocar.
Sé que El Acólito aún no ha empezado a rodar, pero también está en el horizonte de Lucasfilm. Esa serie no está tan ligada a los personajes que ya conocemos, ¿verdad?
Esa se sitúa justo en el límite de la Era de la Alta República. Es una especie de experimento para nosotros porque no se construye dentro de la línea de tiempo y la era en la que están Jon y Dave. No necesariamente va a ser donde están los elementos. Estamos entrando en una nueva era con lo que está haciendo [la directora de la serie] Leslye Headland.
Ciertamente hay reflejos de cosas que la gente va a reconocer, y se conectarán con Star Wars. Pero esta será una [era] completamente nueva de narración si determinamos, como hicimos con The Mandalorian, que funciona y que hay interés. Creo que habrá.
¿Hasta qué punto es importante salir de la gravedad de la saga Skywalker, yendo más allá de los personajes que conocemos? ¿Hasta qué punto es vital abrir esos nuevos ámbitos?
Solo permanecer dentro de la construcción de la narración de George, para seguir recortando eso, creo que sería un error. Nuestro trabajo consiste en alejarnos ahora, pero seguir teniendo una conexión con la mitología que creó George. Eso no se detendrá. Pero nos estamos alejando de la saga Skywalker. Eso es lo que está llevando mucho tiempo, discusión y pensamiento en este momento.
¿Es la publicación el campo de pruebas para algunas de estas nuevas eras?
Lo es. Es algo que pusimos en marcha hace unos cinco años porque no tenemos la ventaja de sacar un libro de la estantería…
Y adaptándola.
Cuando miramos hacia dónde va Star Wars, no asumimos que sólo va a estar en la televisión y en los cines. Esa es otra evolución sobre la que estamos conversando mucho.
¿Dónde más podría estar? ¿En la realidad virtual?
Podría. Creo que va más allá de la RV. Piensa en algunas de las cosas que Epic Games está haciendo con Fortnite: la capacidad de sumergir a la gente en las historias, construyendo avatares alrededor de tu personaje que podrían participar de alguna manera.
Hablamos mucho de que la experiencia cinematográfica es algo que es una comunidad. Puedes escuchar a la gente interactuar. Se les oye reír. Se les oye animar. Pues bien, en el futuro, vas a tener la oportunidad de experimentar esa sensación y esa interacción virtualmente. Puede que no sea lo ideal para mucha gente, pero no hay duda de que es hacia donde va.
Entonces, ¿qué significa eso para nosotros como narradores? Dado que trabajamos mucho más allá de lo que interactúa con la audiencia, tenemos que pensar en estas cosas.
Será interesante seguirlo a medida que pasen los años.
Está en el horizonte. Ya estamos hablando de lo que vamos a experimentar con la tecnología inmersiva. Sé que todo el mundo utiliza la palabra metaverso. Pero, en cierto modo, George creó Star Wars como parte del metaverso hace mucho tiempo.
¿Porque los fans de Star Wars se rodean de esta cosa que aman?
Si puedes vivir una parte de eso todo el tiempo… ¿Cómo lo enriquecemos? Eso es lo que quieren los fans. Quieren entrar en este mundo, sea lo que sea que les interese, y sentir que esa inversión de tiempo merece la pena.
Sé de la película sin título de Taika Waititi, escrita por Krysty Wilson-Cairns, y Patty Jenkins está haciendo Rogue Squadron. ¿Tienen una hoja de ruta para los largometrajes, o todavía están desarrollándolos?
Tenemos una hoja de ruta. Yo diría que la historia de Taika encaja más específicamente en ella. El Escuadrón Pícaro… lo hemos dejado de lado por el momento. Patty está desarrollando más el guión. Entonces hablaremos de cómo se conecta con la columna vertebral en la que estamos trabajando. Hay un par de [cineastas] con los que hemos mantenido conversaciones durante mucho tiempo y que espero que vengan y se comprometan como lo han hecho Jon y Dave. Eso es lo que idealmente me gustaría que ocurriera en el ámbito de los largometrajes.
¿Estás hablando de un compromiso para hacer, digamos, tres películas, o estás hablando de un compromiso aún mayor de dirigir fases de películas de la manera que Kevin Feige hizo con Marvel?
Yo no iría tan lejos. Kevin es una anomalía, algo increíble. Pero [el objetivo es] definitivamente tener a alguien que se comprometa más. Dudo en seguir usando la palabra trilogías porque Star Wars es mucho más una historia persistente.
Una de las preguntas permanentes que tienen los fans es sobre Rian Johnson y su futuro con Star Wars. ¿Hay algo que pueda decirme al respecto? Sé que se ha dicho que esa trilogía sigue en pie. Pero han pasado muchos años desde que se anunció. ¿Sigue siendo así? ¿Podemos resolver qué pasa con su idea?
Rian ha estado increíblemente ocupado con Knives Out y el acuerdo que hizo en Netflix para múltiples películas. Me he reunido con Rian; es alguien que ha entrado como parte de nuestras pequeñas discusiones de cerebros de confianza a largo camino. Sigue muy comprometido con lo que estamos tratando de hacer. Solo que literalmente no ha tenido tiempo para dedicarse. Eso es lo que estoy diciendo: Cualquiera que entre en el universo de Star Wars necesita saber que es un compromiso de tres, cuatro, cinco años. Eso es lo que se necesita. No puedes entrar durante un año, rodar algo y luego marcharte. Simplemente no funciona así. Así que se requiere ese tipo de cuidado.
He mencionado antes a Kevin Feige, y sé que se ha informado de que está produciendo algo para ti. ¿Puedes hablarme de eso?
[Eso es] un rumor. Creo que todo el mundo sabe que Kevin es un gran fan de Star Wars. Está claro que se ha inspirado en Star Wars en la forma en que ha manejado Marvel. Sé que tiene mucho que hacer ahora mismo. Me encantaría ver en algún momento qué película se le ocurre. Pero ahora mismo, no. No hay nada específicamente en el horizonte. [ACTUALIZACIÓN: Esta entrevista con Kennedy fue en marzo, y la semana pasada el guionista Michael Waldron dijo a Variety que estaba trabajando en un guión para el rumoreado proyecto de Feige: «Por fin estamos en ello en serio»].
¿Hay algo más sobre el aspecto cinematográfico de lo que te gustaría hablar?
Probablemente, dentro de un par de meses nos pondremos a hablar más concretamente.
En su filmografía, ha hecho comedias tontas, dramas pesados, películas históricas y películas de ciencia ficción… ¿Ve usted alguna vez a Star Wars ramificándose en diferentes géneros?
