La Biblioteca del Templo Jedi

Autor: Alex Randir

  • Jedi a los 40: En la fosa del Rancor con Dennis Muren y Phil Tippett

    Jedi a los 40: En la fosa del Rancor con Dennis Muren y Phil Tippett

    Star Wars: El Retorno del Jedi llegó a los cines el 25 de mayo de 1983, poniendo fin a la trilogía original de manera memorable. En conmemoración de su 40 aniversario, StarWars.com presenta «Jedi a los 40«, una serie de artículos que celebran la película que nos trajo el palacio de Jabba, los Ewoks, el enfrentamiento final de Luke Skywalker con el Emperador y Darth Vader, y mucho más.

    El Rancor se alza imponente como una criatura cuya aparición en pantalla en Star Wars: El Retorno del Jedi dura apenas tres minutos. En una escena que trae suspense, terror y acción al oscuro calabozo bajo el estrado de Jabba el Hutt, la bestia voraz se muestra, triturando a un guardia Gamorreano antes de dirigir su mirada formidable y temible hacia Luke Skywalker.

    Rugiendo frente a la cámara con una boca gruñona llena de dientes afilados, el Rancor extiende sus garras sucias hacia Luke y la audiencia, listo para su próxima comida. Luego, sin un segundo que perder, Skywalker desesperadamente toma un cráneo y lo arroja al panel de control, haciendo que la puerta se estrelle sobre la bestia, poniendo fin a la emocionante batalla. Jabba está indignado. El cuidador del rancor está llorando. Y Luke Skywalker vive para luchar otro día.

    Para celebrar el 40º aniversario del estreno de El Retorno del Jedi, recientemente StarWars.com se sentó por separado con Dennis Muren y Phil Tippett, supervisor de efectos visuales de la película y jefe del departamento de monstruos, respectivamente, para hablar sobre su colaboración en la fosa del Rancor, su duradera amistad y el legado de Star Wars.

    StarWars.com: ¿Al comienzo del ciclo de producción, sentiste que El Retorno del Jedi era como una especie de último hurra?

    Dennis Muren: Sí, en cierta forma lo sentí así. Después de haber hecho Star Wars y El Imperio Contraataca, ya sabes, era como «¿Otra más?» Había escuchado a [George Lucas] hablar de nueve películas o seis películas desde el principio de El Imperio Contraataca. En algún momento escuché mencionar 12 [risas], pero no sé qué tan cierto era eso. De todas formas, sabíamos que habría una tercera película después de la segunda. Así que estábamos listos para ello. Pero luego, ¿qué vendría después?

    StarWars.com: Si podemos retroceder al principio, ¿recuerdas en qué punto de tu carrera y de tu vida te encontrabas cuando comenzaste a trabajar en «Jedi«?

    Phil Tippett: Bueno, después del éxito de El Imperio Contraataca, en realidad nos solapamos un poco y nos pusimos directamente con Dragones y mazmorras. Y luego hicimos algo similar cuando estábamos terminando Dragones y mazmorras, nos pusimos directamente con El Retorno del Jedi.

    Dennis Muren: Me había casado y estábamos pensando en tener hijos. Nos mudamos a una casa y estaba pasando todo eso. Me ofrecieron Dragones y mazmorras, luego me ofrecieron E.T. porque cuando [Industrial Light & Magic] comenzó, se dieron cuenta de que iba a haber más de una película a la vez. Creo que hubo un pensamiento de que tal vez un supervisor de efectos visuales haría todas ellas, pero eso fue una idea bastante mala. Al final, terminaron dividiéndolo entre varias personas… Esta «pequeña» [Steven] película de Spielberg, E.T. [risas]. Literalmente tuve que rodarla en 35 milímetros en lugar de VistaVision, porque no teníamos cámaras VistaVision. Y los decorados tenían que ser pequeños y estar en un rincón, porque Star Trek [II: La Ira de Khan] tenía grandes decorados por todas partes. Para cuando empecé a preocuparme de que cuando llegara Jedi iba a haber un choque por el equipo, en realidad trajimos a un administrador de producción para asegurarnos de que todo se repartiera y, sabiamente, Jedi se dividió en tres producciones para tres supervisores: yo, Richard Edlund y Ken Ralston. En realidad, no quería hacer ninguna de las tomas espaciales. Ya había tenido suficientes escenas espaciales en las otras películas. Así que me quedé con algunas cosas de tierra. Hice la secuencia del rancor. Hice algunas cosas pequeñas, caminantes caminando en el bosque y cosas así. Fue agradable para mí. Podía hacer algo que no había hecho. Y al estar en los bosques de secuoyas, podíamos llegar allí en tres horas y filmar cosas.

    Phil Tippett: Lo primero que George necesitaba era poblar el palacio de Jabba. Le pedí ver el guion y él dijo que aún no lo había escrito. Y preguntó: «¿Puedes hacerme un montón de alienígenas espaciales, como con el juego de ajedrez? Vamos a hacer una escena como la cantina [en Star Wars: Una Nueva Esperanza], pero mucho más grande, así que necesitamos muchos más personajes». En ese momento no había muchos escultores cualificados, así que reuní a quien pude, y una vez a la semana nos reuníamos y George venía a ver nuestros diseños. Cada viernes podíamos tener media docena de diseños. George parecía responder muy bien a las maquetas tridimensionales. Podía verlas y darles vueltas y verlas bajo la luz, y, ya sabes, imaginar ángulos de cámara y demás. Y luego él elegía cosas. Decía: «Este de color amarillo con patas largas y un hocico será el cantante, y este pequeño tipo azul tocará el piano. Y este tipo, ¿qué es eso?». Nosotros decíamos: «Es un hombre calamar». Él decía: «Bien, ese será el almirante Ackbar».

    StarWars.com: Phil, antes de que George llegue para ver tus diseños, ¿tenías una visión general de lo que querías lograr con esa variedad al principio?

    Phil Tippett: No, nunca la tengo. Rara vez la tengo. Mi proceso era sentarme y ver qué sucede, ¿sabes? A veces hacía un boceto. No recuerdo haber hecho un boceto para ninguno de ellos. Y luego hacía una pequeña armadura de alambre y simplemente empezaba a poner «Sculpey», lo horneaba, lo pintaba y lo traía. Aprendí trabajando con George anteriormente que no le gustaban las cosas de terror. Era un gran fanático de [Jim] Henson. Yo puedo ir en cualquier dirección. Puedo hacer cosas de terror o cosas más caprichosas. Y siempre me gusta impregnar lo que hago con un poco de humor o historia, no tomar las cosas en serio. Excepto cuando se trataba de cosas como el Rancor, y ahí era tipo «Vale, realmente necesito un monstruo aterrador». Para [el resto del palacio], él quería una especie de bacanal divertida de criaturas.

    StarWars.com: Me encantaría hablar un poco sobre su amistad, así como sobre algunas de las cosas en las que trabajaron juntos para Jedi, como la secuencia del foso del rancor. De todas las personas que trabajaban en ILM en aquellos primeros días, ¿qué crees que los unió como amigos y como colaboradores exitosos?

    Dennis Muren: Bueno, nos conocíamos desde hacía unos 15 años en ese momento y habíamos trabajado juntos muy de cerca durante unos 10 años más o menos en ese momento. Creo que realmente nos complementamos mutuamente. Quiero decir, Phil es realmente un tipo extrovertido, práctico, un fabricante de modelos y escultor, creador de criaturas y objetos y cosas, que yo realmente no puedo hacer en absoluto. Yo soy más bien un fotógrafo estilista. Pienso en cómo algo encaja, cómo cada toma tiene que funcionar y cómo quieres maximizar el impacto para el público y también que se ajuste a la historia para que sea coherente con la película. Hacemos cosas completamente diferentes y, supongo, no sé por qué nos llevamos bien. Siempre lo hemos hecho.

    Phil Tippett: Teníamos nuestras propias fortalezas, ¿sabes?, y jugábamos con ellas y era muy parecido a una relación tipo Lennon-McCartney en la construcción de esto. Era amigable. Si alguien tenía una mejor idea, íbamos por esa.

    StarWars.com: Entonces, ¿eres John o Paul en este escenario? [Risas.]

    Phil Tippett: Oh, no importa… bueno, definitivamente yo era John y Dennis definitivamente es Paul.

    Trabajamos juntos haciendo anuncios en Hollywood, en Cascade Pictures. Y creo que teníamos una mentalidad similar. A veces nos juntábamos para una noche de películas y mostrábamos nuestras propias películas en formato de 8 mm y 16 mm y nos enseñábamos lo que estábamos haciendo. Todas las personas que presentaban cosas eran como, chicos de monstruos, ¿sabes? Había una tendencia a hacer cosas como King Kong o el cíclope de El séptimo viaje de Simbad. Yo acababa de graduarme en la UC Irvine y estaba muy influenciado por la pintura y el arte conceptual. [Una noche] estaba subiendo a mi coche después y Dennis también estaba subiendo a su coche y se acercó y eso realmente inició la relación. Dennis pudo ver que yo pensaba de manera poco convencional.

    Dennis Muren: No es tanto una cuestión de confianza, porque confiamos en la mayoría de las personas con las que trabajamos, pero cuando has trabajado con alguien sabes lo que vas a obtener y puedes tener una idea de cuándo estará terminado y cómo se verá. Sabes, tienes un poco de influencia si algo te molesta y viceversa, Phil tiene influencia en lo que estoy haciendo. Y todos nos sentimos cómodos haciendo eso.

    StarWars.com: Sí, también desarrollan un lenguaje propio entre ustedes.

    Dennis Muren: Sí, eso es correcto. Y tenemos varios amigos así. Porque todos [vimos] las mismas cosas cuando éramos niños. Y respondemos a las mismas cosas en las tomas diarias. Y somos afortunados porque al público parece gustarle eso mismo también. Si no les gustara, ¿dónde estaríamos, verdad? Haríamos alguna película vanguardista en algún lugar.

    StarWars.com: No estaríamos teniendo esta conversación.

    Dennis Muren: [Risas.] No, no. Sería una comunidad mucho más pequeña.

    StarWars.com: Dennis, como supervisor de efectos visuales, tienes que tener una visión, pero también estás tratando de ejecutar la visión del cineasta. ¿Recuerdas algún desafío en Jedi para cerrar la brecha entre lo que veías o lo que creías que la escena necesitaba y lo que George te decía?

    Dennis Muren: Con el Rancor, al principio íbamos a intentar usar un hombre en un traje. Construimos un traje rudimentario y pensé que podríamos haber logrado algo con eso. No habría lucido como lo que se ve en la pantalla ahora, pero podríamos haber hecho algo. Pero George pensó que lucía demasiado torpe y podría haber terminado siendo algo muy falso. ¿Se parecería demasiado a algunos de los otros trajes que había en la película, ya sabes?

