No se sabe mucho sobre la Magistrada Morgan Elsbeth, a quien conocimos en el capítulo 13 de The Mandalorian, cuando se enfrenta mano a mano con Ahsoka Tano… y pierde.
Sabemos que su gente fue masacrada durante las Guerras Clon. Sabemos que buscó venganza uniéndose al Imperio y castigando a cualquiera y quienquiera que se antepusiera en su camino. Sabemos que, de algún modo, obtuvo un chulísimo bastón de beskar por el camino, el cual usó con gran habilidad contra Ahsoka.
Pero eso era todo. No sólo la propia actriz que interpretó el rol, Diana Lee Inosanto, no sabía que su villana volvería en la serie de Ahsoka… ¡No sabía ni que tuviera nombre!
«Todo fue una sorpresa absoluta«, dijo Inosanto en el podcast de Entertainment Weekly, Dagobah Dispatch, al reunirse con sus compañeros de reparto Lars Mikkelsen, Ivanna Sakhno y el desgraciadamente fallecido Ray Stevenson. «Mirad, ni siquiera sabía que mi nombre era Morgan Elsbeth hasta la noche en que se emitió el capítulo. ¡En serio!«
Así pues… ¿Qué sabía Inosanto sobre su personaje? «Sólo sabía que era ‘La Magistrada’, así que tuve que inventarme yo su trasfondo al completo«, comentó. «La noche que se emitió, me quedé asombrada. Dije: ‘¿Pero tengo un nombre y todo?‘»
La propia actriz indicó que su revelación quedó ensombrecida por otra muy grande del mismo episodio: «Todos estaban alucinando con que Grogu tuviera nombre, ¿a que sí? Y yo mientras pensaba: ‘Oh, ¡yo también tengo un nombre, ¿sabes?!‘
No sólo tiene un nombre, sino que ahora tiene una serie entera en Ahsoka, e Inosanto está emocionada por poder representar todos los ángulos de Morgan Elsbeth. «Cuando supe que iban a expandir este personaje mi emoción subió hasta las nubes«, contó. «No podía creer cómo se alinearon los planetas y las estrellas. Y poder trabajar con un plantel de gente tan magnífica como actriz y sentir esa energía es un sueño hecho realidad.«
Así pues… ¿Qué puede decirnos sobre la Magistrada que veremos en Ahsoka? Parece que el creador de la serie, Dave Filoni, ha dado a Inosanto buen material sobre el que trabajar. «Lo más bonito es que Dave siempre está ahí para ayudar con lo que sea de su trasfondo«, indica. «Es una manipuladora nata, y sabemos que es fría como el hielo, pero este es un personaje que está verdaderamente dedicada y es leal al Gran Almirante Thrawn. Y nada se interpondrá en su camino.«
Y cuando hablamos de por qué, parece que tendremos más información sobre lo que lleva a Elsbeth a tales extremos. «Lo que de verdad adoro es que vamos a conocer su trasfondo«, comenta, emocionada. «Estoy emocionada y expectante, y creo que los fans van a quedar bastante fascinados y felices por esto.«
Inosanto ya sabe lo que implica actuar para un público con grandes expectativas. Después de todo, su gran pelea con la Ahsoka de Rosario Dawson en The Mandalorian fue supervisada en el set de rodaje por el mismísimo creador de Star Wars, George Lucas, y por la presidenta de Lucasfilm, Kathleen Kennedy.
«Son mis héroes«, recordaba la actriz. «Son pioneros. Así que cuando [el creador de The Mandalorian] Jon me los presentó pensé ‘¡Oh, Dios mío!’. Fue un gran honor. Tienes las mentes más creativas allí, ese día, incluyendo a Jon y a Dave. Fue simplemente increíble. Y luego hacer esa preciosa coreografía de lucha con Rosario… Es decir, ¡qué momento tan bonito y qué manera de vincularse con ella!«
Y ahora se prepara para el segundo asalto cuando Ahsoka se estrene este verano.
Si hay una misión importante, estos son los droides que estás buscando.
StarWars.com está emocionada de poder revelar (con pitidos felices) que el ‘D-Squad‘ (Escuadrón-D), el equipo estelar de droides liderado por R2-D2, como se vio en un arco memorable de Star Wars: The Clone Wars, regresa en una nueva miniserie de Marvel, Star Wars: Dark Droids: D-Squad.
En Dark Droids, el evento de crossover de cómics con tintes de horror de este verano, una amenaza misteriosa llamada la Plaga comienza a corromper a los droides, cíborgs y seres mecánicos de todo tipo. El mini spin-off Dark Droids: D-Squad, escrito por Marc Guggenheim con arte del [genial dibujante español] Salva Espín y David Messina, encuentra a Erredós reactivando a su súper equipo una vez más (con algunos cambios de personal: la nueva alineación está formada por R2-D2, IG-88, 4-LOM, WAC-47, BT-1 y 0-0-0) para combatir este peligro; además, el número 1 presenta una historia adicional protagonizada por Ajax Sigma, un nuevo personaje que apareció por primera vez en Star Wars: Revelations #1 del año pasado, y que se ha prometido desempeñar un papel importante en el crossover en su conjunto. Antes de que Dark Droids: D-Squad comience en agosto, StarWars.com se puso al día con Guggenheim para una sesión informativa de la misión.
StarWars.com: Sabemos que en la historia general de Dark Droids, algo está corrompiendo a los droides en toda la galaxia. ¿En qué punto entra tu miniserie?
Marc Guggenheim: D-Squad comienza justo después de los eventos del número 2 de Dark Droids. Sin revelar demasiado sobre ese número, basta con decir que la corrupción que afecta a los droides en toda la galaxia se vuelve evidente para R2-D2 de una manera muy directa y personal. Retomamos la historia en el período posterior a ese desarrollo y con Erredós dándose cuenta de que va a necesitar ayuda si quiere luchar contra esta amenaza.
StarWars.com: Los fans de Star Wars: The Clone Wars recordarán al D-Squad de un arco memorable de cuatro partes en el que Erredós lideraba un equipo de droides. ¿Revisaste esos episodios como preparación para esto?
Marc Guggenheim: ¡Absolutamente, claro! ¡Volver a ver esos cuatro episodios fue lo primero que hice!
StarWars.com: Siempre me encantó la idea del D-Squad y me alegra ver que el concepto regresa. ¿Cómo has disfrutado escribiendo un equipo de droides, incluyendo a algunos miembros que solo se comunican en pitidos y sonidos?
Marc Guggenheim:No voy a mentir: Es un desafío escribir un cómic donde casi todo el elenco habla un idioma incomprensible. Pero al mismo tiempo, eso es parte de la diversión. En la serie, tenemos páginas enteras en las que los droides se comunican entre sí en binario. Afortunadamente, contamos con el artista perfecto gracias a Salva Espín. He comentado varias veces a los editores que nunca he visto una mejor combinación entre artista y material. En manos de un artista menos hábil, toda la historia probablemente se derrumbaría.
StarWars.com: Dark Droids se ha presentado como una historia de terror. ¿Dirías lo mismo de la miniserie del D-Squad?
Marc Guggenheim:No, en realidad no. D-Squad es más bien una aventura desenfadada. Es una mezcla de alta aventura con todo el humor que pude conjurar. Lo enfoqué como la primera película de Los Vengadores, pero con droides en lugar de superhéroes.
StarWars.com: El primer número tendrá una historia adicional de 10 páginas llamada «El Libro de Ajax«. ¿Cómo se conecta la misión de Ajax en Dark Droids con tu trabajo previo en Star Wars, la reciente serie de Han Solo y Chewbacca?
Marc Guggenheim: «El Libro de Ajax» es bastante genial. Reúne hilos argumentales de Han Solo y Chewbacca y Star Wars: Revelations y los vincula directamente con el primer número de Dark Droids. Es realmente un estudio de personaje sobre Ajax Sigma, el droide que ha estado en el centro de mi trabajo en Star Wars hasta ahora y que tiene un papel destacado en Dark Droids. La historia explora la moralidad de Ajax y el difícil equilibrio que debe encontrar entre lo que siente que debe hacer como revolucionario y sus obligaciones como líder. Y como guinda del pastel, la historia está dibujada por mi compañero en Han y Chewie, David Messina.
StarWars.com: Por último, ¿quién es tu miembro favorito de esta versión del D-Squad?
Marc Guggenheim:¿Es una respuesta fácil decir Erredós? Sí, probablemente sea una respuesta fácil. Pero también tiene la virtud de ser verdadera. Siempre me sorprende lo vívida que es la voz de Erredós como personaje, a pesar de que nunca pronuncia una palabra en inglés. A pesar de eso, sabes exactamente quién es. Sabes que es valiente. Sabes que tiene garra y coraje. Es un logro realmente increíble en la narración, siendo sincero.
Dicho esto, probablemente me he divertido más escribiendo a WAC-47. Como diría un amigo mío de la universidad, Wac es «un idiota tan feliz». Gracias a la luz, la galaxia no depende de Wac para salvarla.