Creo que es precisamente por eso por lo que me entusiasma trabajar en Star Wars. George se inspiró en muchos géneros diferentes. Eso me encanta. De hecho, ese es un principio de cualquier discusión sobre la historia que tenemos. Suelo empezar diciendo: «¿Qué género es este?» Una vez que tienes esa piedra de toque, entonces entiendes cuáles son las reglas. Creo que eso conduce a una mejor narración.
Es curioso que lo mencione, porque George y yo recibimos juntos el PGA Milestone Award. El equipo armó este rollo juntos, y lo acabo de ver hace un par de días. En primer lugar, no sé de dónde han sacado algunas de las imágenes. Se remonta a mucho tiempo atrás.
Pero lo que me impresionó fue lo bien que nos lo pasamos. Fue un momento de realización: Creo que un poco de diversión se ha ido de hacer estas películas gigantescas. El negocio, las apuestas, todo lo que se ha infundido en los últimos 10 años más o menos. Hay una especie de espontaneidad y buen tiempo que tenemos que tener cuidado de preservar. Me sigo aferrando: Más vale que sea divertido.
«Diego Luna no podía confiar en el conductor. No creía poder confiar en nadie». ¿Y no había leído algo sobre una epidemia de escuchas que piratean los teléfonos?«Eso era sólo mi paranoia», dice ahora el actor. «No tiene que ver con la realidad». Aun así, apretó el teléfono con tanta fuerza contra la oreja que se le calentó la cara, mientras una voz procedente de miles de kilómetros le contaba secretos de otra galaxia. El coche estaba atascado en el tráfico en la parte superior de una autopista de dos pisos en Ciudad de México. «Hablaba con palabras en clave porque intentaba no decir demasiado en el coche», dice Luna. Las palabras que más evitaba eran estrella y guerra.
Luna había interpretado al intrépido espía rebelde Cassian Andor en la película de 2016 Rogue One. Ahora, al otro lado del teléfono, estaba Tony Gilroy, que había revisado el guión de la película para volver a rodar. Gilroy cuyos créditos incluyen haber escrito las cuatro primeras películas de suspense de Bourne y haber escrito y dirigido Michael Clayton, estaba desarrollando una serie que exploraría la historia de Andor, revelando lo que lo atrajo a la Rebelión galáctica y cómo evolucionó de un nihilista egoísta a un mártir desinteresado. En esa llamada de hace tres años fue la primera vez que el actor escucho la historia de Andor. «Una cosa que recuerdo, por formar parte de esto desde el primer día, es lo poco que puedes compartir de lo que ocurre», dice el actor. «Tengo hijos. Es doloroso para ellos… y para mí».
El propio George Lucas había intentado, y abandonado, una serie de acción real de Star Wars llamada Underworld antes de vender Lucasfilm a Walt Disney Company en 2012. Se escribieron guiones y se rodaron secuencias de prueba, pero el nivel de calidad que buscaba resultó ser demasiado caro para un presupuesto de televisión. Entonces, en 2017, Lucasfilm recibió el encargo de volver a intentarlo, esta vez haciendo no una serie sino toda una flota para reforzar las ambiciones de streaming de su empresa matriz. Disney+ necesitaría la potencia de fuego de muchas series de Star Wars para competir con titanes rivales como Netflix y Amazon. El Mandaloriano, ya lo sabemos, se convirtió en un fenómeno global, lo que no hizo más que aumentar las expectativas. Este invierno, El libro de Boba Fett ofreció una historia de redención casi cuatro décadas después de la aparente desaparición del personaje principal en El retorno del Jedi. Ahora, con 130 millones de suscriptores a la espera, Disney ha aumentado sus exigencias a tres series distintas de Star Wars en un año. Para esta historia, Lucasfilm ha levantado el secreto que rodea a su universo televisivo y cómo se formó, como lo hacen los universos, bajo una inmensa presión.
El primero es el regreso de Ewan McGregor a su papel de maestro Jedi cansado en el exilio. Obi-Wan Kenobi se estrena el 27 de mayo, siguiendo al personaje 10 años después de su estancia en el mundo desértico de Tatooine, donde sirve de guardián distante al joven Luke Skywalker y es perseguido por una «inquisidora» del lado oscuro llamada Reva (interpretada por Moses Ingram, de Gambito de dama). La saga de espías de Luna, Andor, llega a las pantallas a finales de este verano. La tercera temporada del Mandaloriano, que reunirá al pistolero con casco de Pedro Pascal con su pequeño pupilo verde (ya sabes quién), llegará a finales de 2022 o principios de 2023. El año que viene, Rosario Dawson protagonizará la serie Ahsoka, interpretando la versión de acción real de la favorita de los fans de la Fuerza, que fue aprendiz de Anakin Skywalker. Un poco más lejos está El Acólito, con una historia ambientada un siglo antes de la era de los Skywalker.
Es una época abundante para ser fans de Star Wars, por decir algo. McGregor que luchó por unirse a la galaxia a finales de los 90 y volvió a luchar por volver dice que el trabajo ha saturado su vida. «Mi pareja, Mary, está haciendo esa serie de Star Wars con Rosario y está a punto de empezar», dice. Lucasfilm no había confirmado previamente los rumores de que Mary Elizabeth Winstead estará en Ahsoka, pero… ahora no tienen que hacerlo. «Nuestro pequeño ha nacido en esta enorme familia de Star Wars», dice McGregor, cuyo hijo con Winstead nació el verano pasado. «Él lo aceptará o realmente irá por el otro lado. No sé.«
Aquel día de mediados de 2019, cuando Luna fue reclutada para Andor, el actor recuerda haber mirado por la ventanilla del coche las azoteas de los edificios adyacentes, visualizando la historia sobre espías con mentalidad de resistencia y huidas casi mortales. Se alegró especialmente de que la propuesta de Gilroy incluyera detalles que le sonaban personalmente. Luna describe Andor como una historia de refugiados, con gente desesperada que huye del Imperio en pleno apogeo de su poder. “Es el viaje de un emigrante”, dice. «Ese sentimiento de tener que moverse está detrás de esta historia, muy profundamente y muy fuerte. Eso te forma como persona. Te define en muchos aspectos, y lo que estás dispuesto a hacer».
Gilroy respira hondo y revela un poco más sobre Andor. «Este tipo dio su vida por la galaxia, ¿verdad? Es decir, se sacrificó de forma consciente, sobria, sin vanidad ni reconocimiento. ¿Quién hace eso?», pregunta. «De eso trata esta primera temporada. Trata de él siendo realmente reacio a la revolución, cínico, perdido, y un poco desordenado». La historia comienza con la destrucción del mundo natal de Andor, y luego le sigue hasta la edad adulta, cuando se da cuenta de que no puede huir para siempre. «Su hogar adoptivo se convertirá en la base de toda nuestra primera temporada, y vemos cómo ese lugar se radicaliza», dice Gilroy. «Luego vemos otro planeta que está completamente desmantelado de una manera colonial. El Imperio se expande rápidamente. Están aniquilando a cualquiera que se interponga en su camino». Al final del viaje, el camino de Andor será bloquear el suyo.