    Phil Tippett: Cuando diseñé el Rancor y a George le gustó, decidió: «Bueno, vamos a hacerlo como el mejor traje de Godzilla». Eso es lo que dijo. Pero yo no lo había diseñado para que fuera así. Lo diseñé para que fuera más como una marioneta de animación en stop-motion. Y así, cuando construimos la versión del hombre en el traje del rancor, tenía mis dudas al respecto. Y luego, Norman Reynolds envió un set para la cueva del rancor y yo me metí en el traje, y Kirk Thatcher, el técnico de criaturas, se metió en el traje, y Dave Carson, el escultor, también se metió en el traje. Y Dennis filmó tomas que estaban en el guion gráfico. Pero simplemente se veía como la m***da.

    StarWars.com: ¿Qué era lo que no funcionaba en esas tomas? ¿Era simplemente obvio que era un hombre en un traje?

    Phil Tippett: Sí. No estaba diseñado para eso. Tiene aproximadamente la fisiología de un humano. Tienes que hacer extensiones de brazos y demás. Pero incluso en el comportamiento, hay una correlación entre el comportamiento de un simio antropoide y un ser humano. Cuando estás creando criaturas alienígenas, puedes hacer prácticamente lo que quieras siempre y cuando se sienta como debería ser.

    Estábamos grabando pruebas durante la semana de las diversas criaturas que estábamos haciendo. Un día, para el personaje azul, Red Ball Jet [más tarde rebautizado como Max Rebo], era el final del día y teníamos que grabar una escena, y yo había construido la cosa para probarla y asegurarme de que no se rompiera o se desarmara. Y George había seleccionado la canción «Super Freak» de Rick James como la pista temporal para que hiciéramos una pantomima. Me metí en el traje y hice la pantomima con la canción. Y mi esposa Jules llega para recogerme porque solo teníamos un auto en ese momento. Y ella dice: «Bueno, ¿dónde está Phil?» Está en el traje. Y ella dice: «No… eso no puede ser porque Phil no tiene sentido del ritmo». Te canalizas a ti mismo y luego te conviertes realmente en el personaje, y un tipo como yo que no tiene absolutamente ningún sentido del ritmo y nunca ha bailado en su vida puede ponerse esto y, de repente, creer que lo tienes. Los personajes cobran vida de esa manera.

    StarWars.com: ¿Cómo funciona esa cualidad transformadora para ti cuando pasas al rancor y es más una marioneta de mano que un traje completo que estás encarnando?

    Phil Tippett: Bueno, un monstruo es un monstruo, y no tiene que hacer mucho más que ser una entidad amenazadora. Básicamente, calculas el peso del agua de la criatura en función de su altura. El rancor medía alrededor de 10 o 12 pies de altura, y a partir de ahí podías descubrir cómo hacer la pantomima. Llegamos a un punto en el que estábamos viendo las tomas diarias y George terminó diciendo: «Bien, haz lo que quieras. Nos hemos quedado sin tiempo». Y habíamos sido un poco precavidos. Tom St. Amand construyó un armazón de animación en stop-motion para la criatura, pero luego Dennis se dio cuenta de que estábamos yendo a contrarreloj y solo teníamos unos meses, y la configuración de stop-motion estaba llevando demasiado tiempo. Así que Dave Carson construyó un set en miniatura. Construimos una marioneta de mano y varillas para poder generar metraje mucho más rápidamente.

    StarWars.com: Creo que fue en agosto de 1982 cuando George vio la versión del hombre con el traje y lo canceló. Llevaban trabajando en esta película durante más de un año y medio en ese momento, y ahora volvían a estar en punto muerto con esta criatura en particular. ¿Recuerdas cómo te sentiste al recibir esa noticia?

    Phil Tippett: Estábamos contentos.

    StarWars.com: [Risas.] Oh. ¡Esa no es la respuesta que esperaba!

    Phil Tippett: No estábamos contentos por el cronograma, pero sabíamos que teníamos que hacer algo diferente porque esto no funcionó. Y no estábamos seguros de que alguna vez lo haría, incluso mientras lo estábamos construyendo. En primer lugar, no teníamos mucho tiempo, o el tiempo que se necesitaría para hacer algo así. Por lo general, lo que harías es tener mucho cuidado. Harías un molde de un cuerpo humano en una posición determinada. Tomarías arcilla y lo construirías todo, y luego cogerías los moldes y harías enormes piezas de espuma de goma y las aplicarías y harías extensiones de brazos más sofisticadas y ese tipo de cosas. Y simplemente no teníamos ese dinero o tiempo. Así que simplemente lo fabricamos con láminas de espuma utilizando cortadores de carne de pavo, cuchillos eléctricos, para esculpir el material. Lo cual es como hicimos todo prácticamente. Pero, ya sabes, era el producto de su proceso, que desde el principio no comenzó de la mejor manera.

    Dennis Muren: No recuerdo el orden antes de que se nos ocurriera la marioneta de mano o de quién fue la idea. Simplemente no quería hacer algo como go-motion como habíamos hecho en «El dragón del lago de fuego». Eso es una pesadilla y lleva mucho tiempo.

    Había estado promoviendo marionetas de varillas. Estaba buscando formas de acelerar todo el proceso porque estas películas eran muy costosas. Tal vez era obvio, «Hagámoslo con marionetas de varillas como los Muppets». Lo intenté un poco en las escenas de persecución en moto. Algunas de esas escenas de persecución en las que ves las motos volar o incluso pasar rápidamente frente a la cámara, son maquetas. Ves a Luke y Leia y están hechos a una velocidad lenta, filmando con Phil o [el asistente de cámara] Mike McAlister o alguien que sostiene una varilla en la cabeza de la marioneta. Sé que estaba buscando muchas formas de hacer las cosas más rápido pero que aún se vieran bien, ¿sabes? Y tal vez de ahí fue de donde surgió una solución para esto. La clave estaba en hacer que las varillas y todo el set estuvieran lo suficientemente ajustados. Pero me gusta esa idea de estar encerrado en este espacio pequeño e imaginar cómo se vería esta criatura grande.

    Phil Tippett: Mi tendencia con los monstruos es no ser tan literal con las cosas y tratar de tener cierto nivel de como, «¿Qué es eso?» George y yo diferíamos en nuestras ideas sobre cómo debería ser un rostro. Creo que las cosas deberían ser difíciles de mirar hasta que hayas visto tres o cuatro tomas y luego comiences a armar la imagen en tu mente. Eso es más como un monstruo para mí, ¿sabes? Es como si vieras una viuda negra subiendo por tu brazo, tu primera reacción es visceral incluso antes de pensar: «Es una viuda negra». A George siempre le gustaba ver un rostro que pudiera ser expresivo.

    StarWars.com: ¿Dirías que tienes afinidad por la marioneta de mano y ese aspecto del trabajo?

    Phil Tippett: No, no importa mucho. Simplemente te proyectas en el personaje que estás interpretando. Y hay maestros titiriteros ahí fuera que son mucho mejores que yo. Pero el rancor era un tipo particular de criatura y yo tenía la experiencia para lograrlo.

    Dennis Muren: Las cuatro personas que manipulan al rancor, incluyéndome a mí y a Kim Marks, quien intentaba filmarlo, estamos todos apretados en un área de probablemente tres o cuatro pies cuadrados para poder hacerlo. [Tippett operaba la boca y la cabeza del rancor, Tom St. Amand tenía a los dos asistentes de Eben Stromquist que manipulaban los codos, brazos y dedos, y Dave Sosalla controlaba los pies]

    StarWars.com: ¿Es una situación de trabajo difícil? ¿O prosperas en eso porque todos ustedes tienen una comunicación fluida entre ustedes y se mueven en conjunto con los demás a tu alrededor?

    Phil Tippett: Sí, no fue una sorpresa. Sabes, simplemente fue en plan, «De acuerdo, ese es el escenario». Ahí es donde haces tu actuación.

    Dennis Muren: Es mucha gente teniendo que actuar ahí dentro, pero es necesario para que se vea real. Simplemente te acercas como si fuera real. No retrocedes con un objetivo más largo para que todos tengan más espacio. No haces la cueva un poco más grande para que todos tengan más espacio. Esa secuencia, creo que realmente ayudó porque todo el set se suponía que era muy pequeño y quería asegurarme de mantener la apertura de la cueva como, ya sabes, de unos 50 o 75 pies de diámetro. Creo que ayuda acercarse mucho a ello. Y tanto yo como Phil somos bastante buenos para poder mirar las cosas y decir: «Tío, parece una marioneta de mano. Intentemos otra toma».

    Phil Tippett: Filmábamos a alta velocidad, en todas partes, desde 76 fotogramas por segundo hasta 120 fotogramas por segundo. El proceso de la pantomima es lo opuesto a la animación cuadro por cuadro, que es como esculpir en cámara lenta. A alta velocidad, si ibas a hacer una toma de cuatro segundos, tenías que actuar muy rápidamente. Y hacíamos montones de tomas porque no sabíamos qué teníamos y en ese momento no teníamos reproducción instantánea. Solo lo revisábamos en los «dailies». George se dio cuenta rápidamente. Llegábamos a los «dailies» y él decía: «¿Cuántas ‘dailies’ tienes?» Por lo general, solo generábamos una o tal vez dos tomas al día si teníamos suerte. [Con el Rancor] tendríamos como 60 tomas y seleccionaríamos seis para enviarlas a Duwayne Dunham en la sala de edición.

    Dennis Muren: Se volvió muy elaborado e incluso hicimos algunas escenas ¡al revés! Solo necesitábamos obtener esa toma de tres segundos y sabíamos desde dónde [Phil y el rancor] tenían que comenzar, la actitud que el rancor debía tener y hacia dónde tenía que llegar. Solo teníamos que obtener tres segundos de eso. Luego podíamos pensar, ya sabes, intentémoslo al revés. Intentemos grabar a cámara lenta y hacer que Phil se mueva muy rápido y veamos si eso se aleja de la apariencia de una marioneta de mano.

    StarWars.com: ¿Crees que el tamaño claustrofóbico del set también ayudó a vender esa escala y peso?

    Dennis Muren: Sí. Casi nunca ves la figura completa. Y la parte superior está iluminada muy brillante y el resto está muy oscuro. Teníamos buenas luces en los ojos del rancor. Puedes ver muy bien sus globos oculares. Así que estás mirando la amenaza en la cara; no importa lo maravillosa que sea esa cara, si puedes ver un destello en los ojos, cobra vida. Y movimos la cámara por todos lados, lo cual no podríamos haber hecho con muchas otras técnicas. No quería hacer nada de eso. Justo frente a la cámara. Real.