La actriz y Leyenda Disney tenía una molesta preocupación antes de la ceremonia por obtener su propia estrella en el célebre Paseo de la Fama de Hollywood, celebrada el martes pasado:
«¿Y si deletrean mal mi nombre en mi estrella?«
«Vivir el sueño americano con un nombre como el mío, creedme, no fue nada fácil. De hecho, era horrible«, dijo la actriz de cine y televisión antes de que se revelase su estrella. «Lo han pronunciado y deletreado mal tantas veces…«
«Mee-nay, Mee-now, señorita Nah-wen…«, comentaba, recitando la variedad de modos en que los Americanos confundían su nombre. Un director le aconsejó convertirlo en algo más inglés para que fuera más sencillo de recordar, pero la estrella de Marvel y Star Wars rechazó la sugerencia.
«Supongo que ahora estamos en el ‘Día de Ming-Na Wen’, así que tomé la decisión acertada«, añadió, en referenia a la resolución de la Cámara de Comercio de Hollywood y del Consejo de la Ciudad de Los Ángeles que decide a quién otorga el honor en su propio día. Wen se limpió las lágrimas de los ojos mientras la multitud aplaudía.
«Si pueden pronunciar ‘Arnold Schwarzenegger’«, bromeó más tarde, «también pueden decir Ming-Na Wen.«
Cuando se descubrió su estrella Wen la miró, colocando su mano sobre la superficie de terrazo de color rosa coralino con las palabras «Ming-Na Wen» grabadas en latón, tomándose un momento para sí misma e ignorando inicialmente las llamadas de la prensa para que mirase hacia ellos en las fotos. Se convirtió en una más de la pequeña lista de actores y actrices asiáticos – Anna May Wong, Mako, Bruce Lee, Jackie Chan, Lucy Liu y James Hong – en tener una estrella en el Paseo de la Fama.
Su estrella lleva el símbolo de la televisión debido, en gran medida, a su trabajo en la ópera ‘soap’ «As the World Turns«. Era la primera actriz asiática-americana en firmar un contrato para un rol de un drama diario interpretando a Lien Hughes durante cuatro temporadas que comenzaron en 1988, según indicó Steve Nissen, presidente y jefe ejecutivo de la Cámara de Comercio de Hollywood, quien habló durante la ceremonia. También dio vida a la Doctora Jing-Mei «Deb» Chen en la primera temporada de «Urgencias» junto a George Clooney, serie en la que aparecería durante siete temporadas. Para los niños de 1990, Wen es la voz de la protagonista del film animado de Disney «Mulan«. Y el público más reciente conoce mejor su trabajo en «Agentes de S.H.I.E.L.D.» de Marvel, y especialmente en las series de Star Wars «The Mandalorian«, «La Remesa Mala» y «El Libro de Boba Fett«.
Aún así, fue su trabajo en la gran pantalla la que la llevó a su éxito en Hollywood. Fue una de las estrellas de la película de 1993 «El Club de la Buena Estrella«, basada en la novela de Amy Tan con el mismo nombre. Fue la primera película de estudio grande con un reparto completo de asiáticos-americanos, casi todos mujeres.
Las co-estrellas del filme, Tamlyn Tomita, Lauren Tom y Rosalind Chao, estuvieron también en la ceremonia. En «El Club de la Buena Estrella» las cuatro hacen de inmigrantes chinos-americanos de segunda generación que navegan por la vida de la América blanca junto a sus madres. Y aunque direon sus propios discursos en el atril, las cuatro formaron un grupo cerrado en el que se abrazaron, rieron, hicieron bromas y lloraron juntas.
«Nos juntamos en un momento en que había muy pocas actrices asiático-americanas, así que la presunción era que éramos todas rivales«, dijo Tomita durante su discurso. «Pero la verdad es que todas sabíamos que sólo podíamos hacerlo lo mejor posible, y que a veces ganaríamos y a veces perderíamos, pero nunca fue una competición.«
Tomita, quien también hizo una audición para el mismo rol que Wen en «As the World Turns«, recordó verla en ese ámbito y «estar tan contenta de tener la oportunidad de volver a verla, retomar el tiempo perdido, charlar y reír juntas.«
«A veces nos reíamos tan alto que de vez en cuando nos mandaban callar«, añadió Tomita, con Wen interrumpiendo con una risa fuera de micro: «¡Como hoy mismo!«
«Por los asistentes de cásting, por nuestras madres en el set, por nuestras madres reales, por los asistentes de vuelo de los aviones que nos llevaban por todo el país y por las demás en plató«, continuó Tomita, haciendo gestos a Wen, Tom y Chao.
Wen comenzó su discurso volviéndose hacia sus compañeras y diciéndoles que ellas y muchas otras actrices asiáticas merecen tener sus propias estrellas en el Paseo de la Fama.
«Necesitamos cimentar este Bulevar de Hollywood con más talento asiático«, afirmó Wen, gesticulando con un brazo como si pincelase el pavimento con su mano.
Luego, Wen hizo un reconocimiento a los asiáticos-americanos de Hollywood que fueron a la ceremonia, incluyendo a Janet Yang, la presidenta de la Academia de las Artes y las Ciencias Escénicas que fue productora ejecutiva de «El Club de la Buena Estrella«. También hizo un reconocimiento al actor de 94 años James Hong quien, en Mayo de 2022, recibió su propia estrella en el Paseo de la Fama tras una campaña financiada por fans, convirtiéndose en el homenajeado más longevo.
Wen alabó el trabajo de Hong en «Todo a la vez en Todas Partes«, que rompió otras barreras con su reparto liderado por asiáticos que se llevó enormes honores durante la temporada de premios pasada, incluyendo el de Mejor Película en los Óscar de 2023.
Hong y Wen, ambos chinos americanos, formaron parte del Paseo de la Fama que incluye a otros dos asiáticos-americanos e isleños del Pacífico. El actor Jason Momoa es nativo de ancestros de Hawai y el artista musical Apl.de.ap, de los Black Eyed Peas, es descendiente Filipino.
Hacia el final de su discurso, Wen agradeció a su madre, Lin Chan Wen, sentada en primera fila, por emigrar de Hong Kong con ella cuando ésta era una niña. Dedicó la estrella a su madre.
«Quiero darte las gracias por mi nombre, porque puede no ser inglés, pero sí es americano«, comentó Wen, provocando aplausos afirmativos. «Y espero que mi estrella pueda ayudar a todos los americanos que hay ahí fuera, o a cualquiera, que no tengan que ser un «Tom», un «John» o una «Mary» para sentirse americanos. Pertenecéis a este lugar.«
Wen admitió que sentía que no merecía el honor del Paseo de la Fama y prometió «trabajar aún más duro para merecer la estrella«, apuntando además que nunca había sido nominada a ningún premio mayor durante una carrera que se ha expandido durante cuatro décadas.
«He lidiado con innumerables rechazos. He lidiado con sexismo, racismo… Tantos ‘ismos’…», denunció. «Y estoy dispuesta a hacer frente a esas luchas porque cuando llegan los trabajos, cuando esos pocos «síes» aparecen, niegan todos los «noes» y la diversión comienza de nuevo.«
Nuestra más sincera enhorabuena a la asesina más mortal del Borde Exterior, Fennec Shand.
Uno de los descubrimientos más deliciosos que han salido de la galaxia de Star Wars fue cuando Obi-Wan Kenobi en persona, Ewan McGregor, admitió a Entertainment Weekly que a veces usa la Fuerza para fingir abrir las puertas automáticas de una tienda con su mente.
Le comentamos esta anécdota a la mujer de McGregor, Mary Elizabeth Winstead, cuando ella y sus co-protagonistas Rosario Dawson y Natasha Liu Bordizzo, tuvieron la amabilidad de detenerse a hablar con el podcast de EW, Dagobah Dispatch, y ella la confirmó.
«Definitivamente le he visto hacerlo«, dijo entre risas.
En su siguiente rol como la piloto y líder militar Rebelde Hera Syndulla, Winstead se ha unido a su esposo (además de a la hija de McGregor, Esther Rose McGregor, quien interpretó a la vendedora de especia Tetha Grig en Obi-Wan Kenobi) en esta galaxia tan, tan lejana. Así pues… ¿Cuál fue el consejo que su legendario marido le dio a Winstead sobre formar parte de la franquicia?
«Estaba muy, muy feliz y emocionado por mí«, cuenta Winstead. «De verdad que sí. Estaba en plan ‘No hay nada como ser abrazado por esta comunidad y formar parte de ella. Es algo muy especial.’«
Hubo un tiempo en que McGregor parecía satisfecho por haber terminado con el rol de Obi-Wan (como admitió en Magic Radio, en 2016): «No tengo la ardiente necesidad de volver a hacerlo, o de hecho ningún tipo de fascinación por las películas que el resto de gente parece tener. De verdad que no. Quizá es porque estuve en ellas. He podido mirar tras la cortina, ¿sabes lo que quiero decir? No tiene ese mismo tipo de sensación de asombro para mí.«
Pero el tiempo – y escuchar la firme corriente apreciativa de los fans que crecieron con las precuelas – suavizó la perspectiva de McGregor al punto de que estaba muy emocionado de volver a ponerse la túnica y coger de nuevo el sable láser para la serie de Disney+ de 2022 sobre Obi-Wan Kenobi. «A través de los años su aprecio por esto ha crecido cada vez más«, afirmó Winstead. «Y he podido ser testigo de ello, y ver cómo ha crecido en él, y ver esta serie de Obi-Wan llevarse a cabo, y cómo sus sentimientos por conocer a los fans y ver su respuesta.«
Fue ese tira y afloja entre la estrella y los fans la que marcó la mayor impresión en la actriz. «Simplemente ser capaz de formar parte de este mundo y de algo que la gente tiene en tan gran estima, y de los personajes en los que estas personas invierten tanto es algo muy especial«, comenta. «Así que es increíble que podamos estar en este mundo juntos, aunque no estemos juntos, ¿sabes?«
Su compañera de reparto, Rosario Dawson, adora que la pareja ahora pueda compartir Star Wars. «Me encanta que seáis una especie de familia de Star Wars«, le espetó. «Recuerdo cuando Obi-Wan salió al público y me decías que, en la anticipación a su lanzamiento, la gente se os acercaba a deciros ‘Que la Fuerza os acompañe’«.