La serie también se centra en la enigmática líder rebelde Mon Mothma, interpretada por Genevieve O’Reilly, que la representó como joven senadora en La venganza de los Sith, y luego repitió el papel en Rogue One. Mothma (interpretada entonces por Caroline Blakiston) era la figura con aspecto de sacerdotisa en El Retorno del Jedi, de 1983, que esboza los puntos débiles de la nueva Estrella de la Muerte, entonando gravemente: «Muchos Bothans murieron para traernos esta información». En Andor, su historia correrá paralela al personaje principal, que sabemos que eventualmente se convertirá en uno de sus agentes clave. «Es un reparto enorme, orquestal y dickensiano«, dice Gilroy.
Luna recuerda la conversación en el coche como el momento en el que se decidió por todo. «Al final, [Gilroy] me dijo: ‘¿Quieres arriesgarte conmigo, hombre? Somos tú y yo de principio a fin«, dice el actor. «Fue como si te hubieran reclutado para unirte a una fuerza rebelde. Yo dije: ‘¡Sí! ¡Por supuesto, hombre! Sí!». Luego, la realidad se impuso: «¿Qué acabo de decir? ¿Esto va a ocurrir en Londres? Mi vida está en México. Mierda, ¿qué he hecho?».
Es el tema que une a todas las nuevas series: la devoción. «Lo que es único de Star Wars es que somos una sola historia, básicamente», dice la presidenta de Lucasfilm, Kathleen Kennedy. «George siempre estaba lidiando con episodios. Irónicamente, estaba serializando su narración. Fue influenciado por Flash Gordon y los cliffhangers de los sábados en los cines. Todo eso formó cuál es el ADN de Star Wars , por lo que creo que es orgánico que hayamos hecho la transición a la televisión».
La transición no fue un pivote obvio para un imperio construido sobre las películas. Cuando se hizo cargo de Lucasfilm en 2012, el objetivo principal de Kennedy era rejuvenecer Star Wars con una nueva era de películas, tras una trilogía de precuelas que decepcionó a muchos fans. Pocos productores estaban mejor preparados para hacerlo, dado su legado de éxitos de público que van desde E.T. hasta Volver al Futuro y El Sexto Sentido. A finales de 2015, Han, Leia y Luke volvieron a la gran pantalla en El despertar de la fuerza, de J.J. Abrams, que presentó a la chstsrrera del desierto Rey, al soldado de asalto Finn, que busca la redención, al piloto de X- Wing Poe Dameron y al melancólico aspirante a Sith Kylo Ren. La secuela de Rian Johnson, Los últimos Jedi, de 2017, continuó la saga de los Skywalker, como se llegó a conocer, pero se desvió bruscamente de la visión de Abrams y pareció cerrar algunas líneas argumentales centrales. Abrams dio un giro de 180 grados cuando regresó para el capítulo final de 2019, El ascenso de Skywalker, haciéndose cargo del Episodio IX en una fase tardía del desarrollo. Todas las películas ganaron miles de millones, pero la narrativa zigzagueante fue llamativa.
Ewan McGregor y su pareja, Mary Elizabeth Winstead, estarán en las nuevas series de Lucasfilm: «Nuestro pequeño ha nacido en esta enorme familia de STAR WARS. Lo abrazará o se irá por otro lado. Tal vez sea un Trekkie».
Todo esto condujo a la «pausa», un punto de inactividad en el panorama cinematográfico de Star Wars que Kennedy anunció a principios de 2019, meses antes incluso de que se estrenara El ascenso de Skywalker. Lucasfilm necesitaba reagruparse y replantearse: «Todos reconocimos, cada uno de nosotros, que este era un nuevo capítulo para la compañía y que necesitábamos trabajar todos juntos para crear la arquitectura de hacia dónde íbamos.»
Con las películas independientes Rogue One y Solo, la productora del Área de la Bahía había estado produciendo un éxito de taquilla al año, un ritmo vertiginoso considerando que el propio Lucas solo lanzó una película de Star Wars cada tres años, con más de una década entre trilogías.. Kennedy quería prescindir del plazo anual y reconsiderar todo. La lección más importante que habían aprendido era ésta: Star Wars requería un mayor grado de devoción profesional por parte de los cineastas. «Cualquiera que entre en el universo de Star Wars tiene que saber que es un compromiso de tres, cuatro o cinco años», dice. «Eso es lo que se necesita. No se puede entrar durante un año y rodar algo y luego marcharse…. Requiere ese tipo de cuidado».
Preparar algo adecuadamente cósmico para el lanzamiento de su servicio de streaming se convirtió en la máxima prioridad de Disney. Tenía que ser tan grande como las películas. Así que Kennedy recurrió a un cineasta.
Jon Favreau había inaugurado el Universo Cinematográfico de Marvel con Iron Man una década antes y estaba impregnado de la narración en serie a gran escala. El actor y director también se había vuelto tan hábil con los efectos visuales que sus proyectos más recientes de Disney, El libro de la selva y El rey león, a menudo se describían erróneamente como de acción real, a pesar de que ambos son casi totalmente simulados digitalmente. «Sabía que Jon Favreau siempre estuvo muy interesado en Star Wars. Fue la primera persona a la que acudí», dice Kennedy. «Me dijo: ‘No sólo tendría interés, sino que tengo una idea’. » Además, estaba dispuesto a cumplir ese nuevo criterio de ella. «Lo que es único de Jon es su compromiso», dice Kennedy. «Se ha centrado exclusivamente en esto durante los últimos años. Eso ha sido una bendición».
Después de reunirse en la oficina de Kennedy en Santa Mónica, Favreau comenzó a trabajar sin siquiera un contrato. «Simplemente empecé a escribir», dice. «Así que cuando me contrataron oficialmente, ya había escrito los primeros, creo, cuatro episodios».