    StarWars.com: Ese destello en los ojos, creo que realmente ayuda a venderlo.

    Dennis Muren: La saliva también. Estoy seguro de que fue idea de Phil.

    StarWars.com: Seguro [risas]. Pero creo que fue tu idea filmarlo como si fuera un documental de naturaleza, lo cual fue un golpe de genialidad. ¿Recuerdas qué te inspiró esa decisión?

    Dennis Muren: La realidad, ya sabes, es ver muchas películas. Se reduce a: ¿qué quieres sentir? No recuerdo cuántas tomas tuvimos en esto. Tal vez unas 20 o algo así. Así que es muchas veces para verlo en este espacio pequeño. Para mantenerlo interesante, quieres meterte ahí y hacerlo como en Toro Salvaje, ya sabes, algo así. Estás ahí sintiéndolo y no puedes verlo del todo. Me hubiera gustado hacerlo aún más oscuro, pero en ese momento era bastante arriesgado hacerlo tan oscuro.

    Solo estoy hablando de que cuando todo se siente tipo «¡Sáquenme de aquí! ¡Estoy atrapado aquí!» Pero no es una película de Toro Salvaje. Es una película de Star Wars, así que no necesitas ser tan dramático en la sensación, pero sí quieres que se sienta, pensé, no exactamente con cámara en mano, pero un poco más radical y algo que no se había hecho mucho antes en películas de efectos.

    StarWars.com: Hay una gran foto en la que Phil posó al Rancor peleando falsamente con el dragón de DragonSlayer. ¿Cuál es la historia detrás de eso?

    Phil Tippett: Pensamos que sería divertido. Teníamos a ambos personajes. ¿Por qué no? Solo estaban ahí. Terry Chostner [del departamento de fotografía fija] hizo un retrato de eso.

    Dennis Muren: [Risas.] No recuerdo si estuve presente cuando tomaron esa foto o no. Es genial ver esa acción. ¿Quién va a ganar? Creo que parece que el Rancor va a ganar. Tal vez esa era la secuela que nunca sucedió.

    StarWars.com: También hay una gran foto de ustedes dos tomados de la mano con el rancor, sonriendo y como estrechando manos con la marioneta.

    Phil Tippett: No es tanto una historia com… creo que era porque la cosa estaba terminada. Estábamos listos para filmar. Estaba listo para ser colocado frente a una cámara. Siempre tomábamos muchas fotos de broma.

    Dennis Muren: Creo que acababa de salir del molde. ¡Aquí está! Pero podría haber sido un molde temprano. Sabes, simplemente amo ese tipo de cosas. Los olores, las personas que lo hacen, las herramientas y la tecnología, los fluidos y los polvos, y los motores que los mezclan y luego los vierten en [el molde]. Simplemente amo eso. Crecí amando eso y trabajando en eso en Cascade, excepto que en lugar de un dragón o un rancor, era el Pillsbury Doughboy. Algo estaba sucediendo. La vida lucha por crear vida. Puedes verlo, sentirlo, saborearlo, puedes acercarte y tocarlo y cambiarlo con tus manos.

    StarWars.com: Hablando de manos, hemos escuchado la historia de que un día, mientras filmaban la secuencia del Rancor, la mano de Phil resultó herida y, Phil, quedaste atrapado dentro de la marioneta durante horas.

    Phil Tippett: Había un gran foco de 5K en su soporte y la perilla no había sido girada lo suficiente. Y casualmente tenía mi mano en el lugar donde la luz sube y baja, y simplemente bajó y aplastó mi mano entre el pulgar y el índice, lo que hizo que se hinchara en una gran ampolla de sangre. Así que una vez que metí la mano dentro de la [marioneta], era como una yema que tenía que apretar para pasar, y mi mano se había hinchado tanto que no podía sacarla.

    StarWars.com: En ese momento, ¿por qué no dijiste, «Tenemos que parar por hoy. No puedo hacer esto. Estoy herido«?

    Phil Tippett: No sabía que no podía sacar la mano hasta que no pude hacerlo. Tengo una tolerancia muy alta al dolor.

    Dennis Muren: Ni siquiera recuerdo eso. Si hubiera sido lo suficientemente grave, no habríamos continuado o alguien más lo habría hecho. Phil probablemente decía: «Oh, estaré bien». Sería realmente gracioso si nunca me hubiera enterado porque no quería darme la opción de decir: «Deberíamos detener esto».

    StarWars.com: Más allá de la fosa del Rancor, trabajasteis juntos en algunos momentos clave, como cuando Han es descongelado del carbonita y algunas partes de la batalla en Endor. En el caso de Han, ¿cuál fue el desafío con esta secuencia en particular?

    Dennis Muren: Sabes, no recuerdo mucho de la historia, pero la solución fue bastante simple, simplemente lo invertimos y pusimos una luz en el interior de esto, filmamos el humo y luego, en stop-motion, rompimos la fundición que estaba en el exterior.

    Phil Tippett: Teníamos el rectángulo de carbonita, y simplemente quité el molde de eso y hice una cáscara de cera a partir de eso, luego la perforé y la pinté para hacer este tanque de peces. Luego vertí cera en él, y la cera tenía aproximadamente un cuarto de pulgada de profundidad. Bombearía mucho humo y luego usaría una cuchilla X-Acto desde la parte trasera para empezar a animar la apertura de estos agujeros.

    Dennis Muren: Siempre habría estos fragmentos de luz saltarines saliendo. Quién sabe qué está pasando, pero sabes que algo está sucediendo en el interior. Y con suerte será satisfactorio y funcionará. Y así fue, gracias a Dios.

    Phil Tippett: Obtuve todo eso en una toma para ese elemento, y luego hice un molde de espuma de goma de la cara de Harrison Ford y la pinté para que se pareciera a un humano, y la coloqué sobre una pantalla verde que Bruce Nicholson compuso más tarde. Teníamos eso como una marioneta de mano, por lo que cuando toda la carbonita desaparece, entonces él puede abrir la boca.

    StarWars.com: Sabiendo lo que saben ahora, después de haber trabajado en la industria durante tantos años, ¿habrían abordado alguna de las secuencias de manera diferente con las herramientas o los conocimientos que tienen ahora?

    Phil Tippett: No, sabes, no teníamos tiempo, así que simplemente nos lanzamos y lo hicimos. El cronograma lo impulsaba todo.

    Dennis Muren: Sabes, nunca pensé en eso. Me gusta mucho más ese aspecto que si hubiera sido una gran producción de gráficos por computadora, que es como se habría hecho ahora. Gran parte de [los gráficos digitales] se ve muy falso. Gran parte de ello no tiene ninguna relación con el mundo real porque no hay física involucrada en ello. [Para Han,] creo que lo que se muestra en la película es algo orgánico y que los fragmentos de luz que salen con algo que brilla son reales. A veces puedes ver eso en una tormenta de nieve o algo así con una luz. Es algo con lo que puedes relacionarte.

    Phil Tippett: Y luego, más tarde, creo que fue para una fiesta de Navidad, compilamos rollos de cosas tontas. Así que hice una pantomima de la marioneta de Han Solo sincronizando los labios con «Thank Heaven for Little Girls» de Maurice Chevalier. Robé el espectáculo.

    StarWars.com: ¿Por qué creen que esta película en particular, de todas las películas de Star Wars, tiene un resonancia duradera en las personas de tal manera que seguimos hablando de ella 40 años después?

    Phil Tippett: Bueno, por un lado, tanto Lucas como [Steven] Spielberg eran muy conscientes de la historia del cine. Y lo que puedes hacer con efectos especiales es generar una gran cantidad de espectáculo y cosas que no habías visto antes. Y en un entorno de ciencia ficción y fantasía, era nuevo. Nadie había visto algo así. George tenía esta idea sobre los autos de carreras. Quería ver naves espaciales volando como autos de carrera. George siempre quería, si estabas haciendo una toma con velocidad, era para ver cosas que se acercaran a ti. Fue una capa nueva de pintura sobre un género antiguo con una nueva tecnología.

    StarWars.com: ¿Cuál es, en tu opinión, el lugar de El Retorno del Jedi en la historia de los efectos especiales y el cine?

    Dennis Muren: Me alegra que «Jedi» fuera un gran éxito… Fue un gran cierre y siempre pareció que era el final de la serie. Y qué cosa tan increíble, para mí y seguramente para todos los demás, trabajar en esto, entrar en esta pequeña película espacial de la que pensábamos: «¿Quién sabe qué pasará con ella?» Y luego, ocho años después, terminarla y que cada una satisfaga a millones de personas. Fue asombroso. Punto.

    Fuente: StarWars.com

  • 40 Aniversario de El Retorno del Jedi: Sus escenas eliminadas.

    40 Aniversario de El Retorno del Jedi: Sus escenas eliminadas.

    Star Wars: El Retorno del Jedi llegó a los cines el 25 de mayo de 1983, poniendo fin a la trilogía original de manera memorable. En conmemoración de su 40 aniversario, StarWars.com presenta «Jedi a los 40«, una serie de artículos que celebran la película que nos trajo el palacio de Jabba, los Ewoks, el enfrentamiento final de Luke Skywalker con el Emperador y Darth Vader, y mucho más.

    Siempre es un buen momento para volver a ver Star Wars: El Retorno del Jedi, especialmente ahora que la película celebra su 40 aniversario. Pero mientras muchas escenas son divertidas de ver una y otra vez, desde buscar en las sombras del Palacio de Jabba para descubrir nuevas criaturas hasta intentar identificar a todos los Ewoks en Endor, si estás viendo El Retorno del Jedi en Disney+, no te pierdas los momentos que no llegaron al montaje final de la película. Estas cinco secuencias incluyen metraje de los héroes y villanos principales de la película, personajes menos conocidos como Moff Jerjerrod y extras que nunca aparecieron en pantalla.

    La Batalla de Endor: Los Rebeldes Perdidos

    Los Rebeldes Perdidos es una colección de clips que muestran a pilotos rebeldes, oficiales y soldados en escenas eliminadas que iban a formar parte de la Batalla de Endor. Los dos primeros pilotos que se muestran son los actores Poppy Hands y Ann Murray; la piloto que interpreta Hands apareció en la película como un personaje llamado más tarde Sila Kott, pero su voz fue doblada por un actor masculino. Otras líneas que se pueden incluir en la épica batalla espacial son «Es una zona de fuego intenso allá abajo«, «Estoy dentro del rango«, «Estoy perdiendo potencia» y «¡Alejaos… Va a explotar!» además de un piloto Mon Calamari que pronuncia de manera acertada la línea «¡Calamar frito esta noche!«.