«¡Fue súper guay!«, respondió Winstead. «Íbamos a todas partes con guardias de seguridad, y siempre le daban un poco de atención especial a él. Y luego le decían ‘Que la Fuerza te acompañe’. Fue cuando Obi-Wan estaba a punto de salir, como en un momento especial en que la gente pensaba ‘Oh, Dios, sabemos que está a punto de estrenarse y queremos deciros que lo aprobamos’. Fue muy bonito.«
Esperamos que los fans también aprueben la serie de su mujer cuando Ahsoka se estrene en Agosto en Disney+.
«El ataque que anticipamos nunca llegó. El otrora invencible Imperio comenzó a fracturarse. La pequeña Rebelión se volvió atrevida. Y con una decisiva victoria en la Batalla de Endor, el reinado de terror del Emperador llegó a su fin.«
Ese es el comienzo de la narración que acompaña a la escena final de Star Wars: Rebels, y lo dice ni más ni menos que la insurgente Mandaloriana y valioso miembro de la tripulación del Fantasma Sabine Wren. Pero lo que más importa es cómo termina esa narración.
«Por mi parte«, continua Sabine, «solía pensar que Ezra contaba conmigo para proteger Lothal, el planeta y la gente que tanto quería. Pero un día me di cuenta de que había algo más. Había lgo más que yo debía hacer. Ezra está ahí fuera, en algún lugar, y es hora de traerlo a casa.«
Esas no sólo fueron las últimas palabras habladas en Rebels – acompañadas por Sabine y Ahsoka yendo juntas a comenzar a buscar a Ezra Bridger – sino también un aviso de la misión que por fin veremos desarrollarse cuando la serie de acción real de Ahsoka debute este Agosto en Disney+. Sabemos que Ahsoka está dando caza al Gran Almirante Thrawn, quien desapareció junto a Ezra a un lugar desconocido gracias a los esfuerzos de esos Purrgil capaces de saltar al hiperespacio (también conocidos como Ballenas Espaciales).
Tomando el rol de Tiya Sircar (quien puso su voz a la versión animada del personaje) está Natasha Liu Bordizzo, y la actriz explicó su aproximación al adaptar a Sabine para la acción real. ¿Repasó los viejos episodios de Rebels para aprender todo sobre el pasado de Sabine o prefirió ir de nueas con el personaje tal y como terminó? Se lo preguntamos cuando se unió a sus compañeras Rosario Dawson y Mary Elizabeth Winstead como invitadas del podcast de Entertainment Weekly, Dagobah Dispatch.
«Es decir, es un poco de ambas cosas», contó Bordizzo en términos de cómo usó el material original de Rebels. «Lo ví todo con la intención de capturar la esencia del personaje y tener este banco de recuerdos de donde partir, el cual ya costó tanto trabajo crear. Es increíble que un actor disponga de algo asi. Pero luego, la acción real es muy distinta. Así que lo absorbí todo y luego lo olvidé a la vez, algo un poco en equilibrio.«
¿Y cómo es la Sabine que conoceremos en Ahsoka respecto a la que vimos en Rebels? Después de todo, sólo tenemos esa escena del epílogo que echaba un vistazo al futuro. ¿Cómo es la Sabine de Bordizzo ahora?
«Ha pasado por muchas cosas y aún es una galleta cabezota«, dice Bordizzo. «Pero creo que se verá esa forma de ser que tiene al final de Rebels, fue una parte importante de la liberación de Lothal y muchos la reconocen como una heroína, pero ella no se siente así. Sólo piensa en la obligación que tiene para con su amigo. Tiene esa misión en la cabeza, no su estatus como héroe. Y tiene un enorme viaje que hacer con Ahsoka, así que la encontraremos al comienzo del mismo.«
Esperemos que esa galletita cabezota no se quede en migajas.
Dios sabe que Rosario Dawson tuvo que pasar muchísimo tiempo en la silla de maquillaje cada día en el set de la próxima serie de Disney+ sobre Star Wars, Ahsoka, pero ese no fue el único compromiso que tuvo que hacer para interpretar al personaje.
Convertirla en la guerrera Togruta y antigua Padawan Jedi de forma creíble fue más allá de imitar físicamente al personaje animado. También implicó igualar la ferocidad de Ahsoka en su técnica de lucha. Eso implicó entrenamiento. Mucho, mucho entrenamiento con el sable láser.
Dawson, hablando junto a sus co-protagonistas Mary Elizabeth Winstead y Natasha Liu Bordizzo para el podcast de Entertainment Weekly, Dagobah Dispatch, comentó el enorme trabajo que tuvo que realizar para dominar la técnica de sables láser dobles que es marca de Ahsoka. «Fueron dos horas al día, siete días a la semana. Fue bastante intenso«, comenta Dawson. «Y luego tienes que añadir los momentos de filmación real, las distintas batallas y tener que seguir estudiándolo.«
Ahsoka también presentó un desafío especial entrenando debido a su estilo de lucha único. «Es ambidiestra«, anota Dawson. «Fue mucho lo que había que convertir en algo propio.«
Además, hubo otra gran diferencia entre el personaje y la actriz. «Es tan fiera ya desde el principio…«, afirma Dawson. «Nunca fue cuestión de que ella sea capaz o no. Se enfrenta a cada combate muy de frente. No duda de sí misma en ninguna circunstancia, y esto es muy diferente a una persona que está aprendiendo artes marciales a sus 40 años, y que intenta proteger su cara.«
Pero la actriz y estudiante indica que tras mucho trabajo, algo hizo «click» en ella. «Hubo un momento, tras varios meses de entrenamiento, en que simplemente sentí que mi cuerpo se adaptaba en cierto modo. Recuerdo cuando hizo «click» en mí, y me sentí muy cómoda con ella, y muchas de estas cosas empezaron a ser más familiares y más fluidas. Ese momento es cuando de verdad conecté con Ahsoka.«
Por supuesto, Dawson tuvo mucha ayuda, incluyendo la del coordinador de dobles Ming Qiu, cuya aprobación tenía el mayor peso. «Estaba muy agradecida por el equipo que teníamos», comenta Dawson. «Y tener a alguien como Ming, quien comenzó a asentir y a decir ‘Muy bien, esto puede funcionar’. Cuando ella dijo ‘Esto no ha hecho que me duelan los ojos’. Ese fue el primer elogio que me dio y creo que hasta lloré. He requerido mucho esfuerzo para que pareciera algo sencillo, y que realmente se percibiera como algo reseñable para el ojo clínico.«
Más allá del entrenamiento con los sables láser, Dawson ha percibido la Fuerza, algo que cree que es accesible sin necesidad de mover las manos. «Es la intención y el deseo subyacente a ello«, afirma. «Siento que la tengo más allá de alguien que quiere mover un objeto. Definitivamente me he sentido mucho más poderosa y confiada interpretando a este personaje, y creo que se verá en pantalla. Incluso cuando estoy meditando, creo que hay una energía que tenemos, y un poder que tenemos y que si nos concentramos y nos centramos en él nos permitirá mover montañas.«
Un tipo diferente de entrenamiento, quizá, pero igualmente intenso.
Star Wars: El Retorno del Jedi llegó a los cines el 25 de mayo de 1983, poniendo fin a la trilogía original de manera memorable. En conmemoración de su 40 aniversario, StarWars.com presenta «Jedi a los 40«, una serie de artículos que celebran la película que nos trajo el palacio de Jabba, los Ewoks, el enfrentamiento final de Luke Skywalker con el Emperador y Darth Vader, y mucho más.
El Rancor se alza imponente como una criatura cuya aparición en pantalla en Star Wars: El Retorno del Jedi dura apenas tres minutos. En una escena que trae suspense, terror y acción al oscuro calabozo bajo el estrado de Jabba el Hutt, la bestia voraz se muestra, triturando a un guardia Gamorreano antes de dirigir su mirada formidable y temible hacia Luke Skywalker.
Rugiendo frente a la cámara con una boca gruñona llena de dientes afilados, el Rancor extiende sus garras sucias hacia Luke y la audiencia, listo para su próxima comida. Luego, sin un segundo que perder, Skywalker desesperadamente toma un cráneo y lo arroja al panel de control, haciendo que la puerta se estrelle sobre la bestia, poniendo fin a la emocionante batalla. Jabba está indignado. El cuidador del rancor está llorando. Y Luke Skywalker vive para luchar otro día.