Pero había un problema. La idea de Favreau era sobre un mandaloriano, la tribu de guerreros galácticos con casco que frecuentemente aparecen como mercenarios o cazadores de recompensas. El primer, y durante mucho tiempo único, mandaloriano de las primeras películas de Star Wars fue Boba Fett, y Lucasfilm planeaba convertirlo en el personaje central de un largometraje que estaba desarrollando el director James Mangold. Ese no era el problema, aunque Favreau acabaría retomando la historia de Boba Fett después de que Mangold pasara a otra propiedad de Lucasfilm, dirigiendo Indiana Jones 5. El problema al que se enfrentaba Kennedy era que otro estimado ejecutivo creativo; Dave Filoni, también había ideado una serie centrada en los mandalorianos. Filoni es el colorido cerebro con sombrero de vaquero que está detrás de muchos de los programas de animación de Lucasfilm. Se incorporó a la compañía en 2005 como aprendiz del propio Lucas y desarrolló con él La guerra de los clones. Filoni quería explorar algunas de las ideas que nunca se habían realizado del todo. «Recuerdo que cuando hice Clone Wars, George vino y dijo: ‘Bueno, los mandalorianos son pacifistas en este periodo de tiempo’. Yo dije: ‘Oh, bueno, eso es muy diferente de lo que todo el mundo piensa que eran’. Y él dijo: «Bueno, tienes que recordar que la gente nunca es una sola cosa. Las culturas evolucionan y cambian con el tiempo. «
Ser capaz de canalizar al creador hace que Filoni sea indispensable en Lucasfilm. Era una parte fundamental de las nuevas aventuras televisivas de la compañía, y Kennedy había estado alimentando sus ambiciones cinematográficas desde su llegada. Favreau y Filoni eran amigos, pero Kennedy temía que se produjera una guerra territorial. Ella ideó una solución. «Organicé una cita de juego», dice.
Tras reunirse en Los Ángeles, Favreau y Filoni intercambiaron ideas y dibujos para un espectáculo mandaloriano que pudiera combinar sus ideas. «Se llevaron bien al instante, como si fuera un éxito», dice Kennedy. Los conocimientos de Filoni sobre la historia de los mandalorianos se combinaron con el concepto de pistolero solitario de Favreau. Lo más importante es que los nuevos socios se desafiaron mutuamente. La idea de Favreau para el Niño fue el mayor punto de fricción. «Nos hizo reflexionar», dice Kennedy. «Él y Dave debatieron con bastante ferocidad».
El Niño, por supuesto, es el ladrón de escenas de color pistacho que derretiría el gélido corazón de cazarrecompensas del mandaloriano al convertirse en el inocente que debe proteger a toda costa. El pequeño permaneció en secreto hasta el estreno del primer episodio, y luego se convirtió instantáneamente en objeto de adoración mundial. Su nombre real es Grogu, pero en nuestro mundo es siempre Baby Yoda. «Sinceramente, es algo que nunca habría hecho porque Yoda es Yoda», dice Filoni. El mundo natal de Yoda y su historia de fondo nunca fueron revelados por completo, y Filoni quería proteger el misterio que Lucas construyó alrededor del maestro Jedi original. «Creo que la gente ahora mira hacia atrás y piensa que fue como un golpe de suerte, pero fuimos muy cautelosos», dice Filoni sobre el Niño. “La cantidad de medidas, especialmente en la primera temporada, sobre cómo estábamos enmarcando a este niño requirió mucho esfuerzo”.
El dúo habló con Vanity Fair en una entrevista conjunta de Zoom, y mientras Filoni describía sus reservas iniciales en una ventana, Favreau desaparecía de otra, rebuscando entre los papeles y volviendo con bocetos y dibujos de Mando y niño. Uno de ellos, dibujado por el propio Filoni, mostraba la mano del bebé saliendo de una cuna flotante hacia su fornido protector. La mayoría de los demás conceptos eran desagradables: arrugados, feroces o caricaturescos. Es fácil entender las dudas de Filoni. «Hubo un montón de looks diferentes que surgieron, y luego tuvimos uno que finalmente encajó. Es este dibujo», dice Favreau, haciendo referencia a una imagen conceptual a todo color del artista Chris Alzmann, que ahora aparece en innumerables piezas de merchandising. En ella, el Niño está sentado con un voluminoso body marrón, con ojos de ciervo muy abiertos y una expresión un poco rara. «Ese es él. Este», dice Favreau. «Tenía un aspecto un poco bobo y feo. No queríamos que fuera demasiado mono». Parte de su encanto es que sientes un poco de lástima por el tipo, como el Vagabundo de Chaplin o Charlie Brown.
Nunca hubo una sugerencia de criatura alternativa. No es que hubiéramos conseguido un Bebé Ackbar con aspecto de crustáceo en loncheras, muñecos, mochilas y camisetas. Y puede que nunca hubiéramos tenido un Niño si Lucasfilm no hubiera resuelto otro problema aún mayor con El Mandaloriano: cómo crear una serie que vaya a nuevos mundos en cada episodio sin las agotadoras exigencias presupuestarias de enviar un equipo a los lugares más lejanos de nuestro propio planeta. «Estábamos haciendo series que debían acompañar a nuestras películas con un tercio del presupuesto y la mitad del tiempo», dice Carrie Beck, una ejecutiva de desarrollo y producción de Lucasfilm que coproduce El Mandaloriano. «Aunque se convirtió en un gran éxito, siento que la sangre, el sudor y las lágrimas de todos están en esa pantalla».
Irónicamente, lo que les despejó el camino fue un muro.
El grupo de voluminosos edificios de color beige de Manhattan Beach, una comunidad del sur de la bahía cerca de Los Ángeles, parece tan aburrido como cualquier distrito de almacenes. Son los pantalones khaki de la arquitectura. Sin embargo, en su interior, al menos dos de estos escenarios son portales a otros mundos.
Después de que El Mandaloriano se estrenara a finales de 2019, la división de efectos especiales de Lucasfilm, Industrial Light & Magic, comenzó a revelar detalles de la colosal pared curva de LEDs que llaman El volumen y que puede envolver a un equipo de rodaje con la misma eficacia que cualquier rodaje en exteriores, generando un entorno convincentemente fotorrealista, incluso para una cámara digital. No es necesario enviar al equipo, la utilería y los actores a ningún sitio. Se puede llevar todo al estudio. Con tres Volumes ya en Los Ángeles, uno en Londres y otro en Vancouver, los creadores de cine y televisión están empezando a descubrir sus posibilidades. El resplandor del atardecer o del amanecer puede durar toda la jornada de trabajo si es necesario. Puedes congelar el sol. O, si estás rodando algo ambientado en Tatooine, puedes congelar dos de ellos.
En 2018, cuando se empezó a planificar El Mandaloriano, la tecnología era inestable. Richard Bluff, supervisor de los departamentos de entornos de ILM, había pasado gran parte de su carrera construyendo fondos virtuales y sabía que El volumen (que ILM llama oficialmente StageCraft) podría ser justo lo que El Mandaloriano necesitaba. Sin él, la serie sería demasiado costosa de producir o demasiado cutre para impresionar. El punto de inflexión llegó en la primavera de ese año, cuando uno de los directores más exigentes de todos los tiempos se pasó por allí. «James Cameron vino de visita», dice Bluff. «Estaba al lado trabajando en las secuelas de Avatar en su tanque de agua. Jon nos pidió que mostráramos en los monitores la prueba que habíamos rodado ese mismo día».