    La recopilación incluso nos muestra algunas líneas de diálogo del General Madine rebelde, quien desempeña un papel pequeño pero importante en El Retorno del Jedi. Aunque no vemos a Madine durante la Batalla de Endor en la película final, aquí podemos echar un vistazo al puente de mando de su nave. Estas tomas, al igual que varias tomas de segunda unidad en Jedi, fueron dirigidas por George Lucas.

    El Conflicto de Jerjerrod

    Aunque no recuerdes el nombre del Moff Jerjerrod, que nunca se pronuncia en pantalla, si has visto El Retorno del Jedi, probablemente hayas sentido un poco de compasión hacia el oficial Imperial que se pone muy nervioso ante Darth Vader al comienzo de la película. El papel de Jerjerrod como Comandante de la Estrella de la Muerte II se expande significativamente con esta colección de escenas eliminadas.

    Una escena incluye a Jerjerrod y dos Guardias Reales del Emperador tratando de frenar a Vader cuando se dirige a ver a Palpatine, resultando en que Vader estrangula a Jerjerrod a través de la Fuerza. La siguiente sección muestra una secuencia alternativa donde el Emperador ordena a Jerjerrod que destruya la luna de Endor si los rebeldes tienen éxito en volar el generador de escudo. Una escena posterior muestra a Jerjerrod y varios oficiales imperiales siguiendo esa orden.

    Asalto Rebelde al Búnker

    Las escenas del Asalto Rebelde amplían la secuencia en la que Han, Leia, Chewie y soldados rebeldes se abren paso hacia el edificio del generador de escudo Imperial. En una encantadora toma alternativa, después de que un oficial Imperial llama a Han y Leia «escoria rebelde«, Solo responde audazmente «¿escoria?» al oficial de una manera tan encantadora como solo Han podría lograr.

    Tormenta de Arena en Tatooine

    La primera secuencia filmada para El Retorno del Jedi el 11 de enero de 1982 en los Estudios Elstree no sería vista por el público hasta pasados varios años después del estreno de la película. Mientras que en el filme se pasa directamente de Han, Luke, Leia y el grupo escapando del Palacio de Jabba en un deslizador de arena a una toma del Halcón Milenario y el Ala-X de Luke en el espacio, la idea original era que los rebeldes se reunieran en medio de una tormenta de arena en Tatooine.

    Con gafas de protección, Luke les dice a Han y Leia que no puede ir con ellos porque «tengo una promesa que cumplir… a un viejo amigo«. Poco después, Han se lleva a Luke a un lado y le da las gracias por ir a rescatarlo antes de que Luke se ponga un guante negro en su mano herida y se prepare para irse en su Ala-X con R2-D2. Cuando se eliminó la secuencia de la tormenta de arena de la película por motivos de ritmo, estas líneas de diálogo y momentos importantes de los personajes se trasladaron a las tomas desde el espacio.

    Llegada de Vader y Llamando a Luke

    Otra escena eliminada temprana en la película ocurre justo después de que Darth Vader sugiere a Moff Jerjerrod encontrar nuevas formas de motivar a los trabajadores de la Estrella de la Muerte II. Se muestra a Vader en su cámara de meditación, que en realidad es una toma sacada de El Imperio Contraataca, llamando a Luke a través de la Fuerza. Mientras tanto, Luke y R2-D2 están seguros dentro de una cueva en Tatooine, mientras Luke trabaja en su nuevo sable de luz de hoja verde y se lo entrega a su leal astromecánico. En la edición final de la película, las primeras tomas que el público ve de Tatooine son de C-3PO y R2-D2 dirigiéndose al Palacio de Jabba.

    Puedes encontrar estas escenas eliminadas de El Retorno del Jedi en Disney+ bajo la pestaña de «Extras», donde también encontrarás un tráiler original de la película.

    Fuente: StarWars.com.

  • Nuevos libros de la «Essential Legends Collection» a la venta en USA.

    Nuevos libros de la «Essential Legends Collection» a la venta en USA.

    Ayer, 23 de Mayo de 2023, se reeditaron en los Estados Unidos otras tres interesantísimas novelas en la colección «Essential Legends Collection«, que poco a poco va añadiendo material del antiguo Universo Expandido a su ya nada desdeñable conjunto de libros que todo buen amante de la saga debería disfrutar:

    Dawn of the Jedi: Into the Void

    Autor: Tim Lebbon.
    Formato: Novela adulta, tapa blanda. 320 páginas.
    Sinopsis:
    En el planeta Tython se fundó la antigua Orden Je’daii. Y a los pies de sus sabios Maestros, Lanoree Brock aprendió los misterios y métodos de la Fuerza, y encontró su vocación como una de sus discípulas más poderosas. Pero aunque la Fuerza fluyó poderosa dentro de Lanoree y sus padres, permaneció ausente en su hermano, quien llegó a despreciar y rechazar a los Je’daii, y cuyo entrenamiento en sus antiguas formas terminó en tragedia.

    Ahora, desde su vida solitaria como Ranger manteniendo el orden en toda la galaxia, Lanoree ha sido convocada por el Consejo Je’daii en un asunto de suma urgencia. El líder de un culto fanático, obsesionado con viajar más allá de los alcances del espacio conocido, está empeñado en abrir una puerta cósmica utilizando la temida materia oscura como clave, arriesgándose a una reacción cataclísmica que consumirá todo el sistema estelar.

    Pero más impactante para Lanoree que incluso la perspectiva de la aniquilación galáctica total es la decisión de sus Maestros Je’daii de encomendarle la misión de evitarla… Hasta que una asombrosa revelación deja claro por qué fue elegida: el loco brillante y peligroso que debe rastrear y detener a cualquier costo es el hermano cuya muerte ha llorado durante mucho tiempo, y cuya vida ahora debe temer.

    Republic Commando: Hard Contact

    Autor: Karen Traviss.
    Formato: Novela adulta, tapa blanda. 293 páginas.
    Sinopsis:
    En una misión para sabotear una instalación de investigación de nanovirus en un planeta controlado por los Separatistas, cuatro soldados clon operan bajo las narices de sus enemigos. Los Comandos son superados en número y armamento, muy por detrás de las líneas enemigas, sin respaldo y trabajando con extraños en lugar de compañeros de equipo de confianza. Las cosas no mejoran cuando Darman, el experto en demoliciones del escuadrón, se separa de los demás durante la caída del planeta. Incluso la aparente buena suerte de Darman al conocer a un Padawan Jedi se desvanece una vez que admite su lamentable inexperiencia.

    Para los comandos clon aislados y los Jedi varados, un largo y peligroso viaje se avecina, a través de un territorio hostil repleto de esclavistas Trandoshanos, Separatistas y nativos sospechosos. Un solo paso en falso podría significar el descubrimiento … y la muerte.

    Es una misión suicida virtual para cualquiera, excepto para los Comandos de la República.

    Yoda: Dark Rendezvous

    Autor: Sean Stewart.
    Formato: Novela adulta, tapa blanda. 352 páginas.
    Sinopsis:
    Las salvajes Guerras Clon han llevado a la República al borde del colapso. Durante el apogeo de la batalla, un Caballero Jedi escapa de la carnicería para entregar un mensaje a Yoda en Coruscant. Parece que Dooku quiere la paz y exige una reunión. Hay pocas posibilidades de que el traicionero Conde sea sincero, pero con un millón de vidas en juego, Yoda no tiene otra opción.

    La reunión tendrá lugar en Vjun, un planeta impregnado de maldad. El desafío no podría ser más difícil. ¿Podrá Yoda recuperar a su prometedor alumno del Lado Oscuro o el Conde Dooku desatará sus siniestras fuerzas contra su antiguo mentor?

    De cualquier manera, Yoda está seguro de una cosa: esta batalla será una de las más feroces que jamás enfrentará.

  • El actor Ray Stevenson fallece a los 58 años.

    El actor Ray Stevenson fallece a los 58 años.

    Ray Stevenson, el actor británico que interpretó a Volstagg en las películas de Thor y al brutalmente malvado gobernador en la producción india ganadora de un Óscar, RRR, ha fallecido con 58 años de edad.

    Stevenson nos dejó el domingo, cuatro días antes de su cumpleaños, según informó su publicista, Nicki Fioravante. El periódico italiano La Repubblica indicó que el actor había sido hospitalizado en la isla de Ischia mientras estaban rodando «Cassino on Ischia«, un film de Frank Ciota.

    No se han aportado más detalles sobre su muerte.

    El actor, con una presencia imponente en pantalla, apareció públicamente por última vez en la Star Wars Celebration de Londres (2023) para hablar sobre su intervención en el universo de Star Wars, ya que volverá a aparecer en la saga galáctica gracias al personaje de Baylan Skoll, uno de los principales antagonistas de la serie Ahsoka.

    «Poder blandir un sable láser es la mejor sensación del mundo«, comentaba entonces. «La primera vez que me lo entregaron para los tests de cámara no pude evitarlo: hice el sonido.«

    Stevenson se hizo célebre mundialmente tras interpretar al afable pero moralmente cuestionable soldado Tito Pullo en la serie Roma (HBO, 2005-2007).

    Un año después de que ésta terminase se convirtió en Frank Castle en el filme Punisher: War Zone (2008). Volvería a colaborar con Marvel varias veces más con roles pequeños en las películas de Thor (2011) interpretando a Volstagg, uno de los Tres Guerreros compañeros del dios nórdico, donde repitió hasta Thor: Ragnarok (2017).

    Era un intérprete habitual en muchas franquicias, como G.I.Joe: Retaliation (2013), Divergente (2014) y sus secuelas (2015 y 2016, respectivamente).

    También aportó su talento al personaje de Scott Buxton, el brutal gobernador villano de RRR (2022), una película de acción india que causó sensación en Netflix y que terminó ganando un Óscar a Mejor Canción Original.

    George Raymond Stevenson nació en una base militar británica el 25 de Mayo de 1964 en Lisburn, Irlanda del Norte. Era hijo de un piloto de las Fuerzas Aéreas Reales. Trabajó como diseñador en una firma de arquitectura en Londres hasta que decidió seguir la carrera de actor. Se graduó a los 29 años en la Escuela de Teatro Bristol Old Vic.

    Su carrera comenzó cuando interpretó a un gigoló en The Theory of Flight (1998), cuya protagonista era Helena Bonham Carter, y al inspector Tony Baynham en la serie de la BBC City Central durante 2 temporadas, en 1998 y 1999.