Para celebrar el 40º aniversario del estreno de El Retorno del Jedi, recientemente StarWars.com se sentó por separado con Dennis Muren y Phil Tippett, supervisor de efectos visuales de la película y jefe del departamento de monstruos, respectivamente, para hablar sobre su colaboración en la fosa del Rancor, su duradera amistad y el legado de Star Wars.
StarWars.com: ¿Al comienzo del ciclo de producción, sentiste que El Retorno del Jedi era como una especie de último hurra?
Dennis Muren: Sí, en cierta forma lo sentí así. Después de haber hecho Star Wars y El Imperio Contraataca, ya sabes, era como «¿Otra más?» Había escuchado a [George Lucas] hablar de nueve películas o seis películas desde el principio de El Imperio Contraataca. En algún momento escuché mencionar 12 [risas], pero no sé qué tan cierto era eso. De todas formas, sabíamos que habría una tercera película después de la segunda. Así que estábamos listos para ello. Pero luego, ¿qué vendría después?
StarWars.com: Si podemos retroceder al principio, ¿recuerdas en qué punto de tu carrera y de tu vida te encontrabas cuando comenzaste a trabajar en «Jedi«?
Phil Tippett: Bueno, después del éxito de El Imperio Contraataca, en realidad nos solapamos un poco y nos pusimos directamente con Dragones y mazmorras. Y luego hicimos algo similar cuando estábamos terminando Dragones y mazmorras, nos pusimos directamente con El Retorno del Jedi.
Dennis Muren: Me había casado y estábamos pensando en tener hijos. Nos mudamos a una casa y estaba pasando todo eso. Me ofrecieron Dragones y mazmorras, luego me ofrecieron E.T. porque cuando [Industrial Light & Magic] comenzó, se dieron cuenta de que iba a haber más de una película a la vez. Creo que hubo un pensamiento de que tal vez un supervisor de efectos visuales haría todas ellas, pero eso fue una idea bastante mala. Al final, terminaron dividiéndolo entre varias personas… Esta «pequeña» [Steven] película de Spielberg, E.T. [risas]. Literalmente tuve que rodarla en 35 milímetros en lugar de VistaVision, porque no teníamos cámaras VistaVision. Y los decorados tenían que ser pequeños y estar en un rincón, porque Star Trek [II: La Ira de Khan] tenía grandes decorados por todas partes. Para cuando empecé a preocuparme de que cuando llegara Jedi iba a haber un choque por el equipo, en realidad trajimos a un administrador de producción para asegurarnos de que todo se repartiera y, sabiamente, Jedi se dividió en tres producciones para tres supervisores: yo, Richard Edlund y Ken Ralston. En realidad, no quería hacer ninguna de las tomas espaciales. Ya había tenido suficientes escenas espaciales en las otras películas. Así que me quedé con algunas cosas de tierra. Hice la secuencia del rancor. Hice algunas cosas pequeñas, caminantes caminando en el bosque y cosas así. Fue agradable para mí. Podía hacer algo que no había hecho. Y al estar en los bosques de secuoyas, podíamos llegar allí en tres horas y filmar cosas.
Phil Tippett: Lo primero que George necesitaba era poblar el palacio de Jabba. Le pedí ver el guion y él dijo que aún no lo había escrito. Y preguntó: «¿Puedes hacerme un montón de alienígenas espaciales, como con el juego de ajedrez? Vamos a hacer una escena como la cantina [en Star Wars: Una Nueva Esperanza], pero mucho más grande, así que necesitamos muchos más personajes». En ese momento no había muchos escultores cualificados, así que reuní a quien pude, y una vez a la semana nos reuníamos y George venía a ver nuestros diseños. Cada viernes podíamos tener media docena de diseños. George parecía responder muy bien a las maquetas tridimensionales. Podía verlas y darles vueltas y verlas bajo la luz, y, ya sabes, imaginar ángulos de cámara y demás. Y luego él elegía cosas. Decía: «Este de color amarillo con patas largas y un hocico será el cantante, y este pequeño tipo azul tocará el piano. Y este tipo, ¿qué es eso?». Nosotros decíamos: «Es un hombre calamar». Él decía: «Bien, ese será el almirante Ackbar».
StarWars.com: Phil, antes de que George llegue para ver tus diseños, ¿tenías una visión general de lo que querías lograr con esa variedad al principio?
Phil Tippett: No, nunca la tengo. Rara vez la tengo. Mi proceso era sentarme y ver qué sucede, ¿sabes? A veces hacía un boceto. No recuerdo haber hecho un boceto para ninguno de ellos. Y luego hacía una pequeña armadura de alambre y simplemente empezaba a poner «Sculpey», lo horneaba, lo pintaba y lo traía. Aprendí trabajando con George anteriormente que no le gustaban las cosas de terror. Era un gran fanático de [Jim] Henson. Yo puedo ir en cualquier dirección. Puedo hacer cosas de terror o cosas más caprichosas. Y siempre me gusta impregnar lo que hago con un poco de humor o historia, no tomar las cosas en serio. Excepto cuando se trataba de cosas como el Rancor, y ahí era tipo «Vale, realmente necesito un monstruo aterrador». Para [el resto del palacio], él quería una especie de bacanal divertida de criaturas.
StarWars.com: Me encantaría hablar un poco sobre su amistad, así como sobre algunas de las cosas en las que trabajaron juntos para Jedi, como la secuencia del foso del rancor. De todas las personas que trabajaban en ILM en aquellos primeros días, ¿qué crees que los unió como amigos y como colaboradores exitosos?
Dennis Muren: Bueno, nos conocíamos desde hacía unos 15 años en ese momento y habíamos trabajado juntos muy de cerca durante unos 10 años más o menos en ese momento. Creo que realmente nos complementamos mutuamente. Quiero decir, Phil es realmente un tipo extrovertido, práctico, un fabricante de modelos y escultor, creador de criaturas y objetos y cosas, que yo realmente no puedo hacer en absoluto. Yo soy más bien un fotógrafo estilista. Pienso en cómo algo encaja, cómo cada toma tiene que funcionar y cómo quieres maximizar el impacto para el público y también que se ajuste a la historia para que sea coherente con la película. Hacemos cosas completamente diferentes y, supongo, no sé por qué nos llevamos bien. Siempre lo hemos hecho.
Phil Tippett: Teníamos nuestras propias fortalezas, ¿sabes?, y jugábamos con ellas y era muy parecido a una relación tipo Lennon-McCartney en la construcción de esto. Era amigable. Si alguien tenía una mejor idea, íbamos por esa.
StarWars.com: Entonces, ¿eres John o Paul en este escenario? [Risas.]
Phil Tippett: Oh, no importa… bueno, definitivamente yo era John y Dennis definitivamente es Paul.
Trabajamos juntos haciendo anuncios en Hollywood, en Cascade Pictures. Y creo que teníamos una mentalidad similar. A veces nos juntábamos para una noche de películas y mostrábamos nuestras propias películas en formato de 8 mm y 16 mm y nos enseñábamos lo que estábamos haciendo. Todas las personas que presentaban cosas eran como, chicos de monstruos, ¿sabes? Había una tendencia a hacer cosas como King Kong o el cíclope de El séptimo viaje de Simbad. Yo acababa de graduarme en la UC Irvine y estaba muy influenciado por la pintura y el arte conceptual. [Una noche] estaba subiendo a mi coche después y Dennis también estaba subiendo a su coche y se acercó y eso realmente inició la relación. Dennis pudo ver que yo pensaba de manera poco convencional.
Dennis Muren: No es tanto una cuestión de confianza, porque confiamos en la mayoría de las personas con las que trabajamos, pero cuando has trabajado con alguien sabes lo que vas a obtener y puedes tener una idea de cuándo estará terminado y cómo se verá. Sabes, tienes un poco de influencia si algo te molesta y viceversa, Phil tiene influencia en lo que estoy haciendo. Y todos nos sentimos cómodos haciendo eso.
StarWars.com: Sí, también desarrollan un lenguaje propio entre ustedes.
Dennis Muren: Sí, eso es correcto. Y tenemos varios amigos así. Porque todos [vimos] las mismas cosas cuando éramos niños. Y respondemos a las mismas cosas en las tomas diarias. Y somos afortunados porque al público parece gustarle eso mismo también. Si no les gustara, ¿dónde estaríamos, verdad? Haríamos alguna película vanguardista en algún lugar.
StarWars.com: No estaríamos teniendo esta conversación.
Dennis Muren: [Risas.] No, no. Sería una comunidad mucho más pequeña.
StarWars.com: Dennis, como supervisor de efectos visuales, tienes que tener una visión, pero también estás tratando de ejecutar la visión del cineasta. ¿Recuerdas algún desafío en Jedi para cerrar la brecha entre lo que veías o lo que creías que la escena necesitaba y lo que George te decía?
Dennis Muren: Con el Rancor, al principio íbamos a intentar usar un hombre en un traje. Construimos un traje rudimentario y pensé que podríamos haber logrado algo con eso. No habría lucido como lo que se ve en la pantalla ahora, pero podríamos haber hecho algo. Pero George pensó que lucía demasiado torpe y podría haber terminado siendo algo muy falso. ¿Se parecería demasiado a algunos de los otros trajes que había en la película, ya sabes?