Este metraje mostraba a un suplente mandaloriano paseando por las ruinas de un edificio abandonado, lleno de escombros y manchado por daños causados por el agua, con paredes descascaradas como piel muerta. La estructura existe realmente y se encuentra en la Isla del Ángel, en la bahía de San Francisco. Pero la ubicación del edificio había sido escaneada e importada a las pantallas LED, y el cazarrecompensas y su armadura de espejo parecían haber sido transportados a una habitación en descomposición. Si alguien en la Tierra podía ver las costuras del efecto, era Cameron. «Recuerdo claramente que Jim se quitó las gafas y se acercó para ver la calidad de la imagen y lo convincente que era», dice Bluff. «Creo que, para todos, esa tarde fue el momento eureka, porque estaba funcionando».
Cuatro años después, El Volumen es una herramienta esencial para el día a día. Durante una visita a mediados de marzo, evoca una caverna gris rocosa, con acantilados incrustados con grandes componentes tecnológicos. Sea lo que sea este lugar, ha sido colonizado. En el techo plano del estudio, se puede ver el escarpado techo de la cueva, con una tosca abertura que deja caer la luz desde un círculo de cielo azul.
Hay menos desorden que en otros set y prácticamente no hay polvo. No hay olor a pintura fresca, espuma esculpida o madera recién cortada. El volumen tiene el olor estéril y a ozono de una mejor adquisición y mientras millones y millones de diminutos diodos emisores de luz incrustados en la superficie curva evocan paisajes extraterrestres. Favreau muestra el escenario como quien abre el capó de un coche clásico recién restaurado. Al preguntarle si la tecnología les permite hacer una temporada completa de televisión en el mismo tiempo que una película de Star Wars o Marvel, Favreau niega con la cabeza: «No, es como la mitad del tiempo».
Uno de los primeros forasteros en ver El volumen fue Pedro Pascal, cuando el actor fue reclutado por Favreau para dar una presencia acerada al antihéroe de El mandaloriano. «Sabía que era un as en la manga. Simplemente lo sabía», dice Pascal. «Y no me ha sorprendido nada de esto. Quizá me ha sorprendido un poco lo convincente que puede ser el mandaloriano, porque no tiene rostro.»
Pero eso también había sido un punto de venta para él. El personaje, que más tarde se reveló que se llamaba Din Djarin, es tan devoto de las reglas mandalorianas que mantiene escrupulosamente el casco puesto en presencia de otros. Eso significa que Pascal puede a veces interpretar el papel como actor de voz mientras un suplente lleva la armadura, lo que le libera para aceptar otros proyectos. «Tal vez soy un poco fóbico al compromiso», dice, «Porque la frescura de esto realmente me emociona, y la vida útil realmente me intimida».
Los actores de Star Wars tienden a convertirse en actores de Star Wars de por vida. A finales de los 90, esto llevó a McGregor a agonizar por interpretar al joven Obi-Wan Kenobi en las precuelas. «Me lo cuestioné mucho», dice. «Sentía que formaba parte de esta nueva ola de cine británico, realmente, y que Star Wars no era yo, no era lo que yo representaba. Yo era esta especie de actor de cine urbano, grunge e independiente». El difunto Sir Alec Guinness despreciaba notoriamente la saga espacial cuando interpretó al anciano sabio en las películas originales. McGregor dice que él también lo hizo, sobre todo después de que su primera entrega, La amenaza fantasma, de 1999, sufriera críticas muy duras: «Fue duro porque fue una decisión tan grande hacerlas, un acontecimiento tan grande. Fue bastante difícil para todos nosotros lidiar con eso, sabiendo además que tienes un par más que hacer».
McGregor se sintió aliviado al dejar atrás la franquicia. Pero en 2017, fue invitado al Teatro El Capitán de Hollywood para un maratón de proyecciones de todas las películas de Star Wars. «Me preguntaron si quería presentar una, y nunca había hecho algo así, pero de repente, me di cuenta de que realmente quería hacerlo», recuerda McGregor. ¿Por qué habían cambiado sus sentimientos? «No lo sé», dice, rascándose una mejilla desaliñada. «Realmente creo que tiene que ver con el hecho de haber crecido». Disfrutaba viendo a la gente en sacos de dormir, pasando toda la noche con sus películas. Los niños que habían crecido con las precuelas no eran tan cínicos como los críticos. Algunos críticos incluso habían empezado a revalorizarlas. La gente le quería como Obi-Wan, lo que hizo que McGregor se diera cuenta de que él también lo hacía.
Después de la proyección, a McGregor le empezaron a hacer La Pregunta casi cada vez que daba una entrevista: ¿Consideraría volver a interpretar a Obi-Wan Kenobi? McGregor siempre respondía afirmativamente, lo cual es una buena política pero no una obligación contractual. La única vez que la pregunta realmente importó fue cuando McGregor fue preguntado por la entonces jefa de historia de Lucasfilm, Kiri Hart, hace unos cuatro años. «Ella sólo dijo: ‘Sólo queríamos saber si es verdad. Has dicho que lo volverías a hacer. Queremos saber si lo dices en serio’», recuerda McGregor. «Y yo dije: ‘Sí, lo digo en serio. Estaría encantado de volver a hacerlo’. «
Lucasfilm tenía la intención de hacer una película de Obi-Wan Kenobi, dirigida por el nominado al Oscar Stephen Daldry. McGregor sería productor esta vez, lo que le daría más voz sobre la historia. «Sólo dije: ‘Creo que debería ser una historia sobre un hombre roto, un hombre que ha perdido la fe’», dice. «Siempre tiene una frase graciosa que decir o siempre parece estar tranquilo y es un buen guerrero o soldado o lo que sea, pero ver a ese hombre desmoronarse, y ver lo que hace que vuelva a reunirse… ahí es donde empezamos».
Cuando la película de Obi-Wan evolucionó más tarde hacia una serie de televisión de Obi-Wan como parte del nuevo anhelo de Lucasfilm por los contenidos de Disney+, Daldry se marchó y Deborah Chow, directora de El Mandaloriano, se incorporó con el objetivo de mantener el alcance cinematográfico de la serie. Faltaba un componente. El coprotagonista de McGregor en las precuelas, Hayden Christensen, había sido Anakin Skywalker para su Obi-Wan, hermanos de armas hasta su brutal batalla en una corriente de lava en La venganza de los Sith. Sin embargo, en las primeras iteraciones de la historia de Obi-Wan en el exilio, Vader no estaba incluido.