    A partir de ahí su carrera despegó, apareciendo como el Caballero Dagonet en King Arthur (2004), un mercenario en Outpost (2008), y en muchas otras películas como Kill the Irishman (2011), Los Tres Mosqueteros de Paul W. Anderson (2011), Jayne Mansfield’s Car (2012), Big Game (2014) y Accident Man: Hitman’s Holiday (2022).

    Además, fue Barbanegra en la serie Black Sails, producida por Michael Bay para Starz en 2016-17 y Othere en la «Vikings» de History, en 2020.

    Sin embargo, su papel en Roma marcó un punto de inflexión, tal y como él mismo reconocía hace 3 años:

    «En ese momento me di cuenta de lo que implicaba ir por tu propio camino y confiar en tus instintos, y confiar en que mucho de tu trabajo se ha hecho de forma subconsciente y en silencio«, dijo. «Y además, centrarse en la carrera que estoy teniendo más que en la carrera que debería tener; es este momento, ahora, el que importa. Este momento, esta producción, los actores a mi alrededor, el director con quien trabajo. Es donde mi vida cambió por completo.«

    Stevenson estuvo casado con la actriz inglesa Ruth Gemmell de 1997 hasta 2005, cuando se divorciaron. Le sobreviven tres hijos que tuvo con la antropóloga italiana Elisabetta Caraccia: Sebastiano, Leonardo y Lodovico. Conoció a Caraccia mientras trabajaba en Roma.

    En una entrevista de 2016, Stevenson dijo que «él no había escogido actuar, sino que actuar lo había escogido a él«:

    «Tuve que enfrentarme a ese descubrimiento y fue una epifanía: lo que yo pensaba que era tomar la decisión de actuar era falso. No había decisión que hacer. Era una vocación. No tenía elección. Debía aceptar lanzarme a ello sin garantías, simplemente lanzarme e ir a por ello«, indicó.

    Stevenson hizo su debut en la saga de Star Wars gracias a la serie animada Star Wars: Rebels, donde prestó su voz al villano Gar Saxon. Aunque la 1ª aparición de este personaje fue en un cómic (Darth Maul: Hijo de Dathomir), lo rescataron para la serie animada, donde apareció en el séptimo episodio de la tercera temporada (5 de noviembre de 2016).

    Stevenson volvió a dar vida a Saxon en la 7ª temporada de Star Wars: The Clone Wars. Además, como indicamos al principio del artículo, aparecerá en la serie de acción real de Ahsoka que se estrena el próximo agosto en Disney+.

    Según ha comentado Dave Filoni:
    «Hemos perdido un gran talento y a un gran amigo en Ray Stevenson», comentó el director creativo ejecutivo de Lucasfilm. «Su amabilidad y generosidad fueron muy apreciadas por todo el equipo de Ahsoka. Siempre quise trabajar con Ray y apreciaba su forma de ver las cosas y su sabiduría diaria. Me alegro de que su memoria viva a través de su familia, amigos y de la gran variedad de personajes que creó. Gracias, Ray, por todo.«

    La propia actriz protagonista de Ahsoka, Rosario Dawson, y algunos miembros de sus «familias» en Lucasfilm y Marvel han expresado su dolor en las redes sociales:

    «Comparto el dolor con todos vosotros. Vaya Rayo de luz. He estado llamando al cast/crew y al resto de mi familia para decirles lo mucho que los quiero. Que esto sea vuestro recordatorio para amar a vuestra gente en tiempo real mientras podéis. Ray era tan vivaz y estaba tan increíblemente presente y vibrante. ¡Vivió de verdad!» – Rosario Dawson.

    «Tengo el corazón roto y estoy devastada por perder a un increíble amigo, colega y mentor. Ray Stevenson fue un ser humano atento y apasionado, un hombre de familia dedicado y amado, y quería a sus fans inmensamente. ¡Ray, siempre fuiste una fuerza increíble! Muchos te echarán profundamente de menos.» – Diana Lee Inosanto.

    Descansa en paz… Y que la Fuerza te acompañe siempre, Ray.

  • Natalie Portman no cierra sus puertas a volver a aparecer en Star Wars.

    Natalie Portman no cierra sus puertas a volver a aparecer en Star Wars.

    La actriz Natalie Portman apareció por última vez en Star Wars en el año 2005, pero no dice que «no» a volver a la franquicia.

    Portman, de 41 años, hizo un vídeo para GQ en el que respondía a preguntas de fans haciéndose varias cuentas en redes sociales. La actriz llegó incluso a Reddit, donde un fan se preguntaba si «la actriz volvería a retomar el rol de Padmé en un proyecto futuro».

    Natalie Portman como Padmé Amidala, la reina de Naboo, en La amenaza fantasma.

    «No tengo información sobre esto. Nadie me ha pedido volver, pero estoy abierta a ello«, respondió Portman, quien ha interpretado a Padmé Amidala en las tres precuelas dirigidas por George Lucas en los 90 y principios de los 2000.

    Durante el vídeo, además, en el que también habla sobre si puede «hacer ballet» dado su papel en Black Swan además de su rol como Jaqueline Kennedy Onassis en la película de 2016, Jackie, comentó que el director Taika Waititi (de Thor: Love and Thunder) había «olvidado que ella había participado en Star Wars«.

    «Dijo que lo olvidó porque me preguntó si me gustaría estar en una película de Star Wars y le respondí que ‘Ya había estado’«, rememoró Portman. «Pensaba que estaba de broma, es tan bromista que creí que estaba mofándose. Y después dijo en una entrevista que estaba muy avergonzado por ello.«

    El director Taika Waititi (voz de IG-11 en The Mandalorian) está escribiendo una nueva película de Star Wars.

    Waititi, de 47 años, admitió para la revista Rolling Stone de Julio que «Portman y él habían hablado sobre trabajar juntos de nuevo durante la producción de la cuarta película de Thor«.

    «Natalie me preguntó: ¿Qué es lo siguiente que vas a hacer? Y le dije ‘Estoy intentando trabajar en una cosa de Star Wars. ¿Te gustaría aparecer en una película de Star Wars?’, y me dijo ‘Ya he estado en películas de Star Wars’. ¡Me había olvidado de aquellas!«

    Además, Portman indicó en el vídeo a GQ que «se había quedado con una de las coletas de Padawan de Anakin del Episodio II, pero luego la perdió«.

    En cualquier caso, y aunque Anakin no se habría olvidado de ella como Waititi, esperamos que Natalie pueda regresar a la saga, aunque sea en forma de cameo.

    Fuente:

    ¡Que la lectura os acompañe!

  • Nuevo arte decorativo de Star Wars por parte de Regal Robot

    Nuevo arte decorativo de Star Wars por parte de Regal Robot

    La empresa Regal Robot, reconocida por crear y personalizar réplicas de gran calidad de elementos de películas en forma de mobiliario y decoración, ha sacado nuevos productos que no deberían pasar desapercibidos para los fans de la saga galáctica.

    Sus creaciones, divididas entre «Accesorios para escritorio y decoración«, «Imanes«, «Placas de arte» y «Decoración dimensional para paredes«, incluyen estos nuevos productos:

    Imán del Mitosaurio – Colección «Bestias«.

    Originalmente visto en la hombrera de la armadura de Boba Fett en Star Wars: El Imperio Contraataca, el símbolo del Mitosaurio estuvo envuelto en misterio durante décadas. La temporada 3 de The Mandalorian nos dio un primer vistazo a la bestia mítica.

    Si bien la criatura solo se mostró en las sombras de las profundidades de las Aguas Vivas de Mandalore en televisión, el equipo de Regal Robot tuvo acceso a los activos oficiales de imagen y video de Lucasfilm y recreó fielmente a este animal en esta escultura.

    Los imanes de resina están 100% hechos en los EE.UU. y acabados a mano en su estudio de Nueva York, con capas de bronce falso y tonos plateados.

    Imán de la placa de Mitosaurio de Bo-Katan.

    Después de un encuentro con un Mitosaurio real en las Aguas Vivas de Mandalore, Bo-Katan solicitó este símbolo y la Armera elaboró esta nueva interpretación angular de la bestia clásica.

    Estos imanes son de resina sólida con pintura metálica falsa y una capa de intemperie. Un fuerte imán de neodimio permite su sujeción.

    Están hechos en los Estados Unidos, terminados a mano y vienen listos para exhibir.

    Imán de Soldado explorador.

    Esta creación de Star Wars se basa en los Scout Troopers (Soldados exploradores, también conocidos como Biker Scouts, o sea, Exploradores Motoristas) vistos por primera vez en la luna boscosa de Endor.

    Esta mini escultura magnética altamente detallada está pintada a mano en tonos plateados y negros para resaltar la armadura protectora y el casco usado por este tipo de soldado del Imperio. Un imán de neodimio fuerte permite colgarlo dondequiera que muestres tus imanes.

    Diseñado, prototipado y producido en los Estados Unidos, cada imán está fundido en resina sólida y pintado a mano por los artistas de Regal Robot en su estudio de Nueva York, con distintivos acabados falsos.

    Se envían listos para exhibir.

    Imán del Curandero Ewok Logray.

    Esta creación de Star Wars se basa en Logray, el Ewok Curandero y Chamán de la luna bosque de Endor.

    Esta mini escultura magnética altamente detallada está pintada a mano en tonos bronce y plata para resaltar el pelaje y el casco de cráneo aviar de Logray. Lleva un imán de neodimio fuerte para poder exhibirlo.

    Diseñado, prototipado y producido en los Estados Unidos, cada imán está fundido en resina sólida y pintado a mano por el estudio de Nueva York de Regal Robot, con distintivos acabados falsos.

    Se envían listos para exhibir.

    Mini escultura de Cráneo de Rancor.

    Inspirado por el Rancor que habitaba debajo del palacio de Jabba el Hutt, este cráneo de resina sólida altamente detallado está fundido y pintado a mano en los Estados Unidos. La tinción a mano acentúa los asombrosos detalles y la maravillosa escultura orgánica y hace de cada uno una obra de arte única.

    Al igual que nuestras otras piezas de decoración inspiradas en Star Wars, esta mini escultura de la calavera de un Rancor está lista para exhibirse y traerá un estilo clásico de Star Wars a su hogar, oficina, «guarida», «cueva fan» … ¡O incluso a una la fosa de Rancor!

    Toallero de rancor.

    Inspirado en el Rancor que habitaba en las profundidades bajo del palacio de Jabba el Hutt en Star Wars: El retorno del Jedi y las gárgolas de aspecto bronce que se ven en el estrado de Jabba, este toallero de resina y metal reúne forma, función y el silencioso estilo de Star Wars.