Phil Tippett: Cuando diseñé el Rancor y a George le gustó, decidió: «Bueno, vamos a hacerlo como el mejor traje de Godzilla». Eso es lo que dijo. Pero yo no lo había diseñado para que fuera así. Lo diseñé para que fuera más como una marioneta de animación en stop-motion. Y así, cuando construimos la versión del hombre en el traje del rancor, tenía mis dudas al respecto. Y luego, Norman Reynolds envió un set para la cueva del rancor y yo me metí en el traje, y Kirk Thatcher, el técnico de criaturas, se metió en el traje, y Dave Carson, el escultor, también se metió en el traje. Y Dennis filmó tomas que estaban en el guion gráfico. Pero simplemente se veía comola m***da.
StarWars.com: ¿Qué era lo que no funcionaba en esas tomas? ¿Era simplemente obvio que era un hombre en un traje?
Phil Tippett: Sí. No estaba diseñado para eso. Tiene aproximadamente la fisiología de un humano. Tienes que hacer extensiones de brazos y demás. Pero incluso en el comportamiento, hay una correlación entre el comportamiento de un simio antropoide y un ser humano. Cuando estás creando criaturas alienígenas, puedes hacer prácticamente lo que quieras siempre y cuando se sienta como debería ser.
Estábamos grabando pruebas durante la semana de las diversas criaturas que estábamos haciendo. Un día, para el personaje azul, Red Ball Jet [más tarde rebautizado como Max Rebo], era el final del día y teníamos que grabar una escena, y yo había construido la cosa para probarla y asegurarme de que no se rompiera o se desarmara. Y George había seleccionado la canción «Super Freak» de Rick James como la pista temporal para que hiciéramos una pantomima. Me metí en el traje y hice la pantomima con la canción. Y mi esposa Jules llega para recogerme porque solo teníamos un auto en ese momento. Y ella dice: «Bueno, ¿dónde está Phil?» Está en el traje. Y ella dice: «No… eso no puede ser porque Phil no tiene sentido del ritmo». Te canalizas a ti mismo y luego te conviertes realmente en el personaje, y un tipo como yo que no tiene absolutamente ningún sentido del ritmo y nunca ha bailado en su vida puede ponerse esto y, de repente, creer que lo tienes. Los personajes cobran vida de esa manera.
StarWars.com: ¿Cómo funciona esa cualidad transformadora para ti cuando pasas al rancor y es más una marioneta de mano que un traje completo que estás encarnando?
Phil Tippett: Bueno, un monstruo es un monstruo, y no tiene que hacer mucho más que ser una entidad amenazadora. Básicamente, calculas el peso del agua de la criatura en función de su altura. El rancor medía alrededor de 10 o 12 pies de altura, y a partir de ahí podías descubrir cómo hacer la pantomima. Llegamos a un punto en el que estábamos viendo las tomas diarias y George terminó diciendo: «Bien, haz lo que quieras. Nos hemos quedado sin tiempo». Y habíamos sido un poco precavidos. Tom St. Amand construyó un armazón de animación en stop-motion para la criatura, pero luego Dennis se dio cuenta de que estábamos yendo a contrarreloj y solo teníamos unos meses, y la configuración de stop-motion estaba llevando demasiado tiempo. Así que Dave Carson construyó un set en miniatura. Construimos una marioneta de mano y varillas para poder generar metraje mucho más rápidamente.
StarWars.com: Creo que fue en agosto de 1982 cuando George vio la versión del hombre con el traje y lo canceló. Llevaban trabajando en esta película durante más de un año y medio en ese momento, y ahora volvían a estar en punto muerto con esta criatura en particular. ¿Recuerdas cómo te sentiste al recibir esa noticia?
Phil Tippett: Estábamos contentos.
StarWars.com: [Risas.] Oh. ¡Esa no es la respuesta que esperaba!
Phil Tippett: No estábamos contentos por el cronograma, pero sabíamos que teníamos que hacer algo diferente porque esto no funcionó. Y no estábamos seguros de que alguna vez lo haría, incluso mientras lo estábamos construyendo. En primer lugar, no teníamos mucho tiempo, o el tiempo que se necesitaría para hacer algo así. Por lo general, lo que harías es tener mucho cuidado. Harías un molde de un cuerpo humano en una posición determinada. Tomarías arcilla y lo construirías todo, y luego cogerías los moldes y harías enormes piezas de espuma de goma y las aplicarías y harías extensiones de brazos más sofisticadas y ese tipo de cosas. Y simplemente no teníamos ese dinero o tiempo. Así que simplemente lo fabricamos con láminas de espuma utilizando cortadores de carne de pavo, cuchillos eléctricos, para esculpir el material. Lo cual es como hicimos todo prácticamente. Pero, ya sabes, era el producto de su proceso, que desde el principio no comenzó de la mejor manera.
Dennis Muren: No recuerdo el orden antes de que se nos ocurriera la marioneta de mano o de quién fue la idea. Simplemente no quería hacer algo como go-motion como habíamos hecho en «El dragón del lago de fuego». Eso es una pesadilla y lleva mucho tiempo.
Había estado promoviendo marionetas de varillas. Estaba buscando formas de acelerar todo el proceso porque estas películas eran muy costosas. Tal vez era obvio, «Hagámoslo con marionetas de varillas como los Muppets». Lo intenté un poco en las escenas de persecución en moto. Algunas de esas escenas de persecución en las que ves las motos volar o incluso pasar rápidamente frente a la cámara, son maquetas. Ves a Luke y Leia y están hechos a una velocidad lenta, filmando con Phil o [el asistente de cámara] Mike McAlister o alguien que sostiene una varilla en la cabeza de la marioneta. Sé que estaba buscando muchas formas de hacer las cosas más rápido pero que aún se vieran bien, ¿sabes? Y tal vez de ahí fue de donde surgió una solución para esto. La clave estaba en hacer que las varillas y todo el set estuvieran lo suficientemente ajustados. Pero me gusta esa idea de estar encerrado en este espacio pequeño e imaginar cómo se vería esta criatura grande.
Phil Tippett: Mi tendencia con los monstruos es no ser tan literal con las cosas y tratar de tener cierto nivel de como, «¿Qué es eso?» George y yo diferíamos en nuestras ideas sobre cómo debería ser un rostro. Creo que las cosas deberían ser difíciles de mirar hasta que hayas visto tres o cuatro tomas y luego comiences a armar la imagen en tu mente. Eso es más como un monstruo para mí, ¿sabes? Es como si vieras una viuda negra subiendo por tu brazo, tu primera reacción es visceral incluso antes de pensar: «Es una viuda negra». A George siempre le gustaba ver un rostro que pudiera ser expresivo.
StarWars.com: ¿Dirías que tienes afinidad por la marioneta de mano y ese aspecto del trabajo?
Phil Tippett: No, no importa mucho. Simplemente te proyectas en el personaje que estás interpretando. Y hay maestros titiriteros ahí fuera que son mucho mejores que yo. Pero el rancor era un tipo particular de criatura y yo tenía la experiencia para lograrlo.
Dennis Muren: Las cuatro personas que manipulan al rancor, incluyéndome a mí y a Kim Marks, quien intentaba filmarlo, estamos todos apretados en un área de probablemente tres o cuatro pies cuadrados para poder hacerlo. [Tippett operaba la boca y la cabeza del rancor, Tom St. Amand tenía a los dos asistentes de Eben Stromquist que manipulaban los codos, brazos y dedos, y Dave Sosalla controlaba los pies]
StarWars.com: ¿Es una situación de trabajo difícil? ¿O prosperas en eso porque todos ustedes tienen una comunicación fluida entre ustedes y se mueven en conjunto con los demás a tu alrededor?
Phil Tippett: Sí, no fue una sorpresa. Sabes, simplemente fue en plan, «De acuerdo, ese es el escenario». Ahí es donde haces tu actuación.
Dennis Muren: Es mucha gente teniendo que actuar ahí dentro, pero es necesario para que se vea real. Simplemente te acercas como si fuera real. No retrocedes con un objetivo más largo para que todos tengan más espacio. No haces la cueva un poco más grande para que todos tengan más espacio. Esa secuencia, creo que realmente ayudó porque todo el set se suponía que era muy pequeño y quería asegurarme de mantener la apertura de la cueva como, ya sabes, de unos 50 o 75 pies de diámetro. Creo que ayuda acercarse mucho a ello. Y tanto yo como Phil somos bastante buenos para poder mirar las cosas y decir: «Tío, parece una marioneta de mano. Intentemos otra toma».
Phil Tippett: Filmábamos a alta velocidad, en todas partes, desde 76 fotogramas por segundo hasta 120 fotogramas por segundo. El proceso de la pantomima es lo opuesto a la animación cuadro por cuadro, que es como esculpir en cámara lenta. A alta velocidad, si ibas a hacer una toma de cuatro segundos, tenías que actuar muy rápidamente. Y hacíamos montones de tomas porque no sabíamos qué teníamos y en ese momento no teníamos reproducción instantánea. Solo lo revisábamos en los «dailies». George se dio cuenta rápidamente. Llegábamos a los «dailies» y él decía: «¿Cuántas ‘dailies’ tienes?» Por lo general, solo generábamos una o tal vez dos tomas al día si teníamos suerte. [Con el Rancor] tendríamos como 60 tomas y seleccionaríamos seis para enviarlas a Duwayne Dunham en la sala de edición.