A finales del año pasado, Rosario Dawson pareció confirmar accidentalmente un rumor con un post en Instagram: «Miré mi correo electrónico, y Star Wars estaba como, ‘QUIZÁS QUIERAS QUITAR ESO’. Yo estoy como, ‘Hombre, no se puede confiar en mí’. «
Es un dilema constante en Lucasfilm: ¿Cuánto deben mostrar los personajes heredados y cuánto deben mantenerlos en reserva? ¿Introducir a Vader en una historia sobre el exilio de Obi-Wan restaría importancia a su fatídico encuentro en la Estrella de la Muerte en la Guerra de las Galaxias de 1977, cuando Vader abate a su viejo amigo? ¿O podría un encuentro previamente desconocido mejorar ese momento?«Tenemos estas conversaciones de «y si» las 24 horas del día», dice Michelle Rejwan, productora ejecutiva de Obi-Wan y una de las principales jefas de desarrollo de la compañía. «Es divertido, en tu cabeza, recorrer la tienda de juguetes de Star Wars. ‘Oh, podríamos tener este personaje, o presentar esa nave’. Pero al final del día, realmente necesitamos mantener la pureza del por qué».
En otoño de 2019, Chow se sentó en el salón de Christensen para pedirle que volviera como el tirano más temible de la galaxia. Los troncos crepitaban en la chimenea. Una taza de té de hierbas, limón y jengibre humeaba en la taza de Chow. Vader, le dijo a Christensen, añadiría una nueva dimensión que, en última instancia, podría replantear la forma en que los fans ven su clásico duelo en la película original.
En el momento de la reunión, habían pasado 14 años desde La venganza de los Sith, y el actor asumió que sus días de gloria galáctica habían terminado. Se alegró de estar equivocado. «Este es un personaje que ha llegado a definir mi vida de muchas maneras», dice. «Me contrataron originalmente para interpretar una parte muy específica de la vida de esta persona. La mayor parte de mi trabajo fue con Anakin. Y ahora puedo volver y explorar el personaje de Darth Vader».
Técnicamente, no se necesita a Christensen para hacer de Vader; todo lo que se necesita es la máscara, una figura corpulenta con el traje y, si se tiene suerte, la voz imperiosa de James Earl Jones. Pero sí se necesita a Christensen para mostrar al público al hombre impulsivo pero compasivo que se perdió cuando Anakin Skywalker se convirtió en Vader. “Muchas de mis conversaciones con Deborah trataban sobre querer transmitir este sentimiento de fortaleza, pero también relacionado con el encarcelamiento”, dice Christensen. «Hay este poder y vulnerabilidad, y creo que es un espacio interesante para explorar».
Cuando Chow se convirtió en la directora de la serie, abogó por una revancha entre Vader y Kenobi mientras el grupo de expertos de Lucasfilm reflexionaba sobre si seguir ese camino. Mientras tanto, se habían reservado escenarios en Inglaterra y luego se habían cancelado a medida que la historia se sometía a un mayor escrutinio interno, lo que hizo temer a los fans que la propia serie también desapareciera. En marzo de 2020, poco antes de que comenzara el cierre, se tomó la decisión: Vader volvería.
Parte de la acertada perspectiva de Chow sobre «por qué» Vader y Kenobi deben enfrentarse de nuevo puede sorprender incluso a los fans más acérrimos de Star Wars, especialmente a aquellos que piensan que ambos albergan un desprecio épico el uno por el otro. «Para mí, a través de las precuelas, a través de la trilogía original, hay una dinámica de historia de amor con estos dos que atraviesa todo», dice Chow. «Sentí que era bastante difícil no [incluir] a la persona que dejó a Kenobi con tanta angustia en la serie». Lo que le intrigaba era la idea de que, a pesar de en qué se había convertido Vader, Kenobi podría seguir preocupándose profundamente por él. «No sé cómo podría no hacerlo», dice. «No creo que nunca deje de preocuparse por él. Lo especial de esa relación es que se querían».
Mientras que Luna es el tipo de actor que se acurruca en el asiento trasero de un coche, ocultando su llamada de Star Wars de un conductor probablemente ajeno, Rosario Dawson es del tipo que hace FaceTimes al hijo de ocho años de su amiga mientras está disfrazada de Ahsoka que busca la Fuerza, coletas completas de color azul y blanco enmarcando el maquillaje de color sombra quemada y las marcas blancas de guerrera. «Llamé a mi amiga Polina porque su hijo Cosmo es un gran fan de Star Wars, conoce todas las naves, todos los robots», dice Dawson. «Me ve y lanza el teléfono al otro lado de la habitación. Solo enloquecido. Me he tomado un helado con este chico. Hemos salido juntos. Pero era demasiado que este personaje que le gusta empezara a hablarle y dijera su nombre. Me llama al día siguiente y me dice: «Cosmo acaba de entrar en la habitación y me lo ha dicho: Ya está listo». Yo le dije: «Bueno, eso es muy dulce, pero ya no estoy en el disfraz. Se ha perdido su momento’. » Se encoge de hombros. «Eso será una lección de vida para él de cara al futuro».
Dawson tiene el mismo entusiasmo por Star Wars que Cosmo. Su elección como Ahsoka Tano, a la que antes ponía voz Ashley Eckstein y que sólo existía en animación, fue el resultado de una sugerencia de los fans que Lucasfilm se tomó en serio. Alguien tuiteó a Dawson una pieza de arte que la representaba como la heroína, y ella respondió: «Ummm… ¿Sí, por favor?». Eso llegó a Filoni, que había estado trabajando con Favreau para incluir a Ahsoka tanto en El Mandaloriano como en En el libro Boba Fett. Su objetivo final era dar a Ahsoka su propia serie de televisión.