    ¡Esta nueva creación de Regal Robot continúa su tradición de ofrecer a los fanáticos nuevas formas de llevar Star Wars a sus hogares y sus vidas!

    Se cuelga simplemente con dos tornillos y tiene un anillo de 4.75″ de diámetro (12,065 cm.) adecuado para toallas de mano y paños para lavar.

    La escultura de Rancor de resina tiene un acabado de bronce falso. Con el anillo tiene una altura total de 7.5″ (19,05 cm.). Hecho en los Estados Unidos, pintado y terminado uno por uno a mano.

    ¿Quien es Regal Robot?

    Richard Riley y Tom Spina crearon Regal Robot hace 10 años con el objetivo de llevar a las casas de de los fans una temática única y genuina basada en sus películas favoritas. La frase que define su trabajo es «¿No sería genial que…?«, una suerte de lema que ha guiado su camino a través de estos años, y que comenzó cuando construyeron un escritorio de «Han Solo en Carbonita» para que fuera subastado por parte de un famoso músico ganador de un Grammy.

    A raíz del éxito, Regal Robot se labró una reputación a partir de la cual se ha convertido en una tienda imprescindible en convenciones como la Star Wars Celebration, colaborando estrechamente con empresas tan prestigiosas como la propia Lucasfilm.

    También tienen un «Custom Studio» en el que dotan de vida a las peticiones que realizan los fans específicamente para ellos, además de la enorme galería de productos que tienen a la venta desde su página web.

    Fuente: Regal Robot Website

  • Star Wars: Andor gana el prestigioso Premio Peabody en la categoría de Entretenimiento

    Star Wars: Andor gana el prestigioso Premio Peabody en la categoría de Entretenimiento

    Los Premios George Foster Peabody, conocidos como Premios Peabody (en inglés George Foster Peabody Awards y/o Peabody Awards), son unos premios anuales internacionales que se entregan a la excelencia de emisiones de radio o televisión en Estados Unidos. El primero fue otorgado en 1941 para los programas del año anterior; eran considerados los más antiguos honores en los medios electrónicos. Los premios son administrados por la Escuela Henry W. Grady de Periodismo y Comunicación de Masas en la Universidad de Georgia (UGA).

    Los Premios Peabody son generalmente considerados como los más prestigiosos premios de honor y distinción en los Estados Unidos a los logros dentro de los ámbitos de la emisión periodística, elaboración de documentales, programas educativos, programación infantil y el entretenimiento.

    Estos premios fueron inicialmente otorgados solo para la radio, pero en 1948 se introdujeron los premios de televisión. A finales de la década de 1990 se agregaron las categorías adicionales para el material que se distribuye a través de Internet.

    Bien, pues uno de los ganadores bajo la categoría de «Entretenimiento» en la 83ª entrega de estos prestigiosos premios ha resultado ser la serie Star Wars: Andor. Según indica la propia web de los galardones:

    «Pocas otras franquicias de larga duración son tan importantes en la imaginación cultural pop contemporánea de hoy como Star Wars. Con sus muchas trilogías, spin-offs y series de televisión, la creación original de George Lucas puede sentirse como una fuerza omnipresente tan abarcadora como su ficticio y muy vilipendiado Imperio. Sin embargo, en medio de historias de héroes impulsados por el destino y villanos superpoderosos condenados, Andor, de Tony Gilroy, aborda esa galaxia familiar con un ojo no (solo) para el espectáculo, sino con el agudo compromiso de hacer lo que la ciencia ficción y la fantasía pueden hacer mejor: reflejar nuestras propias pruebas y tribulaciones mundanas con suficiente resolución para que sus lecciones se vuelvan inevitables. Andor sigue al conocido ladronzuelo Cassian Andor (Diego Luna) cuando, sin saberlo, se radicaliza a raíz de un estado policial que intenta aplastar todos y cada uno de los signos de la Alianza Rebelde. Y en el proceso, nos presenta a una red de figuras galvanizadas que desean mejorar el estado de la galaxia, pintando un retrato de cómo las revoluciones se construyen sobre su propio fracaso recurrente, de cómo la esperanza puede y necesita brotar eternamente frente al autoritarismo fuera de control. Por evocar un mundo aterrador misteriosamente parecido al nuestro (a pesar de tener lugar hace mucho tiempo en una galaxia muy lejana), uno que enfatiza la necesidad de una organización de base para que un estado fascista no subsuma por completo cualquier chispa de rebelión, y por imaginar cómo la narración impulsada por la propiedad intelectual puede florecer en el panorama televisivo corporativo de hoy, Andor recibe un Peabody.»

    Nuestra más sincera enhorabuena.

    Que la lectura os acompañe.

    Fuente: Peabody Awards Website.

  • Las últimas noticias de Star Wars procedentes de la revista Empire Magazine

    Las últimas noticias de Star Wars procedentes de la revista Empire Magazine

    El cast de Skeleton Crew piensa que están en Andor

    Desde el principio lo que hemos sabido sobre la serie de Star Wars Skeleton Crew, es que se centra en un elenco joven. Su título en clave, «Grammar Rodeo«, fue tomado de un episodio de Los Simpsons en el que Bart y sus amigos de la escuela alquilan un coche con una identificación falsa y se meten en problemas viviendo una aventura por carretera. Y ese es el tipo de mundo en el que Jon Watts y Christopher Ford jugarán, solo que en la galaxia de Star Wars. El teaser mostrado en la Star Wars Celebration presentó a un grupo de niños galácticos que escapan de la escuela y la vida suburbana de su planeta tranquilo y se adentran en las estrellas, donde les esperan piratas, un Jedi y muchos peligros.

    Además de esa referencia profunda a Los Simpsons, el mayor punto de referencia aquí es Amblin, cuyas películas, como E.T. y Los Goonies, presentaban a personajes muy jóvenes enfrentándose a peligros reales. Y ayuda que la presidenta de Lucasfilm, Kathleen Kennedy, conociera ese mundo perfectamente. «La forma en que Kathy nos explicó Amblin fue que nunca pensaron en esas películas como películas para niños. Simplemente tenían niños«, comentó Ford a Empire durante la Star Wars Celebration. Es un sentimiento que están llevando a Skeleton Crew. «Todas las apuestas son tan reales como sea posible: los niños piensan que están en Andor«. Esos niños, específicamente, son Ravi Cabot-Conyers, Kyriana Kratter y Robert Timothy Smith, presentados en el escenario de la Celebration, además de Ryan Kiera Armstrong (que no pudo asistir al evento).

    Juntos, se enfrentarán a amenazas que incluyen al pirata alborotador Vane de la Temporada 3 de The Mandalorian (esto se sitúa en la misma era de la Nueva República de la línea temporal), mientras que el personaje misterioso de Jude Law se insinúa como un Jedi. Aunque el actor le ha comentado a Empire que su papel es «complicado«: su parte guiando a estos jóvenes podría no ser tan simple. «Necesitan orientación, pero son vulnerables«, dijo Law. «Y así, a lo largo de la historia, te cuestionas a todas las personas que conocen. ¿Es mi personaje bueno? ¿No lo es? Solo quieres que estén bien y vuelvan a casa. Pero si conoces el trabajo de Jon y Chris, sabrás que los niños no siempre están a salvo«. Prepárate para ver una nueva perspectiva en Star Wars. «Ver esta galaxia, este mundo que todos hemos amado desde que éramos pequeños, y el peligro, las divisiones, los héroes, los villanos, a través de los ojos de los niños, es brillante«, dice Law.

    Con suerte, al menos podemos confiar en él en eso.

    Fuente: Skeleton Crew en Empire Magazine

    Los tres episodios finales de la Temporada 2 de Andor relatarán los tres días anteriores a Rogue One: Una Historia de Star Wars.

    Entre las muchas cosas milagrosas de Andor, la asombrosa serie de Star Wars que explora la rebelión emergente en los cinco años antes de que Luke destruya la Estrella de la Muerte, quizás la más sorprendente es lo cautivadora que es, aún sabiendo exactamente hacia dónde se dirige. Centrada en el luchador rebelde Cassian Andor de Rogue One interpretado por Diego Luna, ya conocemos su destino en esa película de 2016: él y su compañera luchadora por la libertad, Jyn Erso, son consumidos por una explosión de la Estrella de la Muerte en el planeta Scarif, después de subir los esquemas secretos del superarma a la Rebelión justo a tiempo. Y desde el principio, el showrunner Tony Gilroy ha sido claro: su espectáculo terminará exactamente en el momento en que conocemos a Andor en Rogue One.

    Ahora, con la filmación de la segunda temporada de Andor, que saltará un año cada algunos episodios, avanzando más allá del punto medio, Gilroy ha insinuado un poco más de lo que se puede esperar de la última corrida de tiempo, diciéndole a Empire que el último bloque de tres episodios cubrirá específicamente «los últimos tres días antes de Rogue One».

    Y con un punto final definido en el horizonte, no se están haciendo concesiones. «Los riesgos que tomará esta temporada son muy diferentes«, promete Luna. ¿De qué manera? «De todas las formas«, dice Gilroy. «Mira, amigo, no estoy tratando de hacer una carrera aquí; si acaso, estoy en el declive de una larga carrera. Pero esta es una oportunidad. Esto es 1.500 páginas del material más dinámico para tratar las vidas de estas personas. Lo hicimos bien la primera vez, y no queremos aflojar el acelerador«.

    Si bien sabemos los destinos de Cassian Andor y Mon Mothma, para muchos de los personajes del reparto, su futuro es menos claro. Denise Gough dice que su villana, Dedra Meero, ganará fuerza en la temporada 2 («En las indicaciones de escena, me dijo Tony, ‘Dedra a saco‘»), y los revolucionarios más fanáticos como Luthen Rael de Stellan Skarsgård se enfrentarán los dolores del crecimiento de la Rebelión. «Algunos de sus ingredientes clave son el secreto, la paranoia, la falta de confianza y la traición. Entonces, ¿cómo es de difícil construir una revolución?» cuestiona Gilroy. «¿Y qué les sucede a los gángsters originales cuando otras personas se involucran?»

    Prepárate: la sublevación acaba de comenzar.

    Fuente: Andor en Empire Magazine

    Dave Filoni habla un poco más sobre su próxima primera película de Star Wars

    La saga de Star Wars siempre ha tratado sobre viajes épicos, ya sea la transformación de Luke Skywalker de granjero a maestro Jedi, la incursión de Din Djarin en la paternidad en The Mandalorian o el camino de Rey hacia el descubrimiento personal en la trilogía de secuelas. Y pocos viajes de Star Wars han sido tan épicos como el de Dave Filoni, el narrador que fue seleccionado personalmente por George Lucas para ayudar a dirigir The Clone Wars, estudió durante años bajo la tutela del maestro mismo, antes de crear su propio rincón de la galaxia y pasar a la acción en vivo con Mando y más allá. ¿Lo próximo? Dirigir una película, según confirmó Kathleen Kennedy en la Celebration de Star Wars, vinculada al universo de Mando y probablemente uniendo personajes como Din Djarin, Ahsoka y el villano Gran Almirante Thrawn. Su viaje acaba de tener un emocionante nuevo destino.