Dennis Muren: Se volvió muy elaborado e incluso hicimos algunas escenas ¡al revés! Solo necesitábamos obtener esa toma de tres segundos y sabíamos desde dónde [Phil y el rancor] tenían que comenzar, la actitud que el rancor debía tener y hacia dónde tenía que llegar. Solo teníamos que obtener tres segundos de eso. Luego podíamos pensar, ya sabes, intentémoslo al revés. Intentemos grabar a cámara lenta y hacer que Phil se mueva muy rápido y veamos si eso se aleja de la apariencia de una marioneta de mano.
StarWars.com: ¿Crees que el tamaño claustrofóbico del set también ayudó a vender esa escala y peso?
Dennis Muren: Sí. Casi nunca ves la figura completa. Y la parte superior está iluminada muy brillante y el resto está muy oscuro. Teníamos buenas luces en los ojos del rancor. Puedes ver muy bien sus globos oculares. Así que estás mirando la amenaza en la cara; no importa lo maravillosa que sea esa cara, si puedes ver un destello en los ojos, cobra vida. Y movimos la cámara por todos lados, lo cual no podríamos haber hecho con muchas otras técnicas. No quería hacer nada de eso. Justo frente a la cámara. Real.
StarWars.com: Ese destello en los ojos, creo que realmente ayuda a venderlo.
Dennis Muren: La saliva también. Estoy seguro de que fue idea de Phil.
StarWars.com: Seguro [risas]. Pero creo que fue tu idea filmarlo como si fuera un documental de naturaleza, lo cual fue un golpe de genialidad. ¿Recuerdas qué te inspiró esa decisión?
Dennis Muren: La realidad, ya sabes, es ver muchas películas. Se reduce a: ¿qué quieres sentir? No recuerdo cuántas tomas tuvimos en esto. Tal vez unas 20 o algo así. Así que es muchas veces para verlo en este espacio pequeño. Para mantenerlo interesante, quieres meterte ahí y hacerlo como en Toro Salvaje, ya sabes, algo así. Estás ahí sintiéndolo y no puedes verlo del todo. Me hubiera gustado hacerlo aún más oscuro, pero en ese momento era bastante arriesgado hacerlo tan oscuro.
Solo estoy hablando de que cuando todo se siente tipo «¡Sáquenme de aquí! ¡Estoy atrapado aquí!» Pero no es una película de Toro Salvaje. Es una película de Star Wars, así que no necesitas ser tan dramático en la sensación, pero sí quieres que se sienta, pensé, no exactamente con cámara en mano, pero un poco más radical y algo que no se había hecho mucho antes en películas de efectos.
StarWars.com: Hay una gran foto en la que Phil posó al Rancor peleando falsamente con el dragón de DragonSlayer. ¿Cuál es la historia detrás de eso?
Phil Tippett: Pensamos que sería divertido. Teníamos a ambos personajes. ¿Por qué no? Solo estaban ahí. Terry Chostner [del departamento de fotografía fija] hizo un retrato de eso.
Dennis Muren: [Risas.] No recuerdo si estuve presente cuando tomaron esa foto o no. Es genial ver esa acción. ¿Quién va a ganar? Creo que parece que el Rancor va a ganar. Tal vez esa era la secuela que nunca sucedió.
StarWars.com: También hay una gran foto de ustedes dos tomados de la mano con el rancor, sonriendo y como estrechando manos con la marioneta.
Phil Tippett: No es tanto una historia com… creo que era porque la cosa estaba terminada. Estábamos listos para filmar. Estaba listo para ser colocado frente a una cámara. Siempre tomábamos muchas fotos de broma.
Dennis Muren: Creo que acababa de salir del molde. ¡Aquí está! Pero podría haber sido un molde temprano. Sabes, simplemente amo ese tipo de cosas. Los olores, las personas que lo hacen, las herramientas y la tecnología, los fluidos y los polvos, y los motores que los mezclan y luego los vierten en [el molde]. Simplemente amo eso. Crecí amando eso y trabajando en eso en Cascade, excepto que en lugar de un dragón o un rancor, era el Pillsbury Doughboy. Algo estaba sucediendo. La vida lucha por crear vida. Puedes verlo, sentirlo, saborearlo, puedes acercarte y tocarlo y cambiarlo con tus manos.
StarWars.com: Hablando de manos, hemos escuchado la historia de que un día, mientras filmaban la secuencia del Rancor, la mano de Phil resultó herida y, Phil, quedaste atrapado dentro de la marioneta durante horas.
Phil Tippett: Había un gran foco de 5K en su soporte y la perilla no había sido girada lo suficiente. Y casualmente tenía mi mano en el lugar donde la luz sube y baja, y simplemente bajó y aplastó mi mano entre el pulgar y el índice, lo que hizo que se hinchara en una gran ampolla de sangre. Así que una vez que metí la mano dentro de la [marioneta], era como una yema que tenía que apretar para pasar, y mi mano se había hinchado tanto que no podía sacarla.
StarWars.com: En ese momento, ¿por qué no dijiste, «Tenemos que parar por hoy. No puedo hacer esto. Estoy herido«?
Phil Tippett: No sabía que no podía sacar la mano hasta que no pude hacerlo. Tengo una tolerancia muy alta al dolor.
Dennis Muren: Ni siquiera recuerdo eso. Si hubiera sido lo suficientemente grave, no habríamos continuado o alguien más lo habría hecho. Phil probablemente decía: «Oh, estaré bien». Sería realmente gracioso si nunca me hubiera enterado porque no quería darme la opción de decir: «Deberíamos detener esto».
StarWars.com: Más allá de la fosa del Rancor, trabajasteis juntos en algunos momentos clave, como cuando Han es descongelado del carbonita y algunas partes de la batalla en Endor. En el caso de Han, ¿cuál fue el desafío con esta secuencia en particular?
Dennis Muren: Sabes, no recuerdo mucho de la historia, pero la solución fue bastante simple, simplemente lo invertimos y pusimos una luz en el interior de esto, filmamos el humo y luego, en stop-motion, rompimos la fundición que estaba en el exterior.
Phil Tippett: Teníamos el rectángulo de carbonita, y simplemente quité el molde de eso y hice una cáscara de cera a partir de eso, luego la perforé y la pinté para hacer este tanque de peces. Luego vertí cera en él, y la cera tenía aproximadamente un cuarto de pulgada de profundidad. Bombearía mucho humo y luego usaría una cuchilla X-Acto desde la parte trasera para empezar a animar la apertura de estos agujeros.
Dennis Muren: Siempre habría estos fragmentos de luz saltarines saliendo. Quién sabe qué está pasando, pero sabes que algo está sucediendo en el interior. Y con suerte será satisfactorio y funcionará. Y así fue, gracias a Dios.
Phil Tippett: Obtuve todo eso en una toma para ese elemento, y luego hice un molde de espuma de goma de la cara de Harrison Ford y la pinté para que se pareciera a un humano, y la coloqué sobre una pantalla verde que Bruce Nicholson compuso más tarde. Teníamos eso como una marioneta de mano, por lo que cuando toda la carbonita desaparece, entonces él puede abrir la boca.
StarWars.com: Sabiendo lo que saben ahora, después de haber trabajado en la industria durante tantos años, ¿habrían abordado alguna de las secuencias de manera diferente con las herramientas o los conocimientos que tienen ahora?
Phil Tippett: No, sabes, no teníamos tiempo, así que simplemente nos lanzamos y lo hicimos. El cronograma lo impulsaba todo.
Dennis Muren: Sabes, nunca pensé en eso. Me gusta mucho más ese aspecto que si hubiera sido una gran producción de gráficos por computadora, que es como se habría hecho ahora. Gran parte de [los gráficos digitales] se ve muy falso. Gran parte de ello no tiene ninguna relación con el mundo real porque no hay física involucrada en ello. [Para Han,] creo que lo que se muestra en la película es algo orgánico y que los fragmentos de luz que salen con algo que brilla son reales. A veces puedes ver eso en una tormenta de nieve o algo así con una luz. Es algo con lo que puedes relacionarte.
Phil Tippett: Y luego, más tarde, creo que fue para una fiesta de Navidad, compilamos rollos de cosas tontas. Así que hice una pantomima de la marioneta de Han Solo sincronizando los labios con «Thank Heaven for Little Girls» de Maurice Chevalier. Robé el espectáculo.
StarWars.com: ¿Por qué creen que esta película en particular, de todas las películas de Star Wars, tiene un resonancia duradera en las personas de tal manera que seguimos hablando de ella 40 años después?
Phil Tippett: Bueno, por un lado, tanto Lucas como [Steven] Spielberg eran muy conscientes de la historia del cine. Y lo que puedes hacer con efectos especiales es generar una gran cantidad de espectáculo y cosas que no habías visto antes. Y en un entorno de ciencia ficción y fantasía, era nuevo. Nadie había visto algo así. George tenía esta idea sobre los autos de carreras. Quería ver naves espaciales volando como autos de carrera. George siempre quería, si estabas haciendo una toma con velocidad, era para ver cosas que se acercaran a ti. Fue una capa nueva de pintura sobre un género antiguo con una nueva tecnología.