En octubre de 2021, después de que Dawson hubiera rodado anuncios como invitada, leyó un informe comercial sobre la posibilidad de que Christensen se uniera a su serie independiente. Anakin Skywalker había sido el mentor del personaje, y el recuerdo de Vader, comprensiblemente, aún la persigue. Dawson hizo una captura de pantalla del titular y abrió Instagram, utilizando los apodos de los personajes de La guerra de los clones como pie de foto. «Acabo de publicar: ‘Skyguy… ¡¡¡Lo saben!!! Nos vemos pronto, Snips « Sólo más tarde se dio cuenta de que el informe era sólo un rumor no confirmado. Los fans tomaron su post como una dura confirmación, y los poderes de Lucasfilm se angustiaron. «Miré mi correo electrónico y Star Wars me dijo: ‘Puede que quieras quitar eso«, recuerda Dawson. «Me dije: «hombre, no se puede confiar en mí’. «
Ahsoka aparecerá en Disney+ en 2023, aunque Lucasfilm, deseoso de recuperar el secreto, sigue sin confirmar si Dawson había filtrado sin querer la verdad sobre Anakin o si realmente era una noticia falsa. Como en todo título de Star Wars, las emociones y la nostalgia están envueltas en esta serie. Filoni, que supervisa la serie, ayudó a crear el personaje principal con Lucas, y vio cómo se convertía en un icono para las jóvenes. La búsqueda que Ahsoka ha insinuado en sus apariciones como invitada en El Mandaloriano y Boba Fett, la caza de un gran almirante imperial llamado Thrawn que se desvaneció en el espacio profundo al final de la serie animada Star Wars Rebels es probable que se explore más a fondo, aunque los detalles de la trama todavía se mantienen en secreto. «Ahsoka es una historia en evolución», ofrece Filoni. «Definitivamente está conduciendo hacia una meta, en mi mente, en lugar de ser pequeñas aventuras singulares. Eso es lo que quiero que haga el personaje, y creo que eso es lo que los fans quieren ahora. Tienen una gran relación con ella. Hace poco que he empezado a entender que todos esos niños que veían Clone Wars son ahora mucho más mayores: están muy entusiasmados con todas las cosas con las que crecieron, como debe ser».
Para seguir acuñando fans, Lucasfilm debe dar a las nuevas generaciones su propia colección de personajes para amar u odiar, y de todos modos no se puede traer de vuelta a todos los personajes clásicos sin parar. Kennedy es muy consciente de todo esto. En El mandaloriano y El libro de Boba Fett, Mark Hamill, de 70 años, ofreció interpretaciones como el treintañero Luke Skywalker, pero actores más jóvenes interpretaron el cuerpo de Luke mientras una avanzada tecnología de imitación profunda sustituía el rostro. Dar vida a Luke es ahora un deporte de equipo. Pero esa tecnología tiene sus limitaciones. Y lo mismo ocurre con el recasting.
La película de 2018 Solo exploró los años de juventud de Han Solo, con Alden Ehrenreich asumiendo el papel del contrabandista originado por Harrison Ford. La película tiene sus admiradores, pero hizo menos en la taquilla que cualquier otra película de acción real de Star Wars. La fanfarronería de Solo puede ser demasiado singular para que otro actor la reproduzca. «Debe haber momentos en el camino en los que aprendes cosas», dice Kennedy. «Ahora sí parece muy claro que no podemos hacer eso».
Para perdurar, Star Wars necesitará nuevos actores, nuevos personajes y una nueva era, alejándose de la línea temporal tal y como la conocemos. Otra serie de próxima aparición, El acólito, supuestamente protagonizada por Amandla Stenberg, pretende hacerlo. La serie está en la fase de casting, pero la escritura está en gran parte completa, dice la showrunner Leslye Headland, cocreador de la serie de Netflix Russian Doll. Lleva dos años planeando la serie, sobre todo desde su casa. Su perro y su gato, que se asoman con curiosidad desde el fondo de las conversaciones de Zoom, están ciertamente impregnados del concepto de la era de la Alta República de la galaxia, dice, pero los fans casuales de Star Wars que no hayan seguido las novelas y los cómics recientes podrían no estar al tanto.
El Acólito, dice Headland, tiene lugar aproximadamente 100 años antes de La Amenaza Fantasma: «Muchos de esos personajes ni siquiera han nacido todavía. Estamos echando un vistazo a las cosas políticas, personales y espirituales que surgieron en un periodo de tiempo del que no sabemos mucho». Mi pregunta al ver La Amenaza Fantasma era siempre: ‘Bueno, ¿Cómo han llegado las cosas a este punto?’ ¿Cómo hemos llegado a un punto en el que un lord Sith puede infiltrarse en el Senado y ninguno de los Jedi se da cuenta? ¿Qué fue lo que salió mal? ¿Cuáles son los escenarios que nos han llevado a este momento?«
Headland describe El acólito como un thriller de misterio ambientado en una época próspera y aparentemente pacífica, en la que la galaxia sigue siendo elegante y reluciente. «En realidad utilizamos el término Renacimiento, o el Siglo de las Luces», dice. Los Jedis no siempre fueron figuras ascéticas como monjes que vivían de forma desinteresada y valiente. «Los uniformes de los Jedi son dorados y blancos, y es casi como si nunca se ensuciaran. Nunca saldrían a la calle», dice Headland. «La idea es que puedan tener este tipo de uniformes porque es lo poco que se meten en las escaramuzas».
Otra nueva serie en el horizonte ni siquiera tiene título, sólo un nombre en clave: Grammar Rodeo, una referencia a un episodio de Los Simpson en el que Bart y sus compañeros de colegio roban un coche y se escapan durante una semana, utilizando un falso evento educativo como coartada. La serie tiene lugar durante la reconstrucción posterior al Retorno del Jedi que sigue a la caída del Imperio, al igual que El Mandaloriano, pero su trama sigue siendo un secreto. Está creada y producida ejecutivamente por el director Jon Watts y el guionista Chris Ford, que hizo Spider-Man: Homecoming para Marvel. Un anuncio de casting ha pedido cuatro niños, de unos 11 a 12 años. Dentro de Lucasfilm, la serie se describe como una versión galáctica de las clásicas películas de aventuras de Amblin de los años 80.
Eso deja la cuestión de qué pasa con las películas de Star Wars.
«Tenemos una hoja de ruta», dice Kennedy, aunque es poco probable que el regreso de Lucasfilm a la gran pantalla siga la misma cadencia implacable que antes. Lo más probable es que primero llegue una película de Taika Waititi, de Jojo Rabbit, y de Krysty Wilson-Cairns, guionista de 1917, y que más adelante llegue Rogue Squadron, de la directora de Wonder Woman, Patty Jenkins. ¿Es cierto que el presidente de Marvel Studios, Kevin Feige, producirá una película de Star Wars? «Me encantaría ver qué película se le podría ocurrir», dice Kennedy. «Pero ahora mismo, no, no hay nada específicamente».¿Y la trilogía de Los últimos Jedi de Rian Johnson que se anunció hace cinco años? De espaldas a la realidad. «Rian ha estado increíblemente ocupado con Knives Out y el acuerdo que hizo en Netflix para múltiples películas».
El énfasis en la televisión ya está influyendo en la próxima lista de películas. «Dudo en seguir usando la palabra trilogías porque Star Wars es mucho más una narración persistente», dice Kennedy. Ahora sólo tiene que reclutar a directores de largometrajes.