    Abundan las especulaciones sobre lo que implicará esa película: ¿será otro paso en la historia más amplia de Mandalorian-Ahsoka-Thrawn o podría ser la culminación de todo? «Culminación es una palabra interesante«, bromea Filoni, hablando con Empire en la Star Wars Celebration. «Según lo veo yo, hay [pequeñas] historias y luego está la gran historia del día. Una Nueva Esperanza, El Imperio Contraataca y El Retorno del Jedi cuentan las partes importantes del relato que realmente definen la historia del período. Hay todo tipo de subhistorias debajo de eso. Hemos estado construyendo todas estas pequeñas historias«.

    Si las series de Disney+ han permitido establecer a estos personajes y la era de la Nueva República en la que habitan, la película se trata de crear una imagen más grande. «Para mí, una experiencia teatral tiene que tener una gran idea: un momento monumental en el período que cambie lo que está sucediendo«, dice Filoni. «Lo que Tony [Gilroy] ha hecho [en Andor] y lo que hicimos en Rebels, todo cambia cuando Luke destruye la Estrella de la Muerte. Estás buscando esos momentos que definen una época, y de eso es de lo que realmente deberían tratar las películas, ya sea que los personajes se unan o un momento definitorio«.

    Apostemos ahora por cuál será ese momento definitorio. Con su fluido enfoque para contar historias y con personajes que aparecen y desaparecen en varias series y medios, Filoni está abierto a todas las posibilidades. «Tengo ideas, por supuesto. ¡No te diré cuáles son!«, ríe. Pero con la entrada de Thrawn en juego, la caída de la Nueva República en el horizonte y mucho material del canon de Legends para utilizar (incluido el regreso de la base militar del Monte Tantiss en La Remesa Mala extraída de las novelas de Timothy Zahn centradas en Thrawn, ‘Heredero del Imperio‘), debería ser una historia emocionante. «Hay pequeñas cosas que he construido en el camino a través de diferentes medios, todo en preparación para cosas que vendrán más tarde«, promete Filoni.

    Esperamos que su película no esté muy, muy lejos.

    Fuente: Dave Filoni para Empire Magazine.

    La animatrónica que ha cautivado a todos en la serie de Ahsoka

    Una de las mayores alegrías de Star Wars siempre ha sido su colección de criaturas, desde los adorables (y a veces no tan adorables) Ewoks, los Anzellanos que hacen «¡Heheyyy!«, los trinantes Porgs, los parloteantes Jawas, Greedo diciendo «Maclunkey» y así sucesivamente. Pocos han explotado en popularidad tanto como Grogu, el artista anteriormente conocido como ‘Baby Yoda‘, cuya llegada en The Mandalorian se mantuvo en secreto total, y cuya emotiva marioneta, cortesía de Legacy Effects, impresionó tanto a la audiencia como al mismísimo actor Werner Herzog. Pero preparémonos, porque en la próxima serie de Ahsoka, una criatura muy querida de la serie animada Star Wars Rebels está a punto de recibir su primer plano en acción real, lista para ganarse los corazones de todo el mundo. Os presentamos al Gato de Lothal.

    Como se reveló en el tráiler de Ahsoka, las adorables criaturas nativas del planeta Lothal jugarán un papel importante en la aventura en solitario de Ahsoka Tano. Aunque las breves apariciones de estas criaturas en The Mandalorian se realizaron con CGI, en la nueva serie la criatura es un nuevo animatrónico del equipo de Legacy. «Era real, estaba allí«, dice Mary Elizabeth Winstead, quien interpreta a Hera Syndulla en el show de acción real de Ahsoka al hablar con Empire en la Star Wars Celebration. El gato de Lothal animatrónico fue el favorito particular de Natasha Liu Bordizzo, quien interpreta a la guerrera mandaloriana Sabine Wren de Rebels en esta serie. «¡Era mi pequeño amigo!«, ríe. «Ese gato, la complejidad del diseño… Quiero decir, tiene un verdadero esqueleto allí debajo, porque así controlan expresiones faciales tan intensas y todo lo demás«.

    El escenario está preparado para una criatura que podría romper de nuevo Internet (o al menos acurrucarse en su regazo), incluso proporcionando una posible competencia para las imágenes virales de reacciones de Grogu. «Gruñía y era precioso«, dice la propia Ahsoka, Rosario Dawson. «Realmente, el detalle estaba al siguiente nivel«.

    Cuando Ahsoka llegue a Disney+ en agosto, prepárate para que comience la locura por el gatito de Lothal.

    O, como lo expresa Bordizzo: «¡Apártate, Grogu!«

    Fuente: Ahsoka en Empire.

  • Cómo abordó Aardman su corto de Star Wars: Visions ‘Yo soy tu madre’

    Cómo abordó Aardman su corto de Star Wars: Visions ‘Yo soy tu madre’

    Como todas las buenas historias de Star Wars, comenzó con una transmisión vital. Excepto que esta no era de la princesa Leia, ni fue entregada en la unidad de memoria de un droide R2.

    Simplemente fue una llamada telefónica a las oficinas de Aardman Animations, transmitida desde el Rancho Skywalker, hogar de la legendaria Lucasfilm, hasta la sede de la amada animación británica en Bristol, en marzo de 2021. Según la directora creativa ejecutiva de Aardman, Sarah Cox, «una llamada misteriosa«. Y al igual que el mensaje de Leia, llegó con una misión: que el estudio de animación stop-motion típicamente británico detrás de Wallace y Gromit y Chicken Run creara su propio corto para la antología animada Star Wars: Visions, con un encargo abierto para lo que eso pudiera implicar. Las posibilidades eran vastas. Pero para el estudio que una vez entregó una respuesta definitiva sobre si la luna está hecha de queso (lo está, como ahora sabemos, similar al Wensleydale), Cox tenía una gran pregunta: «¿Podemos ser divertidos?«

    La comedia rara vez ha estado en primer plano en la mente de Star Wars. Afortunadamente, desafiar los límites de lo que puede ser Star Wars es la razón de ser de Visions. El volumen 1, lanzado en septiembre de 2021, fue un emocionante experimento visual y narrativo, dejando que siete estudios de anime japoneses sueltos en la iconografía de la galaxia lejana, muy lejana para interpretarla como quisieran, lo que resultó en todo, desde duelos de samuráis en blanco y negro hasta vibrantes rapsodias de bandas de rock. A pesar de toda la locura, seguía arraigado en las tradiciones japonesas que inspiraron a George Lucas cuando creó por primera vez Star Wars, un intercambio cultural cíclico. En el volumen 2, que se transmite ya en Disney+, la serie se vuelve mundial, presentando cortos de países como India, Irlanda, Sudáfrica, Chile, Francia, España y, sí, el Reino Unido. «Siempre lo enmarqué como ‘pensad en el mapa de Street Fighter’«, se ríe James Waugh de Lucasfilm. «El elemento cultural del Volumen 1 fue tan único que sentimos que podía suceder en el Volumen 2 con múltiples perspectivas. Hubo una oportunidad aquí para mostrar realmente todas esas voces increíbles«.

    Y qué voz más increíble que la de Aardman, cuya película Wallace & Gromit: La maldición de las verduras ganó un Oscar en 2005, y cuya película Chicken Run sigue siendo la película de animación stop-motion más taquillera de todos los tiempos. «Realmente queríamos hacerlo. Quiero decir, ¿quién no lo haría?«, dice Cox. Pero sus preocupaciones sobre la comedia eran serias. «¿Hasta dónde podemos llevar la parodia? Porque eso es muy lo nuestro, de una manera muy cálida y apreciativa«. La promesa de la franquicia más grande de Hollywood unida al epítome del encanto hecho a mano también venía cargada de posibles peligros. «Realmente queríamos estar seguros de que había espacio para Aardman en esa relación, ¿sabes?» explica Cox. Eso es exactamente lo que Lucasfilm también quería. «Hubo un momento al principio en que eso era una pregunta para nosotros [de Aardman]«, recuerda Waugh. «¿Podemos hacer esto? ¿Podemos tener estos acentos? ¿Solo buscas el estilo de animación? Y nuestra perspectiva siempre fue: ‘No, eso es lo que haces. Eso es para lo que vinimos a ti. Y lo que queremos es ver cómo Star Wars puede manifestarse a través de esa perspectiva‘». ¡Dale!

    Para la directora Magdalena Osinska, algo destacaba de Star Wars: casi siempre se trataba de padres. «Conocía la frase, ‘Yo soy tu padre‘, y como soy madre, pensé: ‘Bueno, no creo que la relación entre madres e hijas, la maternidad en general, se explore mucho en Star Wars‘», dice. Así que cuando llegó la llamada dentro de Aardman de que se estaban aceptando propuestas de Star Wars, ella sabía exactamente lo que resonaba en su interior. Reflexionando sobre ideas mientras elegía una escuela primaria para que asistiera su hijo, su historia de Star Wars pronto se mezcló con recuerdos de su propia infancia y los sacrificios que su madre hizo por ella. «Crecimos en un lugar bastante desfavorecido en Varsovia, pero como era tan increíble y siempre creyó en mí, siempre me empujaba«, recuerda. «Logré ir a una muy buena escuela de arte y cine«. Pero el orgullo parental, inevitablemente, también viene mezclado con la vergüenza. «A pesar de que ella era tan maravillosa, especialmente cuando me visitaba aquí en el Reino Unido, me sentía un poco incómoda, básicamente destacábamos«, dice. «Cuando somos adolescentes, simplemente no apreciamos a nuestros padres y lo que han hecho por nosotros. Algunas partes de nuestra grandeza y logros vienen de ellos«.