StarWars.com: ¿Cuál es, en tu opinión, el lugar de El Retorno del Jedi en la historia de los efectos especiales y el cine?
Dennis Muren: Me alegra que «Jedi» fuera un gran éxito… Fue un gran cierre y siempre pareció que era el final de la serie. Y qué cosa tan increíble, para mí y seguramente para todos los demás, trabajar en esto, entrar en esta pequeña película espacial de la que pensábamos: «¿Quién sabe qué pasará con ella?» Y luego, ocho años después, terminarla y que cada una satisfaga a millones de personas. Fue asombroso. Punto.
Star Wars: El Retorno del Jedi llegó a los cines el 25 de mayo de 1983, poniendo fin a la trilogía original de manera memorable. En conmemoración de su 40 aniversario, StarWars.com presenta «Jedi a los 40«, una serie de artículos que celebran la película que nos trajo el palacio de Jabba, los Ewoks, el enfrentamiento final de Luke Skywalker con el Emperador y Darth Vader, y mucho más.
Siempre es un buen momento para volver a ver Star Wars: El Retorno del Jedi, especialmente ahora que la película celebra su 40 aniversario. Pero mientras muchas escenas son divertidas de ver una y otra vez, desde buscar en las sombras del Palacio de Jabba para descubrir nuevas criaturas hasta intentar identificar a todos los Ewoks en Endor, si estás viendo El Retorno del Jedi en Disney+, no te pierdas los momentos que no llegaron al montaje final de la película. Estas cinco secuencias incluyen metraje de los héroes y villanos principales de la película, personajes menos conocidos como Moff Jerjerrod y extras que nunca aparecieron en pantalla.
La Batalla de Endor: Los Rebeldes Perdidos
Los Rebeldes Perdidos es una colección de clips que muestran a pilotos rebeldes, oficiales y soldados en escenas eliminadas que iban a formar parte de la Batalla de Endor. Los dos primeros pilotos que se muestran son los actores Poppy Hands y Ann Murray; la piloto que interpreta Hands apareció en la película como un personaje llamado más tarde Sila Kott, pero su voz fue doblada por un actor masculino. Otras líneas que se pueden incluir en la épica batalla espacial son «Es una zona de fuego intenso allá abajo«, «Estoy dentro del rango«, «Estoy perdiendo potencia» y «¡Alejaos… Va a explotar!» además de un piloto Mon Calamari que pronuncia de manera acertada la línea «¡Calamar frito esta noche!«.
La recopilación incluso nos muestra algunas líneas de diálogo del General Madine rebelde, quien desempeña un papel pequeño pero importante en El Retorno del Jedi. Aunque no vemos a Madine durante la Batalla de Endor en la película final, aquí podemos echar un vistazo al puente de mando de su nave. Estas tomas, al igual que varias tomas de segunda unidad en Jedi, fueron dirigidas por George Lucas.
El Conflicto de Jerjerrod
Aunque no recuerdes el nombre del Moff Jerjerrod, que nunca se pronuncia en pantalla, si has visto El Retorno del Jedi, probablemente hayas sentido un poco de compasión hacia el oficial Imperial que se pone muy nervioso ante Darth Vader al comienzo de la película. El papel de Jerjerrod como Comandante de la Estrella de la Muerte II se expande significativamente con esta colección de escenas eliminadas.
Una escena incluye a Jerjerrod y dos Guardias Reales del Emperador tratando de frenar a Vader cuando se dirige a ver a Palpatine, resultando en que Vader estrangula a Jerjerrod a través de la Fuerza. La siguiente sección muestra una secuencia alternativa donde el Emperador ordena a Jerjerrod que destruya la luna de Endor si los rebeldes tienen éxito en volar el generador de escudo. Una escena posterior muestra a Jerjerrod y varios oficiales imperiales siguiendo esa orden.
Asalto Rebelde al Búnker
Las escenas del Asalto Rebelde amplían la secuencia en la que Han, Leia, Chewie y soldados rebeldes se abren paso hacia el edificio del generador de escudo Imperial. En una encantadora toma alternativa, después de que un oficial Imperial llama a Han y Leia «escoria rebelde«, Solo responde audazmente «¿escoria?» al oficial de una manera tan encantadora como solo Han podría lograr.
Tormenta de Arena en Tatooine
La primera secuencia filmada para El Retorno del Jedi el 11 de enero de 1982 en los Estudios Elstree no sería vista por el público hasta pasados varios años después del estreno de la película. Mientras que en el filme se pasa directamente de Han, Luke, Leia y el grupo escapando del Palacio de Jabba en un deslizador de arena a una toma del Halcón Milenario y el Ala-X de Luke en el espacio, la idea original era que los rebeldes se reunieran en medio de una tormenta de arena en Tatooine.
Con gafas de protección, Luke les dice a Han y Leia que no puede ir con ellos porque «tengo una promesa que cumplir… a un viejo amigo«. Poco después, Han se lleva a Luke a un lado y le da las gracias por ir a rescatarlo antes de que Luke se ponga un guante negro en su mano herida y se prepare para irse en su Ala-X con R2-D2. Cuando se eliminó la secuencia de la tormenta de arena de la película por motivos de ritmo, estas líneas de diálogo y momentos importantes de los personajes se trasladaron a las tomas desde el espacio.
Llegada de Vader y Llamando a Luke
Otra escena eliminada temprana en la película ocurre justo después de que Darth Vader sugiere a Moff Jerjerrod encontrar nuevas formas de motivar a los trabajadores de la Estrella de la Muerte II. Se muestra a Vader en su cámara de meditación, que en realidad es una toma sacada de El Imperio Contraataca, llamando a Luke a través de la Fuerza. Mientras tanto, Luke y R2-D2 están seguros dentro de una cueva en Tatooine, mientras Luke trabaja en su nuevo sable de luz de hoja verde y se lo entrega a su leal astromecánico. En la edición final de la película, las primeras tomas que el público ve de Tatooine son de C-3PO y R2-D2 dirigiéndose al Palacio de Jabba.
Puedes encontrar estas escenas eliminadas de El Retorno del Jedi en Disney+ bajo la pestaña de «Extras», donde también encontrarás un tráiler original de la película.
En este pequeño fragmento de una entrevista de 20 páginas para Empire con todos los protagonistas, creativos y la presidenta de LucasFilm, Manny Jacinto nos cuenta que su personaje solo es un tipo común, no un Jedi, alguien que quiere pasar un rato y se ve involucrado en La Alta República.
La serie, ambientada más de 100 años antes de los acontecimientos de la saga Skywalker, tiene lugar al final de la era de la Alta República, recientemente establecida en una serie de novelas y cómics. Aunque es una parte de la línea temporal en la que los Jedi prosperan, con sables de luz por todas partes, Jacinto no será uno de ellos. En su lugar, explica a Empire en la Star Wars Celebration, es «un tipo normal, que intenta pasar un buen rato y que se ve envuelto en el mundo de la Alta República y los Jedi, le guste o no». ¿Estamos a punto de tener el equivalente en Star Wars de Jason Mendoza, la quintaesencia del «tipo normal, que intenta pasar un buen rato»?
El próximo número de Invasión Secreta de Empire incluye un enorme reportaje de 20 páginas sobre Star Wars, que se adentra en el futuro de la saga con nuevas entrevistas y sesiones de fotos con las estrellas más brillantes de la galaxia: Kathleen Kennedy, Dave Filoni, Rosario Dawson, Tony Gilroy, Diego Luna, Jude Law, Katee Sackhoff, Mary Elizabeth Winstead, Andy Serkis, Amandla Stenberg y muchos más. Desde Ahsoka, pasando por Andor temporada 2, hasta The Mandalorian, The Acolyte y el trío de próximas películas, es un viaje expansivo por todo lo que Star Wars tiene que ofrecer en los próximos años. La revista salió el 12 de mayo.
El cast de Skeleton Crew piensa que están en Andor
Desde el principio lo que hemos sabido sobre la serie de Star Wars Skeleton Crew, es que se centra en un elenco joven. Su título en clave, «Grammar Rodeo«, fue tomado de un episodio de Los Simpsons en el que Bart y sus amigos de la escuela alquilan un coche con una identificación falsa y se meten en problemas viviendo una aventura por carretera. Y ese es el tipo de mundo en el que Jon Watts y Christopher Ford jugarán, solo que en la galaxia de Star Wars. El teaser mostrado en la Star Wars Celebration presentó a un grupo de niños galácticos que escapan de la escuela y la vida suburbana de su planeta tranquilo y se adentran en las estrellas, donde les esperan piratas, un Jedi y muchos peligros.
Además de esa referencia profunda a Los Simpsons, el mayor punto de referencia aquí es Amblin, cuyas películas, como E.T. y Los Goonies, presentaban a personajes muy jóvenes enfrentándose a peligros reales. Y ayuda que la presidenta de Lucasfilm, Kathleen Kennedy, conociera ese mundo perfectamente. «La forma en que Kathy nos explicó Amblin fue que nunca pensaron en esas películas como películas para niños. Simplemente tenían niños«, comentó Ford a Empire durante la Star Wars Celebration. Es un sentimiento que están llevando a Skeleton Crew. «Todas las apuestas son tan reales como sea posible: los niños piensan que están en Andor«. Esos niños, específicamente, son Ravi Cabot-Conyers, Kyriana Kratter y Robert Timothy Smith, presentados en el escenario de la Celebration, además de Ryan Kiera Armstrong (que no pudo asistir al evento).