El 19 de marzo, Kennedy y Lucas recibieron el premio Milestone del Gremio de Productores de América, y algo le ocurrió mientras veía el montaje de vídeo. Los clips de la pareja a lo largo de las décadas incluían a un Lucas sin camisa en una batalla de pistolas de agua con Steven Spielberg, y a Kennedy y Lucas bromeando bajo un aguacero que interrumpía la producción. «Lo que me impresionó fue lo bien que nos lo estábamos pasando», dice. «Fue un momento de realización: Creo que se ha perdido un poco de diversión al hacer estas películas gigantescas. El negocio, las apuestas, todo lo que se ha infundido en los últimos 10 años más o menos. Hay una especie de espontaneidad y buen tiempo que tenemos que tener cuidado de preservar. Me sigo aferrando a ello: Más vale que sea divertido».
Después de más de 50 años, con Lucasfilm navegando por un nuevo camino, ese es un buen punto de referencia para seguir.
Mientras que Luke Skywalker inicialmente se irritó ante la idea de unirse a Obi-Wan Kenobi en una aventura, el artista Ario Anindito no dudó. El dibujante del primer número de la nueva miniserie Star Wars: Obi-Wan de Marvel, que comienza el 4 de mayo. Anindito respondió con un sí instantáneo cuando se le pidió unirse al proyecto. “Obi-Wan es uno de mis Jedi favoritos”, le dice a StarWars.com, “así que cuando [el editor de Marvel] Mark Paniccia me ofreció la oportunidad de hacer esto, ¡acepté muy rápido!”.
La serie encuentra a Obi-Wan en sus últimos años en Tatooine, mientras el legendario Maestro Jedi se esconde del Imperio y vigila a Luke Skywalker desde lejos. En cada número, Obi-Wan relata aventuras anteriores en sus diarios y ofrece una mirada al ícono de Star Wars a lo largo de su vida. Para conmemorar el lanzamiento en el Día de Star Wars del cómic de Obi-Wan #1, StarWars.com se reunió con Anindito, quien abrió su cuaderno de bocetos y compartió sus primeras exploraciones y páginas dibujadas a lápiz para ver cómo se hizo el número, mientras comentaba su proceso.
“Para la portada, quería mostrar a Obi en toda su antigua gloria de ermitaño: en parte carroñero, en parte explorador. Colecciona cosas que le parecen adecuadas y trajo todo lo que necesita para su aventura. Es como El castillo ambulante de Howl , pero en versión Jedi. Quiero que la gente sepa que no es un anciano común con solo mirarlo. Tiene muchos trucos bajo la manga, ¡eso es seguro!”.
“Este cómic está maravillosamente escrito por Chris Cantwell, y en él verás dos partes: una con el viejo Ben en el ‘presente’, y luego la segunda parte donde vemos flashbacks de los días de juventud de Obi, contados por el viejo Ben de las páginas de su diario.
“Quería darle un tratamiento diferente a esas dos partes, así que hice la primera parte a lápiz, sin tinta, y con un aspecto más tosco. Tiene algo de arena, como puedes ver, el viejo Obi está desgastado. Se puede decir que ha pasado por muchas cosas en sus años de juventud. También agregué más realismo al estilo, para que podamos ver más parecido con el actor real, Sir Alec Guinness. Es una gran sensación poder dibujarlo en las páginas, ¡y también pude dibujar su cabaña icónica! El tono general de las primeras páginas también es muy amarillo y empolvado, en contraste con la segunda parte”.
“En la segunda parte está la ‘historia del diario’, así que cambié el estilo. Hay menos realismo y es un poco más caricaturesco. Entinté las páginas e hice la línea de arte más limpia. El guión me pedía que dibujara la parte sombreada de Coruscant, así que agregué muchas pinceladas para crear sombras y luces tenues en rincones misteriosos. Quería inyectar un sentimiento de claustrofobia e inseguridad a los lectores cuando lleguemos a esta parte de la ciudad”.
“Con Nodrus Cay, todo lo que sabía del guión era que ella es una mujer Zabrak, y que su armadura se ve un poco mejor que la de sus matones. Quería que se viera inteligente y astuta. Ese era el objetivo principal. Ella no es una villana tonta. La imagino como una combinación de loba y serpiente, acechando en la sombra y observando. Por eso hice su entrada saliendo sigilosamente de las sombras, sonriendo diabólicamente.
“Para hacerla distintiva, le puse el pelo largo y negro y un par de ‘cuernos de diablo’, para que se vea malvada, pero con estilo. Todavía elegante pero oscuro. Es alguien en quien no puedes confiar. Furtiva y mortal.
“En cuanto a Gehren, Chris la describió como de cabello corto y usa este collar que guarda con cariño. Lo que quería transmitir de ella es que es más madura que su edad. Es muy decidida y está dispuesta a hacer un esfuerzo adicional para conseguir lo que quiere para alcanzar su meta y cumplir su misión. Es mucho más valiente y madura que el niño Obi, y eso es lo que puse en sus expresiones, y la diferenció del niño Obi. No hay duda en ella. Ella sabe lo que quiere hacer. Es dura como una roca, pero en el fondo se preocupa profundamente por Obi y por aquellos a quienes amaba mucho. También es mucho más rebelde que Obi, y eso hace que sea aún más divertido para mí dibujar la química entre esos dos jóvenes”.
“Para el colgante, no había una descripción específica al respecto, aparte de que está hecho de plata Eadun rara y valiosa. Se me ocurrieron varios diseños, pero básicamente en todos ellos puse algo que tuviera una forma icónica de Eadu, como los relieves de roca que puedes ver en Rogue One. Se lo dio a Gehren alguien a quien ama profundamente, así que me imagino que la forma debe tener algo que le recuerde a su hogar o a la persona que anhela.
“Al final, decidimos elegir el modelo de lágrima, porque tiene relieves rocosos de Eadu y la forma de las lágrimas simbolizaba sus sentimientos de añoranza. Cómo está triste y se aferra con cariño al colgante porque le recuerda a aquellos a quienes anhela. Los relieves rocosos de Eadu, toda su historia de fondo y cómo lucha por su amado para cumplir su propósito es, creo, lo que lo convirtió en Star Wars”.
“Para el joven Obi, o el niño Obi, lo que tenía en mente a partir del guión es que es un buen chico, se porta bien, se preocupa mucho por las personas cercanas. Y al mismo tiempo también es frágil, pero está muy decidido a ser valiente y superar su fragilidad. No es un rebelde, pero está dispuesto a romper los límites y las reglas por sus seres queridos. Eso es lo que quería capturar en sus expresiones y emociones en los paneles.
“En general, estoy muy feliz y agradecido de tener la oportunidad de explorar a Obi-Wan en su propia miniserie. Sus ‘años perdidos’ siempre son fascinantes para muchos de nosotros, fans de Star Wars , y creo que su aventura en este cómic es una pieza importante del rompecabezas que lo formó para convertirse en lo que es».
La Biblioteca del Templo Jedi 