    Su presentación de Star Wars, entonces, se convirtió en «una carta de amor para las madres«, llamada así por una interpolación de la cita más famosa de la saga: ‘Yo soy tu madre‘. A lo largo de 10 minutos, el cortometraje de Osinska cuenta la historia de Anni (Charithra Chandran), una adolescente Twi’lek y piloto en ciernes, cuya vergüenza adolescente hacia su amorosa y entusiasta madre Kalina (Maxine Peake) la hace rechazar participar en la «carrera familiar» organizada por el héroe piloto rebelde Wedge Antilles (interpretado de nuevo por Denis Lawson). Pero a través de varios enredos, la pareja se encuentra rápidamente en un vuelo vertiginoso contra la niña snob Julan Van Reeple (Bebe Cave) y su madre Dorota (Daisy Haggard). Hay un bebé Wookiee, un adorable droide-perro llamado Z-1 y muchos sostenes. «Eso es un gran guiño a Carrie Fisher, a quien adoro«, dice Osinska. «Fue inspirado por su discurso en el AFI [Premio a la Trayectoria de George Lucas], donde básicamente dijo: ‘Hay ropa interior en el espacio – Amidala pudo usar ropa interior, y me dijeron que no podía hacerlo’. ¡Hay ropa interior en el espacio!«

    El típico sentido del humor de Aardman, envuelto en un núcleo emocional tangible, resultó ser la combinación ganadora. «Había muchas propuestas al estilo de Creature Comforts en las presentaciones. Nos encantaron muchas de las ideas, quiero hacerlas todas«, dice Cox. Pero fue el espíritu de la underdog lo que lo selló. «No los personajes heroicos obvios«, observa Cox, «sino las personas en los márgenes a las que quizás no te conectes inmediatamente. El título, ‘I Am Your Mother’, era solo una puerta de entrada a lo que podría ser la película. Y fue una idea muy fuerte. Brilló desde el principio.» La conexión entre Anni y Kalina también conquistó el corazón de Waugh. «Aardman es uno de los estudios más talentosos que he visto. Cada presentación fue muy aguda, muy divertida, muy hilarante«, dice. «Pero la presentación de Magda era tan intrínsecamente humana, y trata sobre la familia y sobre una madre y una hija«. Si los problemas de Luke y Vader fueran tan simples como la humillación social…

    Con una rápida producción y un ambicioso plan para crear el corto en stop-motion en lugar de una técnica de CG o híbrida, Aardman activó el hiperimpulsor. «Lo mantuvimos real y lo más cerca posible del set«, dice Cox. «Teníamos pequeñas luces en la nave espacial. Todo liderado por un proceso analógico de stop-motion«. El trabajo comenzó en la creación de un corto que se sintiera personal para todos los involucrados. Osinska se inspiró en su fascinación recién descubierta por los días deportivos de la escuela primaria («Hay competiciones en Polonia, pero tener un día deportivo especial donde los niños saltan en sacos y los padres están realmente involucrados [es muy británico]«, dice), mientras que Peake y Chandran entregaron sus interpretaciones de voz con acentos del norte inconfundiblemente fuertes. «Charithra dijo de inmediato que se identificaba con Anni, porque sentía lo mismo acerca de su madre: hacerla destacar en la escuela, o escuchar música diferente y tener diferentes referencias culturales«, dice Osinska. «Solo más tarde se dio cuenta de que estas son cosas de las que debería estar orgullosa y que realmente debería apreciar. Y Maxine habla mucho sobre la falta de personajes femeninos con acentos de clase trabajadora. Ambas fueron perfectas en ese sentido«. Incluso el droide-perro Z-1 fue inspirado por el perro salchicha de la infancia de Osinska. «En Aardman, es algo muy importante eso de tener un perro«, se ríe.

    En cuanto al humor característico del estudio, las bromas fluían rápida y abundantemente. Un momento de comedia de Jawas al principio canaliza los mismos puntos de referencia del cine mudo que Shaun The Sheep. El cabello de la malvada Dorota está modelado a partir del casco de Darth Vader. Una cara familiar de Mandalorian aparece brevemente en forma reutilizada. Incluso el robot de esquí de A Grand Day Out de Aardman aparece en segundo plano. Se necesitarán múltiples visualizaciones para capturar todos los ‘easter eggs‘. «En el mercado, hay un puesto llamado ‘Tocado por Luke Skywalker’«, señala Osinska. «Está su rifle, sus binoculares, su mano perdida. Pero también está el sable de luz, que en las últimas tres [películas] Maz Kanata tenía en su poder. Los fanáticos se preguntaban realmente: ‘¿Cómo es posible que lo tenga?’ El Jawa está a punto de arrebatárselo, pero hay una mano naranja de Maz, agarrando el sable de luz y huyendo con él«. Cuando le dijo a Rey que era «una buena historia, para otro momento«, realmente lo dijo en serio.

    Para todos los que Aardman y Star Wars puedan parecer fuerzas extremadamente dispares, la curiosa química de Visions los equilibra. «Yo soy tu madre» es el resultado de un matrimonio sorprendentemente armonioso que saca a la luz el ADN británico latente de la saga. Si bien Lucas se inspiró en las tradiciones narrativas japonesas y estadounidenses, las películas fueron en gran parte producciones británicas y, en el innovador trabajo de Industrial Light & Magic, prosperaron gracias a los efectos de stop-motion. «Aardman tenía perspectivas muy similares debido al patrimonio de ILM y la naturaleza artesanal de las criaturas en la galaxia en las que George se apoyaba tanto», dice Waugh. «Había una fluidez instantánea en cómo se acercaban«. Para Cox, cuya primera experiencia en el cine fue ver Star Wars, eso fue evidente en el entusiasmo del equipo de Aardman. «Ver esa artesanía en un cine tuvo un gran impacto en mí«, dice. «Es igual para mucha gente. Se han metido en la artesanía cinematográfica, la iluminación, la construcción de escenarios: todas esas habilidades no reconocidas que se combinan tan bien en una película de Star Wars. Sentimos afinidad con esa apreciación por el detalle, la artesanía y el vestuario«.

    Después de haber sido presentado ante una multitud de 4.500 fanáticos en la Star Wars Celebration en Londres, incluyendo a la madre de Osinska, que voló desde Polonia para ver el cortometraje, la llegada de ‘Yo soy tu Madre‘ está siendo celebrada por Aardman de la manera más británica: con proyecciones especiales durante la hora del almuerzo en los dos sitios del estudio, y «pasteles temáticos de Star Wars«, dice Cox. El plan logró, en palabras de Waugh, contar «una historia auténtica en el estilo de Aardman, a través de la lente de Star Wars«. Y a pesar de los temores de Cox, también se permitió que fuera divertido. «Definitivamente es Aardman-conoce-a-Lucasfilm, pero también conoce a Magda en ese sentido, esa voz autoral individual«, entusiasma. «Lograr que cada uno cante en armonía fue el desafío, pero estoy muy satisfecha con cómo lo hemos logrado«.

    Incluso podría haber más por venir, dependiendo de lo que suceda con Visions en el futuro. Cox ve «absolutamente» el potencial de futuras aventuras. «Ciertamente para estos personajes«, dice. «Los hemos creado ahora, son geniales. Tienen vidas«. Tal vez incluso podríamos ver algunas de esas criaturas cósmicas inspiradas en Star Wars convertirse en realidad. O, si Magda tiene su camino, más del pequeño Wookiee. «Creo que se merece su propia serie«, dice emocionada. Como el mensaje de Leia a Obi-Wan, esa llamada telefónica fatídica de Lucasfilm a Aardman resultó finalmente ser un golpe directo.

    Boom.

    Fuente: Empire Magazine.

  • Carrie Fisher recibe su Estrella de la Fama el día de Star Wars

    Carrie Fisher recibe su Estrella de la Fama el día de Star Wars

    Para nosotros es de la realeza.

    En un apropiado tributo a Carrie Fisher, quien llevó a la vida a la Princesa Leia Organa en las trilogías originales y de secuelas, su familia, amigos y sus fans se reunieron en Hollywood el jueves por la mañana para desvelar su merecida estrella en el Paseo de la Fama.

    Su hija, Billie Lourd, fue quien aceptó el honor en ausencia de su madre. Con un vestido en el que aparece Leia con su look más icónico, la princesa y luchadora rebelde con dos moños espaciales de Star Wars: Una Nueva Esperanza, y maquillaje con purpurina que homenajeaba la costumbre de Fisher de lanzar dicho producto a los fans durante sus encuentros en las convenciones.

    Lourd, que interpretó a la Teniente Connix de la Resistencia junto a Fisher en las películas finales de la saga Skywalker, no siempre fue una fan. Recordó cómo descubrió por primera vez el profundo afecto que los fans tenían por Carrie y su personaje cuando la acompañó a una convención siendo niña. «Era la primera vez que me di cuenta de cómo de amplio y profundo era el amor de la gente por Leia», comentó. «La gente esperaba haciendo cola durante horas sólo para conocerla. Tenían tatuajes con su imagen. Ha habido gente que ha puesto su nombre a sus hijas. Algunos contaban historias de cómo les salvó la vida. Era una parte de mi madre que nunca había visto antes y fue mágico.»

    El logro póstumo añade el nombre de Fisher a las más de 2000 estrellas que se hallan en las calles alrededor del centro de Hollywood, y que incluyen la de sus padres Debbie Reynolds y Eddie Fisher, y la de su hermano en pantalla Luke Skywalker, Mark Hamill, quien la recibió en 2018.

    «Hoy, que el 4 de Mayo sea el Día de Carrie Frances Fisher», dijo Hamill al comienzo de la ceremonia, a la cual asistió también la Presidenta de Lucasfilm, Kathleen Kennedy, y J. J. Abrams, el director de Star Wars: El Despertar de la Fuerza y Star Wars: El Ascenso de Skywalker.

    «Era tan encantadora, tan divertida, tan adorable y tan sabia más allá de su edad», rememoró Hamill, «y tan brutalmente franca.»

    Lanzando su chaqueta a la hija de Hamill, Lourd dio un sentido discurso in memoriam al duradero legado de su madre, que incluyó su aclamado trabajo como escritora y como activista de la salud mental. «Os adoro», dijo Lourd a la multitud que se había reunido ante la incipiente lluvia. «Ella os adoraba.»

    El fallecimiento de Fisher, hace más de 6 años y medio, relanzó la adoración de Lourd por el trabajo de su madre. «Me he enamorado profundamente de Leia y del universo de Star Wars al completo», afirmó, autodenominándose «una fan obsesiva de Star Wars», lo que provocó los vítores del público. «Lloro cuando veo The Mandalorian, tengo una lámpara sable láser en mi salón y los azulejos del baño tienen Alas-X», indicó. «El amor de la gente por Leia no murió con mi madre. Sigue pasando de generación en generación, tal y como mi madre me lo pasó a mí.»

    Arrodillándose ante la estrella de Carrie Fisher, Lourd hizo un homenaje final, lanzando un poco de la purpurina de su madre al aire:

    «Mi madre era así de brillante», dijo Lourd. «Dejaba una marca de su chispa en todo aquel a quien conocía.»

    Fuente: StarWars.com