Juntos, se enfrentarán a amenazas que incluyen al pirata alborotador Vane de la Temporada 3 de The Mandalorian (esto se sitúa en la misma era de la Nueva República de la línea temporal), mientras que el personaje misterioso de Jude Law se insinúa como un Jedi. Aunque el actor le ha comentado a Empire que su papel es «complicado«: su parte guiando a estos jóvenes podría no ser tan simple. «Necesitan orientación, pero son vulnerables«, dijo Law. «Y así, a lo largo de la historia, te cuestionas a todas las personas que conocen. ¿Es mi personaje bueno? ¿No lo es? Solo quieres que estén bien y vuelvan a casa. Pero si conoces el trabajo de Jon y Chris, sabrás que los niños no siempre están a salvo«. Prepárate para ver una nueva perspectiva en Star Wars. «Ver esta galaxia, este mundo que todos hemos amado desde que éramos pequeños, y el peligro, las divisiones, los héroes, los villanos, a través de los ojos de los niños, es brillante«, dice Law.
Con suerte, al menos podemos confiar en él en eso.
Los tres episodios finales de la Temporada 2 de Andor relatarán los tres días anteriores a Rogue One: Una Historia de Star Wars.
Entre las muchas cosas milagrosas de Andor, la asombrosa serie de Star Wars que explora la rebelión emergente en los cinco años antes de que Luke destruya la Estrella de la Muerte, quizás la más sorprendente es lo cautivadora que es, aún sabiendo exactamente hacia dónde se dirige. Centrada en el luchador rebelde Cassian Andor de Rogue One interpretado por Diego Luna, ya conocemos su destino en esa película de 2016: él y su compañera luchadora por la libertad, Jyn Erso, son consumidos por una explosión de la Estrella de la Muerte en el planeta Scarif, después de subir los esquemas secretos del superarma a la Rebelión justo a tiempo. Y desde el principio, el showrunner Tony Gilroy ha sido claro: su espectáculo terminará exactamente en el momento en que conocemos a Andor en Rogue One.
Ahora, con la filmación de la segunda temporada de Andor, que saltará un año cada algunos episodios, avanzando más allá del punto medio, Gilroy ha insinuado un poco más de lo que se puede esperar de la última corrida de tiempo, diciéndole a Empire que el último bloque de tres episodios cubrirá específicamente «los últimos tres días antes de Rogue One».
Y con un punto final definido en el horizonte, no se están haciendo concesiones. «Los riesgos que tomará esta temporada son muy diferentes«, promete Luna. ¿De qué manera? «De todas las formas«, dice Gilroy. «Mira, amigo, no estoy tratando de hacer una carrera aquí; si acaso, estoy en el declive de una larga carrera. Pero esta es una oportunidad. Esto es 1.500 páginas del material más dinámico para tratar las vidas de estas personas. Lo hicimos bien la primera vez, y no queremos aflojar el acelerador«.
Si bien sabemos los destinos de Cassian Andor y Mon Mothma, para muchos de los personajes del reparto, su futuro es menos claro. Denise Gough dice que su villana, Dedra Meero, ganará fuerza en la temporada 2 («En las indicaciones de escena, me dijo Tony, ‘Dedra a saco‘»), y los revolucionarios más fanáticos como Luthen Rael de Stellan Skarsgård se enfrentarán los dolores del crecimiento de la Rebelión. «Algunos de sus ingredientes clave son el secreto, la paranoia, la falta de confianza y la traición. Entonces, ¿cómo es de difícil construir una revolución?» cuestiona Gilroy. «¿Y qué les sucede a los gángsters originales cuando otras personas se involucran?»
Dave Filoni habla un poco más sobre su próxima primera película de Star Wars
La saga de Star Wars siempre ha tratado sobre viajes épicos, ya sea la transformación de Luke Skywalker de granjero a maestro Jedi, la incursión de Din Djarin en la paternidad en The Mandalorian o el camino de Rey hacia el descubrimiento personal en la trilogía de secuelas. Y pocos viajes de Star Wars han sido tan épicos como el de Dave Filoni, el narrador que fue seleccionado personalmente por George Lucas para ayudar a dirigir The Clone Wars, estudió durante años bajo la tutela del maestro mismo, antes de crear su propio rincón de la galaxia y pasar a la acción en vivo con Mando y más allá. ¿Lo próximo? Dirigir una película, según confirmó Kathleen Kennedy en la Celebration de Star Wars, vinculada al universo de Mando y probablemente uniendo personajes como Din Djarin, Ahsoka y el villano Gran Almirante Thrawn. Su viaje acaba de tener un emocionante nuevo destino.
Abundan las especulaciones sobre lo que implicará esa película: ¿será otro paso en la historia más amplia de Mandalorian-Ahsoka-Thrawn o podría ser la culminación de todo? «Culminación es una palabra interesante«, bromea Filoni, hablando con Empire en la Star Wars Celebration. «Según lo veo yo, hay [pequeñas] historias y luego está la gran historia del día. Una Nueva Esperanza, El Imperio Contraataca y El Retorno del Jedi cuentan las partes importantes del relato que realmente definen la historia del período. Hay todo tipo de subhistorias debajo de eso. Hemos estado construyendo todas estas pequeñas historias«.
Si las series de Disney+ han permitido establecer a estos personajes y la era de la Nueva República en la que habitan, la película se trata de crear una imagen más grande. «Para mí, una experiencia teatral tiene que tener una gran idea: un momento monumental en el período que cambie lo que está sucediendo«, dice Filoni. «Lo que Tony [Gilroy] ha hecho [en Andor] y lo que hicimos en Rebels, todo cambia cuando Luke destruye la Estrella de la Muerte. Estás buscando esos momentos que definen una época, y de eso es de lo que realmente deberían tratar las películas, ya sea que los personajes se unan o un momento definitorio«.
Apostemos ahora por cuál será ese momento definitorio. Con su fluido enfoque para contar historias y con personajes que aparecen y desaparecen en varias series y medios, Filoni está abierto a todas las posibilidades. «Tengo ideas, por supuesto. ¡No te diré cuáles son!«, ríe. Pero con la entrada de Thrawn en juego, la caída de la Nueva República en el horizonte y mucho material del canon de Legendspara utilizar (incluido el regreso de la base militar del Monte Tantiss en La Remesa Mala extraída de las novelas de Timothy Zahn centradas en Thrawn, ‘Heredero del Imperio‘), debería ser una historia emocionante. «Hay pequeñas cosas que he construido en el camino a través de diferentes medios, todo en preparación para cosas que vendrán más tarde«, promete Filoni.
La animatrónica que ha cautivado a todos en la serie de Ahsoka
Una de las mayores alegrías de Star Wars siempre ha sido su colección de criaturas, desde los adorables (y a veces no tan adorables) Ewoks, los Anzellanos que hacen «¡Heheyyy!«, los trinantes Porgs, los parloteantes Jawas, Greedo diciendo «Maclunkey» y así sucesivamente. Pocos han explotado en popularidad tanto como Grogu, el artista anteriormente conocido como ‘Baby Yoda‘, cuya llegada en The Mandalorian se mantuvo en secreto total, y cuya emotiva marioneta, cortesía de Legacy Effects, impresionó tanto a la audiencia como al mismísimo actor Werner Herzog. Pero preparémonos, porque en la próxima serie de Ahsoka, una criatura muy querida de la serie animada Star Wars Rebels está a punto de recibir su primer plano en acción real, lista para ganarse los corazones de todo el mundo. Os presentamos al Gato de Lothal.
Como se reveló en el tráiler de Ahsoka, las adorables criaturas nativas del planeta Lothal jugarán un papel importante en la aventura en solitario de Ahsoka Tano. Aunque las breves apariciones de estas criaturas en The Mandalorian se realizaron con CGI, en la nueva serie la criatura es un nuevo animatrónico del equipo de Legacy. «Era real, estaba allí«, dice Mary Elizabeth Winstead, quien interpreta a Hera Syndulla en el show de acción real de Ahsoka al hablar con Empire en la Star Wars Celebration. El gato de Lothal animatrónico fue el favorito particular de Natasha Liu Bordizzo, quien interpreta a la guerrera mandaloriana Sabine Wren de Rebels en esta serie. «¡Era mi pequeño amigo!«, ríe. «Ese gato, la complejidad del diseño… Quiero decir, tiene un verdadero esqueleto allí debajo, porque así controlan expresiones faciales tan intensas y todo lo demás«.
El escenario está preparado para una criatura que podría romper de nuevo Internet (o al menos acurrucarse en su regazo), incluso proporcionando una posible competencia para las imágenes virales de reacciones de Grogu. «Gruñía y era precioso«, dice la propia Ahsoka, Rosario Dawson. «Realmente, el detalle estaba al siguiente nivel«.
Cuando Ahsoka llegue a Disney+ en agosto, prepárate para que comience la locura por el gatito de Lothal.
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